Cinéma américain – Page 95 – L'Oeil sur l'écran

23 décembre 2015

Sens unique (1987) de Roger Donaldson

Titre original : « No Way Out »

L’officier de marine Tom Farrell (Kevin Costner) est nommé au Pentagone auprès du secrétaire d’Etat à la Défense (Gene Hackman). Il y est chargé des relations avec la CIA. Lors d’une réception, il fait la connaissance de la belle Susan (Sean Young) et ils tombent amoureux l’un de l’autre. Elle lui avoue peu après être la maitresse du secrétaire d’Etat… Sens unique est un remake de La Grande Horloge, excellent film de John Farrow (le père de Mia Farrow) sorti en 1948. Plus qu’un remake, il s’agit d’une nouvelle interprétation du roman de Kenneth Fearing qui est transposé ici dans le monde de la politique et de l’espionnage. L’histoire est vraiment très longue à se mettre en route mais ensuite les évènements s’enchaînent rapidement, la tension monte pour culminer lors de la longue scène de poursuite avec les témoins et, cerise sur le gâteau, un twist final inattendu. La mise en scène du réalisateur néo-zélandais Roger Donaldson est sans faille et l’interprétation parfaite, avec la star montante Kevin Costner et la belle Sean Young (la troublante replicant de Blade Runner). Sens unique est un film d’espionnage de bonne facture.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Kevin Costner, Gene Hackman, Sean Young, Will Patton, Howard Duff
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Gene Hackman et Kevin Costner dans Sens unique de Roger Donaldson

Sean Young dans Sens unique de Roger Donaldson

19 décembre 2015

Mean Streets (1973) de Martin Scorsese

Titre français parfois utilisé : « Les Rues chaudes »

Dans le quartier de Little Italy à New York, Charlie (Harvey Keitel) tente de protéger son ami Johnny Boy (Robert De Niro) qui a emprunté de l’argent à un petit parrain de la Mafia sans intention de le rembourser. Mais Johnny Boy est un jeune chien fou, totalement incontrôlable… Premier film important de Scorsese, Mean Streets nous montre de l’intérieur le quartier qu’il connait bien, semblant presque hésiter entre fiction et documentaire. Assez étrangement, le personnage principal (joué par Harvey Keitel) balance entre gangstérisme et religion mais « on ne rachète pas ses fautes à l’église, c’est dans la rue qu’on peut le faire » nous assène le cinéaste. L’histoire n’est pas vraiment passionnante mais le film est surtout remarquable par son style : s’écartant nettement des codes hollywoodiens, Scorsese montre déjà tous les éléments qui feront sa marque, avec une musique résolument rock, des poussées soudaines de violence et des scènes montrées comme des rites. Harvey Keitel partage la tête d’affiche avec Robert De Niro, son premier grand rôle, le premier d’une longue collaboration avec Scorsese.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Robert De Niro, Harvey Keitel, David Proval
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Scénario et étude de Mean Streets de l’Avant-Scène Cinéma (octobre 2015)

Harvey Keitel dans Mean Streets de Martin Scorsese

16 décembre 2015

La Femme au portrait (1944) de Fritz Lang

Titre original : « The Woman in the Window »

Ayant mis femme et enfants dans le train pour les vacances, le professeur quinquagénaire Richard Wanley se rend à son club. En chemin, il est un peu troublé par la vision d’un portrait de femme dans la vitrine d’une galerie d’art. C’est un sujet de discussion avec ses amis au club. Quand il en ressort et qu’il contemple à nouveau le portrait, sa surprise est grande de voir la femme en question apparaître près de lui. Il est loin d’imaginer ce qui l’attend… Ecrit par Nunnally Johnson qui s’est inspiré d’un roman de J.H. Wallis, La femme au portrait marque le retour le Fritz Lang à des sujets non liés à la guerre. C’est un film noir d’une grande tension, avec peu de personnages, auquel la fin (voulue par Lang s’opposant ainsi à Nunnally Johnson qui trouvait l’effet trop facile) donne une indéniable dimension psychologique. Cette fin rend le film finalement assez unique d’autant plus que Fritz Lang y réalisa une véritable prouesse technique (1). C’est aussi une façon de contourner les règles strictes du Code Hayes qui imposaient qu’un meurtrier devait être puni. Faire ainsi un film sur la tentation et la culpabilité avec un film noir est une belle manifestation du grand talent de Fritz Lang. La femme au portrait est l’un des films noirs majeurs de la décennie des années 40, décennie royale du genre.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Edward G. Robinson, Joan Bennett, Raymond Massey, Dan Duryea
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Remarques :
* Le début (mettre femmes et enfants dans le train) évoque la mise en place que Billy Wilder adoptera pour Sept ans de réflexion (1955).
* En plus d’être l’auteur du scénario, Nunnally Johnson était producteur du film avec sa compagnie International Pictures.

(1) La transition de la fin est réalisée en un seul plan, sans coupure : alors que la caméra s’est approchée d’Edward G. Robinson pour cadrer son visage, un assistant s’est glissé sous la caméra pour arracher ses vêtements détachables qui recouvraient son autre costume pendant que toute l’équipe substituaient en quelques secondes le nouveau décor à l’ancien.

The Woman in the Window
Joan Bennett et Eward G. Robinson dans La Femme au portrait de Fritz Lang.

24 novembre 2015

Je suis un évadé (1932) de Mervyn LeRoy

Titre original : « I Am a Fugitive from a Chain Gang »

A son retour de la guerre (la Première Guerre mondiale), James Allen a de nouvelles ambitions : à l’armée, il s’est passionné pour la construction de ponts et veut faire carrière dans le Génie civil. Il se met à chercher du travail dans le secteur, ne se décourageant pas face aux refus. Hélas, il est impliqué, bien malgré lui, dans un vol à main armée. Il est envoyé au bagne pour dix ans… Basé sur le récit autobiographique de Robert E. Burns, I Am a Fugitive from a Chain Gang est un des grands films sociaux de la Warner, un film qui a secoué son époque. Il s’agit en effet d’un puissant réquisitoire contre les mauvais traitements dans les bagnes du Sud des Etats-Unis, une attaque d’autant plus forte que cette politique coercitive est montrée comme un obstacle au rêve américain de réussite. Le propos est direct et la démonstration particulièrement édifiante, montrant là un engagement totalement inhabituel à Hollywood. Le déroulement du scénario est très efficace. Paul Muni est ici dans l’un de ses plus beaux rôles, qui tranche avec son personnage classique de gangster. Le film connut un grand succès, provoquant une prise de conscience sur la nécessité d’humaniser ces centres de détention. Il n’est toutefois pas certain que ce fut suivi d’effets. Quoiqu’il en soit, I Am a Fugitive from a Chain Gang (Je suis un évadé) est un film assez unique à Hollywood.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Paul Muni, Glenda Farrell, Helen Vinson, Noel Francis, Preston Foster, Allen Jenkins
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Paul Muni (au centre) dans Je suis un évadé de Mervyn LeRoy

Remarques :
* Robert E. Burns a travaillé quelque temps comme conseiller sur le film mais a préféré ne pas s’attarder à Hollywood où il risquait d’être repris et renvoyé en prison. Il est rapidement revenu dans le New Jersey qui lui avait offert l’immunité. Il sera finalement gracié partiellement par la Géorgie en 1945.

* Bien que le nom de l’état ne soit jamais mentionné, la Géorgie a interdit le film et attaqué la Warner en justice (elle sera déboutée en 1939). La presse locale multiplia les éditoriaux pour dénigrer le film.

* Longtemps considéré comme un coup de génie de Mervyn LeRoy, le fait de filmer la dernière scène dans la pénombre serait en fait dû à un fusible qui avait sauté dans le studio. Jugé réussi, l’effet fut gardé.

22 novembre 2015

Frances Ha (2012) de Noah Baumbach

Frances, jeune new-yorkaise, est passionnée par la danse et rêve de devenir chorégraphe. Elle vit avec sa meilleure amie qu’elle considère comme son double… Dans sa démarche, Noah Baumbach n’est pas sans rappeler Woody Allen, celui d’Annie Hall et de Manhattan. Les points communs sont nombreux : le noir et blanc, l’attache new-yorkaise, le très bon accueil du film en Europe et surtout cette façon de faire partager ses doutes existentiels au travers d’une comédie assez bavarde. Mais Noah Baumbach ne copie pas, on pourrait dire qu’il prolonge plutôt car les préoccupations sont différentes, actualisées au monde de sa génération. Il utilise son personnage féminin pour exprimer ses interrogations. Spontanée, immature, attachante, la jeune femme tarde à sortir de l’enfance alors que ses ami(e)s filent à grand train vers leur vie d’adulte. L’interprétation de Greta Gerwig est assez remarquable, aussi naturelle qu’omniprésente. Le résultat est léger et plein de vie, d’un style assez délicat.
Elle:
Lui :

Acteurs: Greta Gerwig, Mickey Sumner, Adam Driver, Michael Zegen
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Mickey Sumner et Greta Gerwig dans Frances Ha de Noah Baumbach

19 novembre 2015

La Famille Tenenbaum (2001) de Wes Anderson

Titre original : « The Royal Tenenbaums »

Les trois enfants Tenenbaum ont été élevés par leur mère, séparée mais non divorcée. Ils sont tous trois très différents : l’ainé a le sens des affaires, la fille cadette a des dons littéraires et le benjamin fait des exploits en tennis. Lorsque le père désire revenir après quinze ans d’indifférence totale, il n’est pas le bienvenu et doit utiliser un subterfuge… La Famille Tenenbaum est le troisième long métrage de Wes Anderson et le réalisateur montre déjà un style assez affirmé : les décors aux couleurs vives, le goût pour les situations loufoques, les costumes décalés et les objets saugrenus, la voix off faussement détachée (c’est celle d’Alec Baldwin). Le scénario qu’il a écrit avec Owen Wilson est finement écrit, évitant toute dramatisation pour nous glisser une analyse de caractères : ses personnages sont tous tournés vers le passé, ils restent bloqués sur une époque (comme en témoignent leurs vêtements qui ne changent pas ou très peu), enfermés dans leurs frustrations, leurs échecs. L’humour est très présent, il se glisse partout, même dans les situations qui se prêteraient si facilement au drame.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Gene Hackman, Anjelica Huston, Ben Stiller, Gwyneth Paltrow, Luke Wilson, Owen Wilson, Bill Murray, Danny Glover
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(de gauche à droite) Luke Wilson, Gwyneth Paltrow, Gene Hackman, Ben Stiller (les enfants : Jonah Meyerson et Grant Rosenmeyer), Angelica Houston, Danny Glover et Kumar Pallana dans La Famille Tenenbaum de Wes Anderson

18 novembre 2015

New York, New York (1977) de Martin Scorsese

1945. Le jour de la reddition du Japon, un saxophoniste aborde avec insistance une jeune chanteuse qui finit par céder partiellement à ses avances. C’est le début d’une histoire d’amour impossible, marquée par la carrière musicale de chacun des deux… Martin Scorsese renoue avec la grande tradition des comédies musicales des années quarante et cinquante. La reconstitution des clubs du début de l’ère du jazz bebop est assez splendide, tous sont assez différents. Scorsese rend hommage à Vincente Minnelli et fait marcher Liza Minnelli sur les traces de sa mère Judy Garland, tournant dans les mêmes studios, sur les mêmes scènes. Nul doute que cela devait être émouvant pour l’actrice. De son côté, De Niro va très loin pour donner vie à son personnage, l’acteur ayant même appris à jouer du saxophone pour le rôle. Les références sont nombreuses, des plus évidentes (le magnifique ballet final Happy Endings rappelle bien entendu celui de Band Wagon de Minnelli et le ballet lui-même est truffé de références) à celles qui le sont moins (comme cette chanson de Maurice Chevalier qui est une référence à une scène hilarante Monkey Business des Marx Brothers). L’histoire en elle-même n’est hélas pas très passionnante, le personnage joué par De Niro étant assez détestable, et de ce fait, le film paraît un peu long (2h30, mais il durait 4h30 dans le premier montage !) Les morceaux musicaux et les ballets sont heureusement là. La chanson-titre est devenue plus célèbre que le film lui-même.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Liza Minnelli, Robert De Niro, Lionel Stander
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New York New York
Robert De Niro et Liza Minnelli dans New York, New York de Martin Scorsese

New York New York

Remarque :
* Dans la très belle scène (sans musique) des danseurs anonymes du métro (vue de haut par De Niro), la danseuse est Liza Minnelli affublée d’une perruque (à noter que cette scène est certainement un hommage à On the Town de Stanley Donen).

17 novembre 2015

Sahara (1943) de Zoltan Korda

Afrique du Nord, 1942. Alors que Tobrouk vient de tomber aux mains des allemands, un char américain retardé par une panne se retrouve isolé. Cherchant à rejoindre ses lignes, il recueille un petit groupe d’anglais et un soudanais qui a fait un prisonnier italien… Réalisé par Zoltan Korda (le frère d’Alexander), Sahara s’inscrit dans l’effort de guerre, un film destiné à remontrer le moral des troupes et des civils. Il est inspiré d’un film soviétique de 1937, Trinadtsat de Mikhail Romm, qui serait basé sur une histoire vraie. Cette histoire est replacée dans l’actualité récente de la campagne d’Afrique du Nord, à laquelle quelques chars américains avaient pris part aux côtés des anglais. Même si les personnages sont peu approfondis, les auteurs restant au niveau des clichés, le scénario est efficace et l’histoire place le spectateur en empathie avec cette petite troupe hétéroclite et multi-nationale. L’interprétation est solide, Humphrey Bogart en tête, ici dans un rôle assez inhabituel pour lui, et le film se regarde sans déplaisir.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Humphrey Bogart, Bruce Bennett, Lloyd Bridges, Rex Ingram
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Sahara
Bruce Benett (au centre) et Humphrey Bogert (à droite) dans Sahara de Zoltan Korda

Sahara
Pas moins de cinq nations dans cette image : (de gauche à droite) un français (Louis Mercier), un américain (Humphrey Bogart), un britannique (Bruce Benett), un soudanais (Rex Ingram), un allemand (Kurt Kreuger).

Remarques :
* Le seul élément féminin du film est le tank nommé Lulubelle.
* Le film a été tourné dans le Désert de Borego en Californie. Non loin de là, la 4e Division de blindés s’entrainait alors pour le débarquement en Normandie et quelques troupes et équipements furent prêtés pour le tournage.

8 novembre 2015

Gravity (2013) d’ Alfonso Cuarón

Pour sa première expédition à bord d’une navette spatiale, le docteur Ryan Stone, brillante experte en ingénierie médicale, accompagne l’astronaute chevronné Matt Kowalsky. Mais alors qu’il s’agit apparemment d’une banale sortie dans l’espace, une catastrophe se produit… Regarder Gravity est une expérience unique, à la fois parce que l’univers qui nous est montré est pour nous hors d’atteinte, mais aussi parce que la simulation est si parfaite que nous y sommes totalement immergé au point de partager les frayeurs de son principal protagoniste. L’extraordinaire beauté des images et le caractère si inhospitalier de cet univers forment un cocktail qui génère en nous d’intenses sensations. On sort de la projection assez secoué. La vision, surtout sur grand écran, est à déconseiller aux personnes claustrophobes ! Le réalisateur mexicain Alfonso Cuarón a utilisé des solutions sophistiquées et inventives pour parvenir à une telle perfection dans la simulation. Le fait que toute cette technique et ces effets ne soient jamais trop présents est vraiment admirable : on a l’impression qu’ils ont « simplement » été filmer là-haut ! On ne peut qu’être d’accord avec James Cameron pour dire que Gravity est « le meilleur film sur l’espace jamais réalisé ».
Elle: –
Lui :

Acteurs: Sandra Bullock, George Clooney
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Gravity
Gravity Sandra Bullock dans Gravity de Alfonso Cuarón.

Remarque :
La voix de Houston est celle de Ed Harris, clin d’oeil au film Appolo 13 (1995) de Ron Howard, film dans lequel il occupait la même place.

5 novembre 2015

Blue Jasmine (2013) de Woody Allen

Jasmine est forcée de quitter Park Avenue après l’arrestation de son mari qui avait fait fortune grâce à des montages financiers frauduleux. Tout a été saisi par le fisc et, sans ressources, elle doit aller vivre chez sa soeur qui est caissière de supermarché à San Francisco… Il est toujours hasardeux de bâtir un film autour d’un personnage principal antipathique et Woody Allen n’en évite pas tous les écueils. Il est particulièrement cruel avec son héroïne qui est, sous sa plume, arrogante, futile et assez détestable. Que l’on n’éprouve aucune empathie envers le personnage ne serait pas très grave si le propos se révélait intéressant mais Woody Allen reste au niveau de la constatation du fossé qui la sépare de sa soeur et de la réalité. De plus, il utilise un procédé assez artificiel, celui de nous dévoiler son histoire que petit à petit et ne livre un élément-clef que dans les toutes dernières minutes. Il nous reste à admirer la performance d’actrice de Cate Blanchett qui a été, assez justement, louangée. Salué pour son caractère de coller à l’actualité (l’escroquerie Madoff), le film a été fort bien reçu, à la fois de la part de la critique et du public. Il n’est pas certain qu’il figurera parmi les grands Woody Allen que l’on voit et revoit avec grand plaisir…
Elle:
Lui :