31 mars 2016

Sommaire de mars 2016

Une vie simpleRévolte au zooKongoLe BalHumoresqueUn pigeon perché sur une branche philosophait sur l'existenceTom JonesMarguerite

Une vie simple

(2011) de Ann Hui

Révolte au zoo

(1933) de Rowland V. Lee

Kongo

(1932) de William J. Cowen

Le Bal

(1983) de Ettore Scola

Humoresque

(1946) de Jean Negulesco

Un pigeon perché sur une branche philosophait sur l’existence

(2014) de Roy Andersson

Tom Jones

(1963) de Tony Richardson

Marguerite

(2015) de Xavier Giannoli

AllonsanfànCinéma muet à l'Institut Lumière à LyonThe King of New YorkAu fil du tempsFemmes d'un étéMadeleine, zéro de conduiteLa Couronne de ferLes Ailes

The King of New York

(1990) de Abel Ferrara

Au fil du temps

(1976) de Wim Wenders

Femmes d’un été

(1958) de Gianni Franciolini

Madeleine, zéro de conduite

(1940) de Vittorio De Sica

La Couronne de fer

(1941) de Alessandro Blasetti

Les Ailes

(1927) de William A. Wellman

Le Vent se lèveLa Grande BellezzaLe PirateLe Faux CoupableLa Jeunesse de la bête

Le Vent se lève

(2013) de Hayao Miyazaki

La Grande Bellezza

(2013) de Paolo Sorrentino

Le Pirate

(1948) de Vincente Minnelli

Le Faux Coupable

(1956) de Alfred Hitchcock

La Jeunesse de la bête

(1963) de Seijun Suzuki

Nombre de billets : 21

30 mars 2016

Une vie simple (2011) de Ann Hui

Titre original : « Tou ze »

Une vie simpleAh Tao est au service de la famille Lee depuis soixante ans. Comme la majorité de la famille vit actuellement aux Etats-Unis, elle ne s’occupe plus que de Roger, le fils, qu’elle a élevé. Quadragénaire et toujours célibataire, il est producteur de cinéma. Lorsqu’un infarctus oblige Ah Tao à prendre sa retraite pour aller dans une maison de retraite un peu sordide, Roger décide de s’occuper d’elle… Une vie simple est basé sur l’histoire réelle de Roger Lee, producteur du film, et de sa servante Tao Jie. Le film est écrit comme une succession de scènes entre deux individus. Dès le départ, alors que nous ne sommes encore que dans le quotidien, on accroche tout de suite à cette relation si particulière, proche d’une relation filiale, chargée d’une tendresse muette. Cette tendresse est d’autant plus palpable que Deannie Yip est la marraine d’Andy Lau dans la vraie vie. La cinéaste chinoise (devenue hongkongaise) Ann Hui filme cette relation avec beaucoup de délicatesse, sans hésiter à montrer le vieillissement et ses effets. Elle est même allé jusqu’à tourner dans une vraie maison de retraite dont certains pensionnaires font de la figuration dans le film. Aucune lourdeur, aucun excès de compassion, elle a trouvé le ton juste pour raconter cette histoire de dette morale et affective. Une histoire pleine d’humanité.
Elle: 4 étoiles
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Andy Lau, Deannie Yip
Voir la fiche du film et la filmographie de Ann Hui sur le site IMDB.

Une vie simple
Andy Lau et Deannie Yip dans Une vie simple de Ann Hui.

28 mars 2016

Révolte au zoo (1933) de Rowland V. Lee

Titre original : « Zoo in Budapest »

Révolte au zooZani est un jeune homme qui a grandi dans le zoo de Budapest. Il en connait tous les animaux qui sont ses amis. Le directeur qui l’a recueilli tout jeune a un regard bienveillant sur lui mais sa propension à voler les étoles en fourrure des clientes pour les brûler commence à lui poser problème… Produit par Jesse L. Lasky pour la Fox, Zoo in Budapest est un film qui a un certain charme malgré ses défauts. Le scénario est très réduit, empreint d’une grande naïveté, et la mise en place semble interminable, documentaire et bon enfant, avec toutefois de beaux mouvements de caméra et de beaux éclairages pour prendre son mal en patience. Il faut attendre la fermeture du zoo dans la dernière demi-heure pour que le film prenne une tournure plus attrayante, laissant la place à une belle histoire d’amour clandestine et un final assez spectaculaire avec les animaux déchaînés. La photographie signée Lee Garmes (l’un des plus grands directeurs de la photographie américains, l’un des plus innovants aussi) est belle, assez douce.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Loretta Young, Gene Raymond
Voir la fiche du film et la filmographie de Rowland V. Lee sur le site IMDB.

Voir les autres films de Rowland V. Lee chroniqués sur ce blog…

Zoo in budapest
Loretta Young et Gene Raymond dans Révolte au zoo de Rowland V. Lee.

Révolte au zoo

27 mars 2016

Kongo (1932) de William J. Cowen

KongoEn Afrique noire, un homme paraplégique et plein de haine contrôle une large zone. Il est assuré de l’obéissance aveugle des indigènes grâce à quelques tours de magie. Depuis dix-huit ans, il prépare sa vengeance envers l’homme qui l’a rendu infirme… Cette pièce Kongo avait déjà été portée à l’écran par Tod Browning peu auparavant, mais en muet (West of Zanzibar, 1928) et c’est à Walter Huston que revient la difficile tâche de reprendre le rôle de Lon Chaney, un rôle que Walter Houston connaît bien toutefois puisque c’est lui qui l’interprétait sur les planches en 1926 à Broadway. Kongo fait partie des films dits « pre-code » (avant la généralisation du Code Hays vers 1934) et cela se sent, non par la présence d’un éventuel contenu sexuel, mais plutôt par la terrible noirceur du propos que la censure ne tolèrera plus peu après. Le personnage central est particulièrement épouvantable, totalement aveuglé par un désir de vengeance qui lui a fait perdre toute humanité. Les personnages plus positifs  sont, quant à eux, dans un état de délabrement tel, que l’empathie ne s’installe que tardivement. Les indigènes ont rôle assez secondaire et sont présentés de façon simpliste comme des primitifs, dangereux mais crédules, une vision assez typique de l’ethnocentrisme des films des années trente. Kongo est assez intense. Walter Huston (le père de John Huston) fait une composition aussi remarquable qu’effrayante. Cette production à petit budget n’a pas trop à rougir de la comparaison avec la version de Tod Browning.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Walter Huston, Lupe Velez, Conrad Nagel, Virginia Bruce
Voir la fiche du film et la filmographie de William J. Cowen sur le site IMDB.

Remarque :
William J. Cowen est un réalisateur dont on ne sait que peu de choses. Après avoir réalisé certaines scènes du King of Kings de Cecil B. DeMille en 1927, il n’a dirigé que 5 longs métrages entre 1928 et 1934. Après Kongo pour la MGM, il réalisera la première version parlante d’Oliver Twist pour le petit studio Monogram, version considérée comme mineure par les rares personnes qui l’ont vue.

Kongo
Walter Huston et Virginia Bruce dans Kongo de William J. Cowen.

Kongo
Virginia Bruce et Lupe Velez dans Kongo de William J. Cowen.

Kongo
Virginia Bruce, Conrad Nagel et Walter Huston dans Kongo de William J. Cowen.

25 mars 2016

Le Bal (1983) de Ettore Scola

Titre original : Ballando ballando

Le BalUne salle de bal française de 1936 à 1980… Il faut reconnaître une certaine originalité à cette adaptation d’un spectacle du Théâtre du Campagnol : un lieu unique, aucune parole prononcée, un même groupe d’acteurs/danseurs (23) à différentes époques. Hélas, le résultat est loin d’être convaincant. Le premier problème est inhérent au fait de filmer un spectacle de danse : la caméra isole les personnages et casse la vision d’ensemble pour laquelle il est conçu. De plus, le jeu outrancier de certains acteurs (tics, mimiques) se justifie sur une scène mais pas face à une caméra où il devient excessif et oblitère toute capacité à émouvoir et même à peindre des sentiments. Le second problème est l’accumulation de stéréotypes sur les époques montrées et sur les comportements sociaux. Ettore Scola nous a habitués à autre chose qu’une observation sociologique si sommaire. Là encore, ce qui peut faire un spectacle de divertissement sur une scène, peut se révéler très pauvre une fois transposé à l’écran. Finalement, l’humour est encore ce qui fonctionne le mieux même si Scola a parfois la main lourde. On peut comprendre que le film ait surpris et même séduit à sa sortie (3 Césars!) mais, trente ans plus tard, il est plus difficile (à mes yeux du moins) de lui trouver de l’intérêt. Le Bal est en tous cas un film unique dans la filmographie du regretté Ettore Scola.
Elle:
Lui : 1 étoile

Acteurs:
Voir la fiche du film et la filmographie de Ettore Scola sur le site IMDB.

Voir les autres films de Ettore Scola chroniqués sur ce blog…

Voir les livres sur Ettore Scola

Le Bal

24 mars 2016

Humoresque (1946) de Jean Negulesco

HumoresqueA New York, un concert du violoniste Paul Boray est annulé au dernier moment. Le violoniste est dévasté par une triste nouvelle qu’il vient d’apprendre. Il se remémore son parcours… Tiré d’une nouvelle de Fannie Hurst adaptée par Clifford Odets (membre majeur du Group Theatre), Humoresque est un superbe mélodrame où la musique tient une place de premier plan. Il s’agit d’une variation sur le thème de l’amour qui doit céder la place à une passion plus forte. En outre, comme beaucoup de films de cette époque, notamment de la Warner, il joue ostensiblement sur la fascination/répulsion pour Humoresque les milieux huppés de la haute société et sur le pouvoir (prétendument) potentiellement néfaste des arts. Le déroulement du scénario est parfait, avec plusieurs retournements de situation, et Negulesco a apporté beaucoup de soin dans la mise en scène avec des effets élaborés (comme, par exemple, la fameuse scène du miroir où, derrière Joan Crawford, on peut voir la pièce inversée) et des enchaînements très recherchés. Joan Crawford, ici dans l’un des ses meilleurs rôles, fait montre d’une extraordinaire présence à l’écran et son jeu intériorisé fait merveille. Humoresque fut un beau succès à sa sortie.
Elle:
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Joan Crawford, John Garfield, Oscar Levant
Voir la fiche du film et la filmographie de Jean Negulesco sur le site IMDB.

Voir les autres films de Jean Negulesco chroniqués sur ce blog…

Remarques :
* John Garfield donne vraiment l’impression de jouer. L’illusion est parfaite. L’astuce a été de faire un grand trou dans son costume au niveau du coude par lequel un vrai violoniste passait son bras. Il y avait un violoniste de chaque côté, un pour le bras droit et un pour le bras gauche.
* Au niveau du son, c’est Isaac Stern qui joue et, lors des gros plans sur le violon sans le visage de John Garfield dans le champ, ce sont les mains d’Isaac Stern que l’on voit à l’écran.
* Oscar Levant est pianiste avant d’être acteur, ce qui explique que son jeu de mains soit si crédible. C’est même lui qui joue réellement certaines parties dont le Tristan de Wagner, le Concerto pour piano n°1 de Tchaïkovski et La Danse du sabre d’Aram Khatchatourian.
* Humoresques est un cycle de huit pièces pour piano d’Antonín Dvořák, la plus connue étant la 7e.

Humoresque
John Garfield, Oscar Levant et Joan Crawford  dans Humoresque de Jean Negulesco.

Ne pas confondre avec :
Humoresque de Frank Borzage (1920) avec Gaston Glass sur un scénario de Frances Marion, film qui n’a pas lien avec celui-ci même s’il s’agit également de l’histoire d’un violoniste.

23 mars 2016

Un pigeon perché sur une branche philosophait sur l’existence (2014) de Roy Andersson

Titre original : « En duva satt på en gren och funderade på tillvaron »

Un pigeon perché sur une branche philosophait sur l'existenceSi le film du suédois Roy Andersson est si déconcertant, ce n’est pas tant par la forme, qui est plutôt attirante par son originalité : il s’agit d’une succession de saynètes filmées en plans-séquence, en plan large et caméra fixe, de véritables tableaux vivants qui se succèdent sur un rythme contemplatif. Les couleurs sont plutôt froides, sombres, tristes. Les humains qui évoluent dans le cadre ont le teint blafard, paraissent déshumanisés, ils en deviennent parfois abstraits ou de simples objets. Jusque là, ça va… c’est sur le fond que ça se gâte car, hormis quelques scènes assez évidentes, il est très difficile de percevoir la signification de ces tableaux. L’ensemble est pour le moins abscons. Les références historiques sont très suédoises (le roi Charles XII, supposé homosexuel, la bataille de Poltava perdue contre la Russie, la neutralité de la Suède en 1943, etc.) Tout le reste est majoritairement obscur mais l’ensemble semble marqué par un mélange de mal-être et de culpabilisation, par le sentiment de n’être, à l’instar des deux vendeurs de farces-attrapes, qu’un pion aux buts pitoyables : « Le monde est horrible et j’en fais partie », telle semble être cette philosophie sur l’existence promise par le titre.
Elle:
Lui : 2 étoiles

Acteurs: Holger Andersson, Nils Westblom
Voir la fiche du film et la filmographie de Roy Andersson sur le site IMDB.

Remarques :
* Toutes les scènes ont été tournées en studio, y compris la scène de l’affiche ci-dessus (l’une des rares scènes d’extérieur). Voir une vidéo de la construction du décor  …

* Il s’agit du troisième volet de la Trilogie des vivants :
1 – Chansons du deuxième étage (2000)
2 – Nous, les vivants (2007)
3 – Un pigeon perché sur une branche philosophait sur l’existence (2014)

Un pigeon perché sur une branche
Le pigeon perché sur une branche est empaillé, autant dire qu’il a tout loisir de  philosopher sur l’existence…

Un pigeon perché sur une branche

 

20 mars 2016

Tom Jones (1963) de Tony Richardson

Titre français : « Tom Jones : de l’alcôve à la potence »

Tom Jones: de l'alcôve à la potenceDans la campagne de l’ouest de l’Angleterre du XVIIIe siècle, Tom Jones est un enfant trouvé qu’un noble propriétaire terrien a élevé comme son propre fils. Beau garçon, il a beaucoup de succès auprès des femmes et suscite la jalousie mais lui est amoureux de sa jolie voisine Sophie Western qui a les mêmes sentiments en retour. Hélas, l’absence de nobles origines est un obstacle à leur amour d’autant plus que des esprits malveillants cherchent à l’écarter… Le scénario est tiré de l’Histoire de Tom Jones, enfant trouvé, célèbre roman d’Henry Fielding paru en 1749 et adapté par John Osborne, auteur de théâtre de premier plan. Le réalisateur Tony Richardson est surtout connu pour être l’un des fondateurs du Free Cinema qui occupa en Angleterre la même place que la Nouvelle Vague en France. La mordante satire sociale du roman a semble t-il été quelque peu adoucie mais l’écriture est assez brillante. L’ensemble est très vivant, soutenu par des dialogues relevés et des rebondissements permanents. La réalisation est assez riche, Richardson n’hésitant pas à prendre des libertés comme utiliser un hélicoptère pour certains plans (ce qui est rare pour les films « en costumes »). Certaines scènes sont vraiment étonnantes, comme cette partie de chasse immersive ou comme ces séquences accélérées, clins d’oeil au cinéma muet slapstick. Mais c’est surtout la truculence et la gaillardise qui rendent le film assez inhabituel dans la production du début des années soixante. La scène restée la plus célèbre du film est ainsi celle du repas dans la chambre de l’auberge où les deux amants se dévorent des yeux en avalant rôti et volailles, une scène très chargée sexuellement. Servi en outre par une interprétation de qualité jusque dans les plus petits rôles, Tom Jones est un film très cinématographique, toujours aussi plaisant à regarder. Ce fut un énorme succès, en Angleterre mais aussi et surtout aux Etats-Unis, à tel point qu’il reçu pas moins de quatre Oscars.
Elle: 3 étoiles
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Albert Finney, Susannah York, Hugh Griffith, Edith Evans, Joan Greenwood, David Warner
Voir la fiche du film et la filmographie de Tony Richardson sur le site IMDB.

Remarques :
* Le chanteur Tom Jones (qui est d’origine galloise) a choisi son nom de scène après avoir vu ce film.
* L’acteur Hugh Griffith (qui joue le père de Sophie Western) a causé beaucoup de problèmes pendant le tournage : il était en permanence ivre (ce qui contribue, ceci dit, à rendre son personnage si particulier).

Tom Jones
Albert Finney et Susannah York dans Tom Jones: de l’alcôve à la potence de Tony Richardson.

19 mars 2016

Marguerite (2015) de Xavier Giannoli

MargueriteFrance, années 20. Marguerite Dumont est une femme fortunée et passionnée de musique, qui chante avec sérieux des airs d’opéra devant ses amis. Personne n’ose lui dire qu’elle chante atrocement faux et tout son entourage lui laisse croire qu’elle a beaucoup de talent. Les choses vont se compliquer lorsqu’elle se met en tête de donner un récital public… Pour écrire cette histoire abracadabrante, Xavier Giannoli s’est inspiré très librement d’un personnage réel, la soprano américaine Florence Foster Jenkins, qu’il modèle à sa guise pour faire un film plein de bons sentiments. Le scénario multiplie les effets faciles et fait montre de psychologie sommaire (la madame, elle chante faux parce qu’elle n’est pas aimée par son mari). Les passages où Marguerite chante sont *très* pénibles à écouter (on est censé trouver cela hilarant…) Le point positif dans tout cela est l’interprétation de Catherine Frot qui fait preuve de beaucoup de subtilité et de sensibilité. Elle rend Marguerite très humaine, suscite l’empathie et fait presque oublier le caractère totalement improbable de cette histoire. La photographie est travaillée avec une belle texture due à l’utilisation de lentilles des années cinquante.
Elle: 3 étoiles
Lui : 2 étoiles

Acteurs: Catherine Frot, André Marcon, Michel Fau, Christa Théret, Denis Mpunga, Sylvain Dieuaide
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Remarques :
*  Le très beau duo que l’on entend dans les premières minutes du film est Le Duo des fleurs extrait de l’opéra Lakmé de Léo Delibes.
* Un film anglais retraçant la vie de Florence Foster Jenkins est en préparation pour une sortie en mai 2016 : Florence Foster Jenkins de Stephen Frears avec Meryl Streep et Hugh Grant.

Marguerite
Catherine Frot dans Marguerite de Xavier Giannoli.

18 mars 2016

Allonsanfàn (1974) de Paolo Taviani et Vittorio Taviani

AllonsanfànAux premières heures de la Restauration en Italie (1816 environ), Fulvio, un aristocrate lombard tête pensante du groupe révolutionnaire Les Frères Sublimes, est relâché par la police. Désillusionné, il veut se ranger et retrouver l’affection de sa famille. Ses compagnons ne se rendent pas compte de ce changement et continuent de l’impliquer dans leurs actions… Avec Allonsanfàn, Les frères Taviani utilise l’Histoire pour traiter des sujets actuels (de 1975) : en cinéastes politiquement engagés, ils se désolent de constater le reflux d’après-68 et la perte des idéaux qui l’ont tendu et nous montrent une période similaire de l’Histoire. Pour leur démonstration, ils suivent deux lignes principales : celle d’un homme qui se replie sur lui-même et qui perd son rapport aux autres (que ce soit à ses anciens compagnons, aux femmes qu’il aime ou à ses proches) et celle de l’aveuglement d’un groupuscule/secte révolutionnaire enfermé dans ses schémas et ses rites un peu carnavalesques, incapable de réaliser la totale inefficacité ou inutilité de sa lutte. Le propos des Taviani est donc de mettre en évidence l’échec de ces deux attitudes pour remettre en valeur l’utopie comme moteur créatif de l’homme. Et au-delà de toute considération politique (car, 40 ans plus tard, les questions ne se posent plus dans les mêmes termes), c’est sur la question de l’utopie que le film revêt un aspect philosophique intéressant car l’utopie est, elle, toujours d’actualité, elle est même multiforme. Le film provoque ainsi des réflexions intéressantes. Sur la forme, Allonsanfàn a une esthétique assez travaillée bien qu’empreinte d’une certaine austérité, certaines scènes sont très belles. La musique d’Ennio Morricone est très présente, elle structure le film.
Elle: 3 étoiles
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Marcello Mastroianni, Lea Massari, Mimsy Farmer, Laura Betti, Claudio Cassinelli
Voir la fiche du film et la filmographie de Paolo Taviani et Vittorio Taviani sur le site IMDB.

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Voir les livres sur les frères Taviani

Remarque :
* Allonsanfàn est le prénom donné par l’un des membres de la secte à son fils, reprenant phonétiquement les premières syllabes de La Marseillaise.

Allonsanfan
Marcello Mastroianni dans Allonsanfàn de Paolo et Vittorio Taviani.