Étiquette : drame

23 novembre 2023

Comme une actrice (2022) de Sébastien Bailly

Comme une actriceAnna, actrice proche de la cinquantaine, est déprimée car son mari est sur le point de la quitter. Elle consulte une rebouteuse chinoise qui lui donne un étrange remontant : « Trois gouttes, pas plus, pas moins » lui dit-elle sans plus d’indications…
Comme une actrice est un film dramatique français coécrit et réalisé par Sébastien Bailly, son premier long métrage après plusieurs courts. L’idée à la base du scénario, la capacité à se glisser dans la peau d’un autre et d’avoir plusieurs vies, n’est pas nouvelle au cinéma et a déjà été brillamment traitée. Hélas, l’histoire n’est ici pas assez étoffée et se contente de rester en boucle sur une seule variation. Julie Gayet est plutôt convaincante dans ce rôle dramatique où elle a accepté de jouer sans maquillage, ou presque, avec l’idée de réhabiliter l’actrice de cinquante ans (intention louable mais je doute que ce film y participe vraiment). Toutefois, elle ne parvient pas à créer l’émotion et son personnage reste assez opaque. Nous restons de simples observateurs. Benjamin Biolay a un jeu pachydermique. L’ensemble est assez glauque.
Elle: 1 étoile
Lui : 2 étoiles

Acteurs: Julie Gayet, Benjamin Biolay, Agathe Bonitzer
Voir la fiche du film et la filmographie de Sébastien Bailly sur le site IMDB.
Voir la fiche du film sur AlloCiné.

Julie Gayet et Benjamin Biolay dans Comme une actrice de Sébastien Bailly.

10 mai 2020

Herbes flottantes (1959) de Yasujirô Ozu

Titre original : « Ukikusa »

Herbes flottantes (Ukikusa)Une petite troupe de théâtre kabuki débarque dans un village de pêcheurs au sud du Japon. Il y a des années, leur meneur, Komajuro, avait eu une aventure avec l’une des habitantes. De leur brève union est né un garçon, Kiyoshi, qui ignore tout de l’identité de son père. Mais ce dernier n’est pas le seul à qui Komajuro a caché la vérité. Lorsque Sumiko, sa maîtresse actuelle et comédienne de la troupe, découvre l’existence de Kiyoshi et de sa mère, elle décide de se venger…
Yasujirô Ozu avait déjà mis en scène en 1934 cette histoire qu’il a écrite avec Tadao Ikeda. Ce très beau film, Histoires d’herbes flottantes, était muet et en noir et blanc. Le cinéaste l’aimait beaucoup et il a décidé vingt cinq ans plus tard d’en faire une nouvelle version. C’est un très beau mélodrame, qui s’installe lentement et aborde les thèmes de la responsabilité et de l’image de soi. Comme toujours avec Ozu, la forme est enthousiasmante. Le film est graphiquement très beau, avec ses plans fixes à la composition complexe (multiples plans et multiples cadres) et une utilisation de la couleur assez remarquable (il enrichit ses plans de « taches » de couleur rouge à la façon d’un peintre). La vision d’un film d’Ozu est toujours une expérience assez unique et Herbes flottantes ne déroge pas à la règle.
Elle: 4 étoiles
Lui : 5 étoiles

Acteurs: Ganjirô Nakamura, Machiko Kyô, Ayako Wakao, Hiroshi Kawaguchi, Haruko Sugimura
Voir la fiche du film et la filmographie de Yasujirô Ozu sur le site IMDB.

Voir les autres films de Yasujirô Ozu chroniqués sur ce blog…
Voir les livres sur Yasujirô Ozu…

Remarques :
* Les « herbes flottantes » du titre font référence aux lentilles d’eau ; cette plante flottante figure souvent dans la poésie japonaise comme allégorie pour les errements ou une vie sans but.
* Précédente version :
Histoires d’herbes flottantes (Ukikusa monogatari) (muet, 1934) de Yasujirô Ozu

Herbes flottantes (Ukikusa)Ayako Wakao dans Herbes flottantes (Ukikusa) de Yasujirô Ozu.
(bel exemple de ces fameux regards-caméra spécifiques à Ozu)

Herbes flottantes (Ukikusa)Machiko Kyô et Ganjirô Nakamura dans Herbes flottantes (Ukikusa) de Yasujirô Ozu.
Une séquence étonnante où les deux personnages, en violente dispute, sont séparés par une pluie battante formant rideau.

4 janvier 2016

Le Vent (1928) de Victor Sjöström

Titre original : « The Wind »

Le VentLa jeune Letty arrive de sa Virginie natale au Texas pour vivre chez son cousin. Contrairement à ses attentes, elle découvre que son cousin vit chichement dans une région isolée et très inhospitalière où le vent souffle en permanence. Sa femme a immédiatement un comportement hostile, voyant en elle une rivale potentielle… C’est Lillian Gish qui a proposé à Irving Thalberg le roman de Dorothy Scarborough Le Vent pour faire suite au succès de La Lettre écarlate. Et c’est la talentueuse Frances Marion qui fut, une nouvelle fois, chargée d’en écrire l’adaptation. Le Vent est un drame puissant, assez fortement chargé de métaphores : le vent symbolise la concupiscence masculine à laquelle la jeune femme se refuse (l’affiche ci-contre reprend d’ailleurs ce symbolisme sans équivoque possible, le vent ayant été remplacé par la tête du prédateur). Le caractère animal de cette passion est souligné, un peu lourdement sans doute, par l’image d’un étalon blanc fougueux et incontrôlable. Victor Sjöström est au sommet de son art, sa façon de rendre le vent omniprésent malgré l’absence de son est remarquable. Et que dire de Lillian Gish, si ce n’est qu’elle est l’une des plus grandes actrices du cinéma muet : elle parvient à faire passer tant de choses et toujours avec la même intensité. Après tant de tensions, la fin en happy-end est plutôt surprenante ; Lilian Gish a affirmé qu’elle avait été imposée par les studios, mais aucun élément n’a permis de valider cette affirmation. Comme beaucoup de films muets de 1928, Le Vent n’eut que peu de succès, la vague du parlant n’épargnant rien, même l’un des plus grands films muets.
Elle: –
Lui : 5 étoiles

Acteurs: Lillian Gish, Lars Hanson, Montagu Love
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Remarques :
* Le générique annonce « A Victor Seastrom production », Seastrom étant l’américanisation de Sjöström.
* Le tournage fut, on le comprend aisément, particulièrement difficile du fait de la chaleur extrême (50°C) et du vent constant (créé par huit moteurs d’avion qui projetaient des cendres parfois incandescentes sur les acteurs).
* C’est grâce à Kevin Brownlow que Le Vent est ressorti en 1988, 60 ans après sa sortie donc, avec une nouvelle musique orchestrale de Carl Davis.

Le Vent
Lillian Gish et Lars Hanson dans Le Vent de Victor Sjöström.

29 décembre 2014

La Marchande d’amour (1953) de Mario Soldati

Titre original : « La Provinciale »

La marchande d'amourGemma est une belle jeune femme, mariée à un professeur. Dans un accès de colère apparemment sans raison, elle blesse avec un couteau son amie Elvira puis s’évanouit… Mario Soldati est un réalisateur italien assez peu connu si ce n’est pour le très beau Malombra. Ici, il adapte assez brillamment un roman d’Alberto Moravia. La construction narrative est habile et joliment complexe La marchande d'amour puisque plusieurs personnages racontent chacun une partie de l’histoire qui aboutit à la situation extrême montrée en introduction. Chacun de ces points de vue enrichit notre connaissance du drame, c’est une utilisation parfaite du flash-back. Mario Soldati a su restituer toute la force du roman et Gina Lollobrigida montre sa capacité à interpréter des rôles d’une belle profondeur. La Provinciale (il faut mieux oublier le titre français, inutilement racoleur) ne se situe pas tant dans la veine du néoréalisme italien mais plutôt dans celle du réalisme français, le film pouvant évoquer Renoir ou Max Ophüls. Il est vraiment étonnant qu’il soit si méconnu.
Elle: –
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Gina Lollobrigida, Gabriele Ferzetti, Franco Interlenghi, Alda Mangini
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Remarque :
* Mario Soldati a désigné La Provinciale comme étant son meilleur film. A noter qu’en plus d’être réalisateur, Mario Soldati (1906-1999) est également scénariste et écrivain.

La Provinciale de Mario Soldati
(de g. à d.) Alda Mangini, Renato Baldini et Gina Lollobrigida

5 novembre 2014

Une autre femme (1988) de Woody Allen

Titre original : « Another Woman »

Une autre femmeParvenue à la cinquantaine, Marion estime avoir une vie satisfaisante et bien remplie. Elle est mariée et brillante professeur de philosophie. Pour écrire son nouveau livre, elle loue un appartement situé juste à côté du cabinet d’un psychiatre dont elle entend les conversations par un défaut des conduites d’aération. Les confessions d’une cliente en particulier vont l’amener à réfléchir sur sa propre vie… Another Woman fait partie des films introspectifs de Woody Allen, pour simplifier on peut aussi dire « bergmanien ». C’est un très beau portrait d’une femme qui prend soudainement conscience du fait qu’elle s’est fixée des standards trop élevés, qu’elle a fait le vide autour d’elle, qu’elle n’engendre qu’une admiration respectueuse chez ses proches. Cette fois, Woody Allen rentre en profondeur dans le sujet sans utiliser l’artifice de l’humour qui est ici totalement absent. La construction est habile, mêlant rêves et souvenirs. Celle qui découvre en elle une autre femme, c’est Gena Rowlands, ici loin des rôles toujours énergiques de Cassavetes, qui exprime brillamment toutes les interrogations et la froideur de son personnage. L’actrice fait montre d’une grande sobriété et d’une indéniable dignité. Elle éclipse tous les autres acteurs et Woody Allen la filme superbement. Une autre femme est un très beau film.
Elle: 5 étoiles
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Gena Rowlands, Mia Farrow, Ian Holm, Gene Hackman
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Remarques :
* Le directeur de la photographie n’est autre que Sven Nykvist, le chef opérateur préféré d’Ingmar Bergman. Woody Allen tournera trois autres films avec lui (New York Stories, Crimes et Délits et Celebrity).

* Mia Farrow était alors enceinte de leur fils Satchel. Elle a accouché pendant le tournage qu’elle a donc fini avec une prothèse ventrale pour être raccord.

* Le tournage de Another Woman a débuté alors que son film précédent, September, autre film introspectif, n’était pas encore sorti. Le fait que ces deux films n’aient pas rencontré le succès escompté a poussé Woody Allen à revenir ensuite sur le terrain de la comédie.

Une autre femme (1988) de Woody Allen
Woody Allen, Gena Rowlands et Gene Hackman sur le tournage de Une autre femme de Woody Allen (1988).

25 juillet 2014

Quelques jours avec moi (1988) de Claude Sautet

Quelques jours avec moiFils d’une famille propriétaire d’une grande chaine d’hypermarchés, Martial sort d’une dépression qui lui a valu un séjour en hôpital psychiatrique. Il est taciturne et ne montre aucune émotion. Il se rend à Limoges pour contrôler les livres de comptes d’une succursale et découvre que le directeur a trafiqué les comptes. Il accepte toutefois l’invitation à dîner à son domicile et, là, il remarque Francine, la jeune bonne… En adaptant un roman de Jean-François Josselin, Claude Sautet a trouvé un bel équilibre car Quelques jours avec moi est autant une satire sociale, qu’une étude psychologique ou encore un drame de l’amour passionné. L’humour est assez présent dans la première moitié du film qui prend alors l’aspect d’une comédie. Mais le film tire sa force de son personnage central, assez complexe, puissant et fragile, qui cherche sa place tout en restant étranger au monde qui l’entoure. Autour du couple formé par Daniel Auteuil et la jeune et resplendissante Sandrine Bonnaire, les seconds rôles sont parfaitement définis, parfois typés ou haut en couleur, mais toujours assez justes au final.
Elle: –
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Daniel Auteuil, Sandrine Bonnaire, Jean-Pierre Marielle, Dominique Lavanant, Danielle Darrieux, Vincent Lindon
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24 juillet 2014

L’Or des mers (1932) de Jean Epstein

L'or des mersSur la petit île de Hoedic, proche de Belle-Île en Bretagne, vivent une centaine de familles de pêcheurs, le plus souvent dans la misère quand la pêche ne donne pas. Très pauvre et méprisé par tous, Quoirrec vit là avec sa fille Soizig. Un jour, on le voit trouver sur le rivage une boîte qu’il cache soigneusement. Les habitants sont tous persuadés qu’il a trouvé un trésor et deviennent très affables. L’un d’eux demande à son fils Rémy de séduire Soizig… Tourné fin 1931, donc dans les premières années du parlant, L’Or des mers utilise le procédé Synchro-Ciné : le film est tourné sans le son qui est rajouté ensuite en studio avec une post-synchronisation des acteurs (assez peu de films ont utilisé ce procédé qui était conçu au départ pour mettre des chansons en images). Il n’y a que peu de dialogues, heureusement car le procédé est loin d’être convaincant. Jean Epstein est allé filmer sur place, en plein hiver, utilisant les habitants de l’île comme acteurs. Son film est à mi-chemin entre le documentaire, le drame et l’analyse sociale. Le film est cependant plus remarquable par sa forme : l’image est très travaillée, avec de très beaux gros plans éclairés par des lumières diffuses. Si le film a pu être comparé aux films de Murnau, notamment par Henri Langlois (1), Jean Epstein ne montre pas la même maitrise et la même perfection.
Elle: –
Lui : 2 étoiles

Acteurs:
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Remarques :
* Jean Epstein a réalisé plusieurs films sur les îles bretonnes et notamment :
– Finis Terrae (1929) sur l’île d’Ouessant
– Mor Vran (1931) sur l’île de Sein
– L’Or des mers (1932) sur l’île de Hoedic
– Le Tempestaire (1947) sur Belle-Île.
« Jean Epstein, cinéaste des îles » est le titre d’un livre de Vincent Guigeno.

* L’île d’Hoedic fait 2,5 kilomètres de longueur sur 800 mètres de large. En 1931, à l’époque du tournage, l’île comptait 415 habitants. A noter que le recteur de l’île, l’abbé Jégo, joue son propre rôle. De nos jours, l’île d’Hoedic est peuplée de 120 habitants permanents. L’été, la population de l’île peut atteindre 3000 personnes. C’est une île sans voiture.

(1) « L’or des mers n’est pas un drame, c’est une tragédie de Murnau. » Henri Langlois.

9 septembre 2013

De rouille et d’os (2012) de Jacques Audiard

De rouille et d'osSans argent, Ali arrive à Antibes chez sa soeur qui l’héberge dans son garage. Sportif et ayant pratiqué la boxe, il trouve du travail comme videur dans une boîte de nuit. C’est ainsi qu’il fait la rencontre de Stéphanie… Jacques Audiard adapte assez librement un recueil de nouvelles de Craig Davidson, auteur américain très attiré par le monde de la boxe. De rouille et d’os est avant tout le récit de la reconstruction de deux êtres, perdus et meurtris, un drame donc, cette fois sans le support d’une intrigue policière. Jacques Audiard appuie le côté écorché vif de ses personnages et les dote d’une grande énergie ce qui donne un style très percussif à son film. Il parvient ainsi à éviter le pathos tout en donnant une belle intensité à son récit. Matthias Schoenaerts et Marion Cotillard sont assez remarquables dans leur interprétation. On peut sans doute reprocher à Jacques Audiard certains effets faciles, tels ces ralentis interminables pour renforcer la dramatisation, et d’avoir trop étoffé son scénario. Les scènes de combats peuvent également paraître un peu pénibles. Mais cela n’empêche pas De rouille et d’os d’être un film puissant qui vient renforcer l’importance de Jacques Audiard dans le cinéma français actuel.
Elle: –
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts, Céline Sallette, Corinne Masiero, Bouli Lanners
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22 août 2013

Doux oiseau de jeunesse (1962) de Richard Brooks

Titre original : « Sweet Bird of Youth »

Doux oiseau de jeunesseParti depuis quelques années pour réussir, l’ex-barman Chance Wayne revient dans sa ville natale au volant d’une superbe Cadillac décapotable. Il est accompagné d’une ancienne star de cinéma alcoolique qu’il a pris en charge. S’il revient, c’est pour voir son ancien amour Heavenly mais le père de la jeune fille, un politicien conservateur qui dirige la ville, ne voit pas ce retour d’un bon oeil… Quatre ans après La Chatte sur un toit brûlant, Richard Brooks adapte une autre pièce de Tennessee Williams à l’écran, Doux oiseau de jeunesse. Elia Kazan l’avait montée à Broadway avec succès et Brooks en reprend quatre acteurs principaux (1). Comme souvent avec Tennessee Williams, il s’agit d’un drame qui va sonder les tréfonds de l’âme humaine. Ici, tout tourne autour de la soif de réussite et de l’absence de mixité sociale. Chance Wayne (quel nom !) mise sur son physique pour avoir, lui aussi, sa chance et obtenir un raccourci vers le haut de la hiérarchie sociale et, par là même, vers son ancien amour. Paul Newman paraît être l’interprète idéal pour exprimer toutes les facettes de ce personnage finalement plein de naïveté. Il avait de plus l’avantage de bien connaitre le rôle. Il faut excuser la fin en happy end, qui paraît plaquée et même un peu idiote, nécessaire pour que le film passe la censure (2). Doux oiseau de jeunesse connut un grand succès.
Elle: –
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Paul Newman, Geraldine Page, Shirley Knight, Ed Begley, Rip Torn, Mildred Dunnock, Madeleine Sherwood
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(1) Paul Newman, Geraldine Page, Madeleine Sherwood (Miss Lucy) and Rip Torn (le fils) tenaient le même rôle dans la pièce à Broadway qui fut jouée 375 fois à partir de mars 1959.
(2) Dans la pièce originale, la fin est assez dure : ce que l’on craint que le fils puisse faire à un certain moment (sur le capot de la voiture), il le fait vraiment. Et il n’y a pas de départ ensuite.

20 juillet 2013

The Ring (1927) de Alfred Hitchcock

Titre français : « Le Masque de cuir »
Autres titres français : « La Piste », « L’Arène »

Le masque de cuirDans une attraction foraine, le boxeur ‘One-Round’ Jack Sander affronte n’importe quel spectateur, qu’il envoie au tapis en moins d’une reprise. Il est très épris de la jeune femme qui vend les tickets. Mais il tombe sur forte partie lorsque Bob, un vrai champion de boxe, s’intéresse à la même jeune femme… The Ring traite d’un sujet plutôt inattendu chez Hitchcock : la boxe. Le scénario qu’il a écrit ne comporte aucune crime, c’est un drame sentimental reposant sur le triangle amoureux classique : deux hommes épris de la même femme. Le masque de cuirLe fait qu’ils soient boxeurs permet de donner une traduction vraiment physique à cette lutte. Le film est surtout remarquable par les trouvailles et expérimentations d’Hitchcock qui jalonnent le film. Il parvient à faire passer tant de choses par ses images qu’il n’y a qu’assez peu d’intertitres. Il parvient même à faire passer des sons par ses images. Le réalisateur a particulièrement soigné la scène finale de boxe : il multiplie les angles de prises de vue, du plus large au plus serré, il y a même un court passage en caméra subjective. Le montage est très habile. Sur le plan de la photographie, on peut remarquer l’influence de l’expressionnisme allemand, Hitchcock ayant trouvé le chef opérateur qui lui permet d’obtenir exactement ce qu’il souhaite : Jack Cox. Grâce à toutes ces trouvailles et innovations, The Ring connut un très bon accueil de la critique mais le succès auprès du public fut bien plus mitigé. (Film muet)
Elle: –
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Carl Brisson, Lillian Hall-Davis, Ian Hunter
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Remarque :
Le titre The Ring fait référence à trois éléments du film : le ring de boxe, la bague au doigt, le bracelet rond offert (en revanche, on peut se demander à quoi fait référence le titre français, car personne ne porte de masque de cuir…)