Titre original : « Ano natsu, ichiban shizukana umi »
Un jeune éboueur sourd-muet se prend d’une passion obsessionnelle pour le surf. Soutenu par le regard protecteur de sa petite amie, sourde-muette comme lui, le jeune homme progresse, d’apprentissages éprouvants en compétitions difficiles… A Scene at the Sea (titre original peut se traduire littéralement par « cet été-là, la mer la plus calme ») est un film japonais écrit, réalisé et monté par Takeshi Kitano. C’est son troisième long métrage, très différent de ses deux premiers assez violents, et juste avant Sonatine (1993) qui le fera découvrir en Europe. Kitano dévoile ici une veine tendre et sentimentale avec une histoire très simple, d’amour et de passion. Le thème est aussi celui de l’innocence. Il n’y a que près peu de paroles, le rythme est lent, le style serait plutôt contemplatif. Le réalisateur a soigné l’esthétique avec de beaux cadrages en plan large, sans traveling, et une certaine utilisation de la couleur. C’est un beau film, assez peu connu mais qui mérite d’être découvert. Elle: – Lui :
Lecteurs : (3 note(s), moyenne : 3,00 sur 5, vous pouvez noter ce film)
Annie Reed, journaliste à Baltimore, s’émeut quand elle entend à la radio l’histoire de Sam Baldwin, un architecte de Seattle qui vit seul avec son fils Jonah depuis le décès de son épouse et ne parvient pas à en faire le deuil. Touchée par cette histoire, elle tente d’entrer en contact avec Sam, malgré l’approche de son mariage avec Walter Jackson et la distance qui sépare Seattle de Baltimore… Nuits blanches à Seattle est une comédie romantique américaine réalisée par Nora Ephron. Ecrite par Jeff Arch, l’histoire a eu bien du mal à convaincre TriStar, a ensuite subi plusieurs réécritures insatisfaisantes avant d’être confiée à Noah Ephron, scénariste auréolée du succès de Quand Harry rencontre Sally (1993). Il s’agit d’une variation sur le coup de foudre : le match parfait existe, il suffit de le rencontrer. Bien qu’utilisant des ficelles un peu visibles (notamment l’intervention constante de l’enfant), l’ensemble fonctionne assez bien et bénéficie de bons dialogues pour créer l’humour. Le récit fait des références directes à An Affair to Remember (Elle et Lui, 1957) de Leo McCarey. Oscar du meilleur scénario. Elle: – Lui :
Lecteurs : (2 note(s), moyenne : 3,00 sur 5, vous pouvez noter ce film)
A peine sorti de l’hôpital où il était traité pour dépression, Anthony rejoint son ami Dignan qui a mis au point un programme à suivre pour devenir de vrais voleurs : faire plusieurs braquages d’entraînement, puis s’associer avec un certain M. Henry qui utilise sa société de jardinage comme couverture pour commettre des cambriolages… Bottle Rocket est un film américain réalisé par Wes Anderson, son premier long métrage. Il en a écrit le scénario avec son ami d’université Owen Wilson. Ce qui n’était au départ qu’un court métrage (sorti en 1993 au festival de Sundance) est devenu un long métrage après un long travail de réécriture. Si la forme visuelle n’a que peu en commun avec celle de ses films suivants, on y trouve déjà des thèmes qui deviendront récurrents : la famille dysfonctionnelle, la limite floue entre l’enfance et l’état d’adulte, ou entre la raison et la folie. On note aussi une certaine tendresse envers ces personnages un peu idiots et naïfs à la recherche de leurs rêves. La mise en scène est bien maitrisée et les trois frères Wilson (qui n’avaient aucune expérience d’acteur) montrent une belle aisance dans leur jeu. Malgré un échec commercial, le film fut apprécié et mit Wes Anderson (et les frères Wilson) sur les rails. Elle: – Lui :
Lecteurs : (1 note(s), moyenne : 4,00 sur 5, vous pouvez noter ce film)
Un musicien, un peu dépressif, reçoit des cassettes vidéo de sa maison vue de l’extérieur, puis de l’intérieur avec lui et de sa femme. Le couple prévient la police qui n’a pas d’explication. Dans une soirée, il est abordé par un homme mystérieux qui prétend être dans sa maison au même moment… Lost Highway est un film franco-américain réalisé par David Lynch. Il en a écrit le scénario avec l’écrivain Barry Gifford dont il avait déjà adapté Sailor et Lula. L’histoire s’inspire en partie de l’affaire O. J. Simpson, l’arrestation d’un homme niant avoir commis un meurtre. Comme pour Twin Peaks, le récit comporte de nombreuses zones d’ombre qui peuvent dérouter. C’est un film qui se ressent plus qu’il s’analyse. L’atmosphère est un peu hypnotique, nous poussant à accepter des notions aussi déconcertantes que le dédoublement de la personnalité. S’il comporte certains clichés du film noir ou (dans une moindre mesure) du film d’horreur, c’est pour mieux les retourner. La critique tant française qu’américaine fut déroutée par le film. Avec le temps, le film a heureusement été réévalué ; on peut le voir comme un prélude à Mulholland Drive. Elle: – Lui :
Lecteurs : (5 note(s), moyenne : 1,60 sur 5, vous pouvez noter ce film)
Titre original : « Twin Peaks: Fire Walk with Me »
Le chef du FBI envoie deux agents dans l’état de Washington enquêter sur le meurtre d’une serveuse, Teresa Banks. Au siège du FBI, l’agent Cooper a la prémonition qu’un autre meurtre sera commis. Un an plus tard, dans la petite de Twin Peaks, Laura Palmer semble vivre une vie normale de jeune lycéenne. Mais, elle est consommatrice de cocaïne, qui lui est fournie par le jeune Bobby Briggs… Twin Peaks: Fire Walk with Me est un film franco-américain réalisé par David Lynch. Le scénario a été écrit par David Lynch et Robert Engels et le film a été financé par Francis Bouygues (Ciby 2000). Comme le titre français l’indique clairement, il raconte les sept derniers jours de Laura Palmer ; c’est donc un préquel de la série Twin Peaks (1990-1991) mais il ne faut surtout pas le voir avant la série. L’atmosphère est très différente, le récit se concentrant sur la double vie de Laura Palmer, ses errements, ses visions. Tout comme la série, il montre la face cachée de l’Amérique. Le film a beaucoup déçu à sa sortie car il n’apportait pas de réponses à toutes les questions laissées en suspens par la série. Avec le temps, il a heureusement bénéficié d’une réévaluation. C’est en effet une œuvre riche qui contient de nombreux éléments, un film assez sensoriel qui nous fait ressentir tout un panel de sensations. Le cauchemar l’emporte sur le rêve mais on retrouve la Chambre rouge à la fin : des ténèbres naît la rédemption. En outre, il est très important de l’avoir vu pour comprendre la saison 3 (Twin Peaks : The Return, 2017). Elle: – Lui :
Lecteurs : (3 note(s), moyenne : 4,33 sur 5, vous pouvez noter ce film)
Dans la ville imaginaire de Twin Peaks, située dans le nord-est de l’État de Washington, le cadavre de Laura Palmer, une lycéenne aimée de tous, est retrouvé emballé dans un sac en plastique sur la berge d’un lac. L’agent du FBI Dale Cooper est envoyé sur place pour mener l’enquête… Twin Peaks est une série américaine créée par Mark Frost et David Lynch. Phénomène télévisuel, cette série mythique n’a connu originellement que deux saisons : 8 épisodes dans la première (1990), 22 dans la seconde (1990-1991). Le premier épisode, le pilote de 90 minutes, est le plus célèbre. C’est lui qui met en place les personnages et l’atmosphère empreinte de mystère avec un soupçon de mysticisme et de surnaturel qui fit tout le succès de la première saison. David Lynch a réalisé les deux premiers épisodes avant de partir sur d’autres projets, notamment le tournage de Sailor et Lula. Mark Frost a alors mis en place une équipe de scénaristes, ce qui explique la baisse d’intérêt lors de la seconde saison (malgré, ou à cause de, l’introduction répétitive de nouveaux personnages). Devant l’effritement des audiences, la chaîne ABC a exigé de Mark Frost qu’il révèle le nom du tueur en milieu de saison (épisode 7 de la saison 2) alors que David Lynch avait toujours bien précisé que la série perdrait tout intérêt si le nom du tueur était dévoilé. Ce fut effectivement le cas. David Lynch mis toutefois un point d’honneur à terminer la série en beauté avec un ultime épisode resté mythique, dans la fameuse Chambre rouge. En osant tout, Twin Peaks a révolutionné la série télévisée ; après elle, tout était possible. Revoir la série, 35 ans après, est amusant car tous les personnages nous reviennent en mémoire dès les premières minutes, preuve qu’ils sont particulièrement marquants (revus ici : toute la saison 1 + 2.1, 2.2, 2.7, 2.22). Elle: – Lui :
Lecteurs : (pas de note pour l'instant, vous pouvez noter ce film)
Michael Ontkean, Kyle MacLachlan et Russ Tamblyn dans Mystères à Twin Peaks (Twin Peaks) de David Lynch.
Remarques : Episodes réalisés par David Lynch : Pilote 1.1, épisodes 1.3, 2.1, 2.2, 2.7 et 2.22. Episodes coécrits par David Lynch : Pilote 1.1, épisodes 1.2, 1.3, 2.1, 2.22.
Une vidéo a été commercialisée en Europe sous le titre Qui a tué Laura Palmer? (titre original : Twin Peaks) : il s’agit du pilote dans une version plus longue de 20 minutes qui clôt l’affaire. On l’appelle parfois le « pilote international ». Cette fin alternative avait été conçue pour le cas où la chaine de télévision ABC ne commanderait pas la série. On y voyait Bob, le manchot et la Chambre rouge avec le nain dansant.
Surnommée (à postériori) la « Greta Garbo chinoise », Ruan Lingyu fut une star du cinéma muet dans le Shanghai des années 1920-1930. Elle débuta sa carrière à l’âge de seize ans et tourna dans plus d’une vingtaine de films pour les grands studios de l’époque. Épinglée par la presse à scandale, elle mettra fin à ses jours alors qu’elle n’avait que vingt-cinq ans. Bien des années plus tard, en 1991, une équipe de cinéma venue de Hong Kong et menée par le réalisateur Stanley Kwan est à Shanghai pour reconstituer la vie et la carrière éclair de Ruan Lingyu… Center Stage est un film hongkongais réalisé par Stanley Kwan. La forme est originale puisque le film mêle plusieurs types d’images. Une reconstitution de la vie de Ruan Lingyu avec Maggie Cheung qui l’incarne constitue la plus grosse part mais certaines scènes au présent de discussions du réalisateur avec Maggie Cheung et Carina Lau interviennent parfois pour enrichir le récit, éclairer certains points ou émettre des hypothèses (avec quelques courts extraits d’interviews de personnes qui l’ont connue) et, enfin, un petit nombre d’extraits de films avec Ruan Lingyu sont intercalés, montrant la véritable scène que l’on vient de voir reconstituée. Il existe peu de sources sur la vie professionnelle ou personnelle de l’actrice, le réalisateur l’avoue lui-même en cours de récit. Vu en version director’s cut, l’ensemble peut paraître un peu long ; le récit met un certain temps à se mettre en place mais se révèle finalement captivant et de plus en plus intense. L’interprétation de Maggie Cheung est remarquable, parvenant avec élégance à exprimer plusieurs sentiments contradictoires. Elle: – Lui :
Lecteurs : (1 note(s), moyenne : 3,00 sur 5, vous pouvez noter ce film)
Au XIIe siècle, en Andalousie arabe, le philosophe Averroès exerce les fonctions de juge suprême et de premier conseiller du sultan. Il va être la cible de fanatiques religieux et d’un cheikh ambitieux et manipulateur à la tête d’une secte… Le Destin est un film égyptien réalisé par Youssef Chahine, son 33e long-métrage. Il en a écrit le scénario avec Khaled Youssef, assistant-réalisateur sur ce film et futur réalisateur. Le récit met en relief les méfaits des intégrismes religieux et met en valeur la force de la pensée : « les idées ont des ailes, nul ne peut arrêter leur vol ». Youssef Chahine a voulu éviter de faire un film trop austère. La pensée d’Averroès est finalement assez peu énoncée et, le philosophe passant tout son temps chez des gitans, l’histoire est égayée par des scènes de chants et de danses. Cela n’enlève rien à la force du propos. Le début du film peut paraître un peu confus du fait de la difficulté à bien reconnaitre les personnages. L’ensemble est intéressant par la reconstitution de l’Espagne sous domination arabe et par l’éclairage sur la (fin de) vie d’Averroès et son bannissement. L’ambition de contrer les fanatismes religieux est hélas toujours un sujet d’actualité aujourd’hui. Elle: – Lui :
Lecteurs : (1 note(s), moyenne : 3,00 sur 5, vous pouvez noter ce film)
Dans la région du Douro, Ema grandit avec son père dans une atmosphère de grande sensibilité poétique. Séduisante et innocente, elle développe un goût irrésistible pour les fictions romantiques. Devenue femme, elle épouse un médecin qu’elle n’aime pas, et emménage dans sa propriété, le Val d’Abraham… Val Abraham est un film portugais réalisé par Manoel de Oliveira. Il est adapté du roman éponyme d’Agustina Bessa-Luís qui peut être décrit comme une transposition moderne de Madame Bovary dans le Portugal contemporain. Cette transposition fut suggérée par le cinéaste à la romancière. Le portrait de cette Ema est toutefois très différent de l’Emma Bovary de Flaubert, plus distancié, simplifié sur le plan des réalités (toutes les questions pécuniaires ont disparu) mais plus profond sur les sentiments et motivations de son héroïne, plus philosophique pourrait-on dire sur le besoin d’être désirée et sur la notion de beauté. L’ensemble reste littéraire, le texte ayant une large place, avec une voix-off très présente qui souligne cette filiation. Le film a un rythme plutôt lent qui nous permet d’apprécier les superbes plans fixes du réalisateur. La beauté triste de Leonor Silveira est troublante et les paysages de la vallée du Douro émerveillent. Initialement d’une durée de 187 minutes, le film est ressorti récemment dans une version rallongée de quelque 15 minutes. Val Abraham est souvent qualifié de meilleur film du réalisateur. J’ai beau ne pas être habituellement un grand amateur des films de Manoel de Oliveira, celui-ci m’a enchanté par sa profondeur, sa beauté et son harmonie. Elle: – Lui :
Lecteurs : (1 note(s), moyenne : 3,00 sur 5, vous pouvez noter ce film)
Petit arnaqueur minable, Roy Dillon (Jon Cusak) est blessé par un barman à la suite d’une escroquerie ratée. Sa mère, Lilly (Anjelica Huston), employée d’un bookmaker mafieux qu’elle arnaque, vient lui rendre visite à l’hôpital et y rencontre Myra (Annette Bening), la petite amie de Roy, une ancienne arnaqueuse de haut vol. Entre les deux femmes, c’est aussitôt l’inimitié, puis la haine farouche… Les Arnaqueurs est un film américain réalisé par Stephen Frears. C’est l’adaptation du roman homonyme de Jim Thompson publié en 1963. Le scénario a été écrit par Donald E. Westlake, prolixe auteur de romans policiers (plutôt humoristiques, mais ce n’est pas le cas ici). Dans la filmographie du réalisateur, le film vient juste après sa remarquée adaptation des Liaisons dangereuses. Il nous plonge cette fois dans un univers très différent, celui d’arnaqueurs sans envergure dans les Etats-Unis d’aujourd’hui. L’histoire n’est pas très passionnante, même si Frears cherche à lui donner une image de tragédie. L’esthétique est soignée et la musique d’Elmer Bernstein assez remarquable. Belle interprétation. Une touche sulfureuse a contribué à donner une certaine réputation au film. Elle: – Lui :
Lecteurs : (1 note(s), moyenne : 5,00 sur 5, vous pouvez noter ce film)
Un jeune éboueur sourd-muet se prend d’une passion obsessionnelle pour le surf. Soutenu par le regard protecteur de sa petite amie, sourde-muette comme lui, le jeune homme progresse, d’apprentissages éprouvants en compétitions difficiles… 
