24 septembre 2011

Tillie’s punctured romance (1914) de Mack Sennett

Titre français : « Le roman comique de Charlot et Lolotte »

Le roman comique de Charlot et LolotteUne jeune fille de la campagne se laisse persuader par un beau parleur de voler l’argent de son père et de s’enfuir avec lui en ville… Tillie’s Punctured Romance est le premier long métrage comique de l’histoire du cinéma. Il a été conçu pour mettre en valeur Marie Dressler, actrice à la carrure imposante qui lui permet de jouer des rôles de maitresse-femmes. L’actrice connaissait bien l’histoire pour l’avoir jouée à Broadway en 1910. Mais le second rôle, Charlie Chaplin, lui vola la vedette. Le roman comique de Charlot et Lolotte Le public et la critique n’eut d’yeux que pour lui. S’il n’a pas son costume de vagabond, il utilise largement toute sa gestuelle comique et manifeste comme toujours une forte présence à l’écran. L’humour est dans la pure tradition slapstick,  avec beaucoup de coups mais également une bonne utilisation certaines situations. Forcé de produire à la Keystone plusieurs courts métrages chaque semaine, Mack Sennett mit trois mois pour tourner Tillie’s Punctured Romance du fait des difficultés pour avoir tous ses acteurs disponibles.  (Film muet)
Elle: –
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Marie Dressler, Charles Chaplin, Mabel Normand, Mack Swain, Charles Bennett, Chester Conklin
Voir la fiche du film et la filmographie de Mack Sennett sur le site IMDB.

Remarques :
Le roman comique de Charlot et Lolotte A noter la présence de Charlie Chase (le détective assis à côté de Mabel Normand dans la salle de cinéma), de Roscoe Fatty Arbuckle (c’est l’un des Keystone Cops à la fin). Le petit garçon, vendeur de journaux, serait (d’après ses dires) Milton Berle, acteur qui eut une longue carrière notamment à la télévision américaine ; on pense néanmoins qu’il s’agit en réalité de Gordon Griffith (le jeune acteur qui interprétera Tarzan-enfant dans la première version de Tarzan). Edward Sutherland (également l’un des policiers) est un futur réalisateur, il réalisera même un film homonyme en 1928.

Le roman comique de Charlot et Lolotte Le film a été charcuté et tronqué au fil des ans. Il est ressorti plusieurs fois. Ces versions traficotées commencent généralement par montrer Chaplin (au lieu de montrer Marie Dressler). La version originale de 84 minutes a été restaurée en 2003. On la trouve notamment dans le coffret récent consacré à la période Keystone de Chaplin : « La naissance de Charlot »

Du fait de son immense succès, le film eut deux suites (avec Marie Dressler mais sans Chaplin et sans Mabel Normand) :
1. Tillie’s Tomato Surprise (1915) (film perdu)
2. Tillie wakes up (1917)

Homonyme :
Tillie’s Punctured Romance (1928) de Eddie Sutherland avec W.C. Fields (ce ne serait pas un remake) (film perdu)

23 septembre 2011

Visages d’Orient (1937) de Sidney Franklin

Titre original : « The Good Earth »
Autre titre français : « La terre chinoise »

La terre chinoiseL’histoire d’un couple de fermiers en Chine, à l’époque de la guerre civile… Adaptation d’un best-seller de Pearl Buck, Visages d’Orient  est une grande production de la MGM qui nécessita trois années de tournage. 200 hectares d’une vallée californienne furent transformés en campagne chinoise, des tonnes d’éléments de décor furent importées de Chine ; 1500 figurants furent employés. Le fait de faire interpréter des personnages chinois à des acteurs américains peut gêner. Cela ne correspond plus à nos standards modernes et choquera même certains spectateurs. Quand on accepte de dépasser cela, force est de constater que les performances de Luise Rainer et de Paul Muni sont assez remarquables. L’histoire, assez émouvante, est bien mise en place et développée. Certaines scènes sont très spectaculaires : les foules dans la grande ville au moment de la Révolution sont impressionnantes avec une scène de pillage d’un palais qui grouille de monde et l’attaque des sauterelles est une merveille de trucages, vraiment saisissante. Visages d’Orient / La Terre chinoise bénéficie d’une réalisation parfaite et d’une interprétation pleine de sensibilité. Le film reste assez prenant aujourd’hui.
Elle: –
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Paul Muni, Luise Rainer, Walter Connolly, Tilly Losch, Charley Grapewin
Voir la fiche du film et la filmographie de Sidney Franklin sur le site IMDB.

Voir les autres films de Sidney Franklin chroniqués sur ce blog…

Remarques :
1) Ont également participé à la réalisation :
– George W. Hill qui a tourné certains plans en Chine en 1933/34. Il devait être le réalisateur du film. Il est mort en 1934 avant que le tournage proprement dit ne commence.
– Sam Wood, qui a tourné certaines scènes dont celle du pillage.
– Victor Fleming
– Gustav Machatý

2) La période couverte par cette saga va globalement de 1900 à 1925. Il faut donc garder à l’esprit qu’à sa sortie, le film traitait d’une Histoire assez récente.

22 septembre 2011

From the manger to the cross (1912) de Sidney Olcott

From the manger to the cross Très méconnu, Sydney Olcott est un réalisateur d’origine canadienne qui fait partie des tous premiers réalisateurs outre-Atlantique. From the Manger to the Cross (= De la crèche à la croix) est son film le plus marquant. Il reconstitue l’histoire du Christ, de Bethléem au Golgotha. Il est remarquable pour au moins deux raisons : durant un peu plus de 70 minutes, il s’agit de l’un des tous premiers longs métrages américains (1) et le film a été tourné entièrement sur les lieux mêmes, pratique totalement inédite à l’époque. Sydney Olcott s’est en effet rendu en Palestine avec une petite équipe (une traversée de plusieurs semaines) et a utilisé de nombreux figurants sur place (2)(3). From the Manger to the Cross Dans sa forme, le film est plutôt moins novateur : il est organisé en tableaux, scènes où la caméra est fixe (4) et dont le contenu est le plus souvent annoncé par un intertitre composé d’une citation de la Bible. Citer la Bible permettait d’ajouter du crédit au film (5). Les liaisons entre les tableaux sont rares. En 1912, cette forme de cinéma était sur le point de disparaître. Le point fort du film est donc l’authenticité des lieux et le soin porté aux reconstitutions ; c’est certainement pour ces raisons que le succès à l’époque fut immense. (film muet)
Elle: –
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Robert Henderson-Bland, Gene Gauntier
Voir la fiche du film et la filmographie de Sidney Olcott sur le site IMDB.

Remarques :
* Certains tableaux sont très fortement inspirés de la Bible Tissot, série de 365 gouaches du peintre nantais James Tissot (1836-1902).
>> Voir la Bible Tissot sur le site de la B.N.F.
* Dans certaines versions, des scènes ont été ajoutées après la fin initiale (la mort du Christ sur la croix) pour montrer la résurrection. Ces images proviendraient d’un film italien datant de 1916 : « Christus » de Giulio Antamoro.

(1) D’après nos connaissances actuelles, le premier long métrage de l’histoire du cinéma serait La défense de Sébastopol du russe Vasili Goncharov (1911, 6 bobines, 100 mn).

(2) Si la vie du Christ a été portée à l’écran de très nombreuses fois (environ 70 fois), le film de Sydney Olcott est le seul à avoir été tourné en Palestine.

Première Passion (3) Le tournage de From the Manger to the Cross est raconté dans un merveilleux documentaire de Philippe Baron « Première Passion » (55 minutes). Le parcours de l’équipe de tournage est reconstitué et les lieux de tournage sont retrouvés. Un remarquable (et passionnant!) travail de recherche.

(4) On notera cependant deux panoramiques : un pour élargir le champ dans une scène avec de nombreux figurants, un autre pour suivre Judas marchant le long d’un mur.

(5) Il ne faut oublier qu’en 1912, le cinéma était encore une attraction foraine et populaire. Il était donc délicat de traiter un sujet plus sérieux et ô combien sacralisé. Avant la sortie, la Kalem Company organisa des projections privées aux membres du clergé qui trouvèrent le film approprié. Ainsi la publicité faite autour film put ensuite mentionner : « approuvé par les représentants de l’Eglise ».

>> Voir aussi un site dédié au réalisateur : Sydney Olcott, le premier oeil

21 septembre 2011

La femme aux cigarettes (1948) de Jean Negulesco

Titre original : « Road House »

La femme aux cigarettesLily est embauchée comme chanteuse par le propriétaire du bar-bowling d’une petite ville, contre l’avis du gérant. Lily est une femme affranchie qui sait tenir tête aux deux hommes qui sont attirés par son caractère indépendant et par son charme… A partir d’un scénario précédemment refusé par trois réalisateurs et à la demande de Darryl F. Zanuck de faire un film simple avec de l’action et du charme, Jean Negulesco a réalisé un fort beau film, reposant sur une atmosphère tendue et des rapports entre les personnages qui ne demandent qu’à exploser. Les trois rôles principaux sont remarquablement tenus avec une mention spéciale à Ida Lupino qui montre beaucoup de présence et de charme (1) et à Richard Widmark, qui reprend brillamment le type de rôle un peu pervers qui l’avait fait remarquer l’année précédente dans son premier film (2). Pas assez connu, La femme aux cigarettes est un beau film noir qui mérite d’être découvert.

4 étoiles

Acteurs: Ida Lupino, Cornel Wilde, Richard Widmark, Celeste Holm
Voir la fiche du film et la filmographie de Jean Negulesco sur le site IMDB.

Voir les autres films de Jean Negulesco chroniqués sur ce blog…

(1) Ida Lupino interprète elle-même ses chansons, notamment le très beau « One for my Baby (and one more for the road) » et le non moins beau « Again ».
(2) Le Carrefour de la Mort (Kiss of death, 1947) d’henry Hathaway avec Victor Mature et Brian Donlevy. Richard Widmark est là dans son premier rôle à l’écran.

Homonyme :
Road House (Bar routier, 1989) de Rowdy Herrington avec Patrick Swayze.

 

20 septembre 2011

Selon la Loi (1926) de Lev Kulechov

Titre original : « Po zakonu »
Autre titre : « Dura Lex »

Po zakonuAu Yukon, un groupe cosmopolite de cinq chercheurs d’or exploite un petit filon. L’un d’eux, un irlandais d’habitude plutôt jovial, abat soudainement deux membres du groupe avant d’être maitrisé et ligoté. Par respect de la Loi, le couple épargné désire qu’il soit jugé… Selon la loi est adapté d’une nouvelle de Jack London « L’imprévu ». Ce n’est toutefois pas un film d’aventures. Il s’agit d’un huis clos psychologique qui met en relief le dilemme moral de ce couple qui se retrouve avec le sort d’un meurtrier entre leurs mains. Koulechov est l’un des grands créateurs du cinéma soviétique. Alors qu’il n’avait que 20 ans, il a étudié et développé des théories sur l’importance et la force du montage (1). Dans Selon la loi, il parvient ainsi à donner une grande intensité au jeu des acteurs qui semblent vraiment vivre leurs scènes. C’est assez étonnant. Il donne beaucoup d’importance aux objets qui bénéficient des mêmes attentions de montage que les acteurs. Il épure au maximum l’histoire, les personnages ne sont guère décrits en profondeur, pour se concentrer sur la force des sentiments. Koulechov reçut une réprimande pour l’absence de contenu idéologique. (film muet)
Elle: –
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Aleksandra Khokhlova, Sergei Komarov, Vladimir Fogel
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Remarques :
(1) Sa démonstration la plus célèbre pour montrer l’importance du montage a été d’utiliser un même plan de l’acteur Mosjoukine pour générer des sentiments différents : en enchaînant avec l’image d’un enfant, on lisait sur le visage de l’acteur de la tendresse ; en enchaînant avec l’image d’une femme dans un cercueil, on lisait de la tristesse, avec l’image d’un bol de soupe, on lisait l’appétit etc.

19 septembre 2011

Le cercle rouge (1970) de Jean-Pierre Melville

Le cercle rougeDans le train Marseille-Paris, un gangster échappe au commissaire qui l’escortait. Il se réfugie dans le coffre de la voiture d’un jeune truand, sorti de prison le matin même. Les deux hommes se lient d’amitié. Le commissaire poursuit sa traque… Comme l’indique le titre (1), Le cercle rouge est un film sur la fatalité. C’est aussi un film qui montre la fascination de Jean-Pierre Melville pour les truands de haut vol… et pour Alain Delon qu’il met merveilleusement en scène une nouvelle fois. Comme dans Le Samouraï, son personnage est froid et taciturne mais le spectateur est en totale empathie avec lui. Tout le film est d’ailleurs économe en paroles, et même en musiques, ce silence culmine dans la longue scène (25 minutes) du casse qui se déroule sans un dialogue. Ce casse évoque ainsi celui de Quand la ville dort de John Huston et celui de Du rififi chez les hommes de Jules Dassin (2). A côté de Delon, Bourvil campe un commissaire très crédible, loin des rôles franchouillards qu’il a si souvent tenus, un personnage hors-normes par plusieurs aspects. Gian Maria Volonte et Yves Montand complètent ce beau quarteron d’acteurs sur lequel Melville peut s’appuyer pour mettre en scène cette histoire avec perfection et beaucoup de style.
Elle: –
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Alain Delon, Bourvil, Gian Maria Volonté, Yves Montand, François Périer
Voir la fiche du film et la filmographie de Jean-Pierre Melville sur le site IMDB.

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Remarques :
(1) Le titre vient d’une citation attribuée à Krishna, placée en épigraphe : « Quand des hommes, même s’ils s’ignorent, doivent se retrouver un jour, tout peut arriver à chacun d’entre eux, et ils peuvent suivre des chemins divergents. Au jour dit, inexorablement, ils seront réunis dans le cercle rouge. »
(2) Melville a affirmé avoir eu l’idée de cette scène en 1950, soit avant la sortie des films de John Huston (1950) et de Jules Dassin (1955), et avoir mis l’idée de côté à cause de ces deux films.

18 septembre 2011

La charge victorieuse (1951) de John Huston

Titre original : « The red badge of courage »

La charge victorieusePendant la Guerre de Sécession, un jeune soldat fuit son premier champ de bataille. Après une errance dans les bois, il rejoint sa compagnie. Quand il faudra repartir à l’attaque, il trouvera le courage de combattre… La charge victorieuse est l’adaptation d’un roman de Stephen Crane, jeune auteur très talentueux (1). Il ne faut surtout pas se limiter à une lecture militariste (ou même antimilitariste), le propos est plus de montrer la réalité psychologique d’un champ de bataille et les mécanismes de la peur. Le film eut une histoire mouvementée. Dès l’écriture du scénario, le film fut l’objet de vives tensions à la tête de la MGM (2). A la fin du tournage, John Huston s’est détaché du film pour aller préparer le tournage d’African Queen. Dépité par les réactions de rejet des publics-test, il laissa ses producteurs faire de larges coupes et ajouter une voix off. Au final, le film fut en bonne partie défiguré et ne durait plus que 69 minutes, une durée trop courte pour une bonne exploitation commerciale (3). Ce n’est qu’avec le temps que La charge victorieuse fut reconnu comme un film d’importance. Bien qu’il paraisse assez décousu, le film brille par la profondeur de son étude psychologique par son réalisme, les scènes de bataille font penser à Griffith (4). L’image est assez belle, avec des côtés bucoliques qui tranchent avec la dureté des combats. Assez paradoxalement, John Huston avait choisi comme interprète principal, Audie Murphy, l’homme qui était connu pour être le soldat le plus décoré de la Seconde Guerre mondiale.
Elle: –
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Audie Murphy, Bill Mauldin, Douglas Dick, Royal Dano
Voir la fiche du film et la filmographie de John Huston sur le site IMDB.
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Remarques :
(1) Stephen Crane est né juste après la Guerre de Sécession et n’avait pas l’expérience directe d’un champ de bataille. Néanmoins, son livre a été jugé très réaliste. Il s’est appuyé sur des interviews et des récits de vétérans.
(2) Louis B. Mayer était opposé à l’idée d’adapter le roman de Stephen Crane, persuadé que ce serait un échec commercial. Dore Schary, alors vice-président chargé de la production, était au contraire partisan de tourner le film. Il alla trouver Nicholas Schenck (président de Loew’s Inc.), homme discret qui avait tous les pouvoirs, et obtint son soutien. Le film fut donc mis en chantier. Mis ainsi sur la touche, Louis B. Mayer en profita pour quitter le studio et prendre sa retraite.
(3) Toute l’histoire de la production de ce film a été l’objet d’un livre de la journaliste du New Yorker Lillian Ross : « Picture : A story about Hollywood ». La version complète du film, tel que Huston le voyait, est hélas perdue. Cette version aurait probablement montré un grand film.
(4) Les scènes de bataille furent d’ailleurs tournées à San Fernado Valley, près d’Hollywood, là où D.W. Griffith avait filmé les batailles de Naissance d’une Nation. Le film de John Huston fait également penser à certains courts-métrages de Griffith.

15 septembre 2011

Les aventures du capitaine Wyatt (1951) de Raoul Walsh

Titre original : « Distant Drums »

Les aventures du capitaine WyattPendant la guerre contre les indiens Séminoles en Floride en 1840, une petite troupe de soldats menée par le capitaine Wyatt est envoyée détruire un fort contrôlé par les indiens. Après avoir réussi, ils sont poursuivis par un groupe de Séminoles dans les marais tropicaux des Everglades… Raoul Walsh utilise une trame très proche de son film Aventures en Birmanie (Objective, Burma !), grand classique qu’il a tourné six ans plus tôt. Le thème de la troupe de soldats poursuivie en terrain hostile par un ennemi est donc transposé d’Asie en Floride. Certes, l’histoire en elle-même est plutôt sans originalité mais Raoul Walsh utilise merveilleusement le décor des Everglades ; il réalise aussi de belles scènes nocturnes lors de l’attaque du fort espagnol et même une belle scène sous-marine. Son héros, interprété avec laconisme par Gary Cooper, est intéressant, personnage assez complexe qui est à la fois en marge de l’armée tout en y étant intégré. Les aventures du capitaine Wyatt est un film assez épuré et droit, sans fioritures ni égarement, très beau à l’oeil.
Elle: –
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Gary Cooper, Mari Aldon, Richard Webb, Arthur Hunnicutt
Voir la fiche du film et la filmographie de Raoul Walsh sur le site IMDB.

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Remarque :
Séminoles est un terme désignant plusieurs tribus indiennes vivant en Floride au XIXe siècle. Après le rachat par les Etats-Unis de la Floride aux espagnols, un traité fut signé avec les indiens leur attribuant une réserve au centre de l’Etat. Peu après, en 1830, le président Andrew Jackson vit voter l’Indian Removal Act, une loi qui prévoyait de déporter tous les indiens à l’ouest du Mississippi. Les Séminoles refusèrent et ce fut le début d’une guerre de type guérilla qui dura 7 ans, la Guerre de Floride (ou Seconde Guerre séminole). Au terme de ce conflit, les indiens obtinrent un nouveau territoire au sud de l’Etat, droit qui leur sera contesté quelque dix ans plus tard. Ce sera la Troisième Guerre séminole qui aura pour résultat la déportation de la majorité des indiens Séminoles plus de  1 000 kms à l’ouest.

13 septembre 2011

La Ronde de Nuit de Rembrandt (2008) de Peter Greenaway

Titre original : « Rembrandt’s J’Accuse…! »

Rembrandt's J'Accuse...!Peter Greenaway est, comme on le sait,  grand amateur et connaisseur de la peinture, notamment flamande ; il nous propose une nouvelle vision du célèbre tableau de Rembrandt « La Ronde de nuit » avec un film documentaire à la fois très riche et très inventif dans sa réalisation. Le sens réel de ce tableau de Rembrandt représentant l’une des milices bourgeoises d’Amsterdam échappe toujours aux historiens qui y ont identifiés 51 éléments mystérieux. Partant de la présence d’un homme à demi-caché semblant être en train de tirer, Peter Greenaway élabore une théorie très complète : Rembrandt aurait cherché à dénoncer une conspiration et un assassinat. Il explique ainsi 31 des 51 éléments mystérieux et le film les égrène un à un. Rembrandt La Ronde de Nuit Greenaway appuie merveilleusement son raisonnement que l’on suit avec ravissement et une certaine admiration. Il apparait lui-même en médaillon à l’écran pour donner ses explications. L’aspect visuel est particulièrement travaillé, mêlant d’habiles montages sur la peinture elle-même (qui évoquent la série Palettes) avec de petites scènes jouées en costume. Original, très moderne dans forme, La Ronde de Nuit de Rembrandt nous fait plonger dans un univers passionnant.
Elle: –
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Martin Freeman, Eva Birthistle
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12 septembre 2011

Mammuth (2010) de Gustave Kervern et Benoît Delépine

MammuthAyant atteint l’âge de la retraite, Serge part sur sa moto chercher les attestations de travail qui lui manquent, certains employeurs ayant oublié de le déclarer… Mammuth, c’est le nom de sa grosse moto allemande Munch, c’est aussi le surnom du personnage et il lui va bien tant Depardieu est maintenant énorme. Le film est un road-movie décalé, un peu fourre-tout. Il y a de bonnes idées, des personnages hauts en couleur mais mal développés : les rencontres tournent court le plus souvent et on ressent une certaine frustration. Le film finit par tourner en rond, alourdi par une histoire de perte d’un amour de jeunesse dans un accident.
Elle: –
Lui : 1 étoiles

Acteurs: Gérard Depardieu, Yolande Moreau, Isabelle Adjani, Benoît Poelvoorde, Miss Ming
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