L'Oeil sur l'écran – Page 358 – Blog cinéma, commentaires de films

7 août 2012

Le miroir (1975) de Andreï Tarkovski

Titre original : « Zerkalo »

Frappé par la maladie, un homme de quarante ans se penche sur son passé et sur son pays, L’U.R.S.S. Il revoit sa mère dans sa maison natale, puis la femme dont il est séparé (jouée par la même actrice) et enfin son fils dont il sent que l’éducation qu’il lui donnée est un échec… Le miroir est un film autobiographique, ou plutôt introspectif, d’Andreï Tarkovski. C’est un film qui ne se livre pas facilement, surtout à nos yeux d’occidentaux qui ne peuvent qu’imparfaitement intégrer « l’esprit russe ». Car la mémoire du cinéaste se mêle à la mémoire collective et, au-delà de sa propre histoire, Le miroir est pour lui une recherche de l’identité russe, celle de la Russie éternelle. Il est d’autant plus important d’en avoir les clés que le film n’a pas une structure linéaire évidente. Il est joliment ponctué par la poésie d’Arseni Tarkovski, père du cinéaste, récitée par le poète lui-même (1). Longtemps bloqué par les autorités, le film n’est sorti en France qu’en 1978.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Margarita Terekhova
Voir la fiche du film et la filmographie de Andreï Tarkovski sur le site IMDB.
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(1) Dans la version originale sous-titrée, il semblerait que les poèmes ne soient pas intégralement traduits alors qu’ils le sont dans la version française. Ceci dit, la V.O. nous fait profiter de la voix d’Arseni Tarkovski ; à l’écoute de cette merveilleuse et envoutante musique des mots en russe, on comprend d’ailleurs mieux l’importance de la poésie de la Russie.

> Lire une belle analyse du film de Jean Gavril Sluka sur le site DVD Classik …

6 août 2012

Les bourreaux meurent aussi (1943) de Fritz Lang

Titre original : « Hangmen also die! »

En 1942, le chef nazi Heyrich, « le boucher de Prague », est mortellement blessé par un résistant tchèque. Police et Gestapo recherchent activement l’auteur de l’attentat… C’est l’actualité qui a fourni à Fritz Lang et Bertolt Brecht un point de départ pour écrire le scénario de Les bourreaux meurent aussi. La collaboration ne déroulera pas sans heurt, les deux auteurs s’opposant sur de très nombreux points. Sous la forme d’un film policier, le film met en alerte et exhorte à faire front contre la barbarie. Si le déroulement du scénario peut paraître manquer parfois de rigueur, la tension et l’intensité montent progressivement dans une atmosphère oppressante bien rendue. On retrouve le thème du mensonge cher à Fritz Lang. Le film n’eut hélas que peu de succès. En France, il sortit (après la Libération bien entendu) dans une version écourtée (117mn au lieu de 134).
Elle: –
Lui :

Acteurs: Brian Donlevy, Walter Brennan, Anna Lee, Dennis O’Keefe, Gene Lockhart
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Remarques :
* Le dénouement du film est (hélas) très différent de la réalité.
* Deux mois après Les bourreaux meurent aussi, un autre film sur l’assassinat de Heydrich est sorti sur les écrans : Hitler’s Madman (1943) de Douglas Sirk (son premier film aux Etats-Unis) avec John Carradine.

5 août 2012

Medianeras (2011) de Gustavo Taretto

Martin et Mariana vivent sans se connaître dans deux immeubles proches du centre de Buenos Aires. Bien qu’assez proches dans leurs goûts et sortant tous deux d’une longue liaison, ils n’ont aucune chance de se remarquer l’un l’autre dans l’immensité de cette métropole… Avec Medianeras (en français : « murs mitoyens »), l’argentin Gustavo Taretto réalise une comédie douce-amère fort plaisante. Certes, le sujet des problèmes existentiels de jeunes trentenaires n’est guère nouveau mais Taretto a un certain style pour le traiter qui n’est pas sans rappeler le Woody Allen d’Annie Hall ou Manhattan. Il définit ses personnages par rapport à la ville, presque un troisième personnage, qui, tout comme les médias de communication actuels, impose ses règles de sociabilité. Immédiate et directe, cette nouvelle communication peut éloigner plus qu’elle ne rapproche. La photographie est assez belle, notamment dans ses plans sur l’architecture urbaine qui ouvrent chacun des quatre grands chapitres (en réalité, quatre saisons) du film. L’humour est bien dosé, Medianeras est un film équilibré et très bien fait.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Javier Drolas, Pilar López de Ayala, Inés Efron
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Remarque :
Le film Medianeras existait déjà sous forme de court métrage de 28 minutes (2006) pour lequel Gustavo Taretto a reçu de nombreux prix.

4 août 2012

La femme du prêtre (1970) de Dino Risi

Titre original : « La moglie del prete »

Lorsqu’elle apprend que l’homme qu’elle fréquente depuis quatre ans est déjà marié, Valeria tente de se suicider. Elle appelle SOS Détresse et tombe sous le charme de la personne qui lui répond. Elle cherche à le rencontrer mais découvre alors que c’est un prêtre… Le sujet du célibat des prêtres était délicat et polémique en 1970. La femme du prêtre paraît assez sage, se moquant gentiment des pesanteurs de l’Eglise et de sa réticence aux évolutions, mais sans être vraiment caustique ni railleur. Dino Risi s’est certainement retenu. Il nous reste une comédie bien enlevée et très plaisante, qui repose solidement sur ses deux acteurs principaux dotés, ici comme toujours, d’une grande présence à l’écran. Les deux acteurs se connaissent bien (1). Le charme de Sophia Loren est particulièrement éclatant… même si l’on peut se demander comment son personnage, pas très riche, pourrait s’acheter tant de tenues plus renversantes les unes que les autres ! La femme du prêtre est une comédie très divertissante.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Sophia Loren, Marcello Mastroianni
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(1) La femme du prêtre est le 8e des 11 films que Sophia Loren et Marcello Mastroianni ont tournés ensemble.

3 août 2012

L’arbre aux sabots (1978) de Ermanno Olmi

Titre original : « L’albero degli zoccoli »

La vie d’une ferme lombarde à la fin du XIXe siècle, où vivent cinq familles de paysans sur des terres appartenant à un notable… L’arbre aux sabots est un film unique en son genre. Avec pour acteurs de simples paysans de la région de Bergame (1), filmant en 16 mm entièrement en lumière naturelle, Ermanno Olmi nous immerge dans un monde presque oublié. Les trois heures passent très rapidement. Sur l’espace de quatre saisons, nous assistons et partageons les évènements mais aussi le quotidien de cette vie très rurale. Le travail accompli par Ermanno Olmi est remarquable, la vérité de son regard force l’admiration. Il a su éviter tout spectaculaire et toute facilité pour rester dans la simplicité. Contrairement au 1900 de Bertolucci, L’arbre aux sabots ne porte pas de message politique. Beaucoup ont voulu en trouver un, déceler sous le récit quelque poison idéologique pernicieusement entrelacé… mais il n’en est rien. Le propos d’Ermanno Olmi est plus philosophique (2), il questionne sur le sens profond de la vie : en nous montrant les ancrages de cette société rurale (nature, famille, religion), il nous propose une réflexion sur les ancrages de la nôtre mais sans pour cela prôner un retour à d’anciennes valeurs. L’arbre aux sabots est ainsi un film d’une très grande portée.
Elle:
Lui :

Acteurs:
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(1) Bergame est situé en Lombardie à environ 50 km au nord-est de Milan. Ermanno Olmi est originaire de cette région. Le dialecte parlé dans le film, le bergamesque, est celui de ses grands-parents.

(2) Dans un interview pour le journal Il Tempo, Olmi décrit ainsi le but de son film L’arbre aux sabots : « Certainement pas par nostalgie d’un monde désormais impossible à proposer, mais par besoin de nous confronter à nouveau avec une réalité que nous avons mise de côté trop hâtivement, sans rien décider de ce qu’il fallait conserver en vue d’une réalité différente mais qui n’est pas sans présenter des exigences semblables au plan spirituel et humain. »

2 août 2012

The Memphis Belle: a story of a flying fortress (1944) de William Wyler

(Court métrage en couleurs de 40 minutes) Pour participer à l’effort de guerre, William Wyler réalise un film pour le Ministère de la Guerre sur le bombardier B-17 Memphis Belle, alors qu’il effectue sa 25e et ultime mission sans dommage en mai 1943. C’est pratiquement le premier B-17 à y parvenir (1). Nous montons dans l’avion avec l’équipage (âgé de 19 à 27 ans) pour participer à une mission de vaste envergure dont les cibles sont des complexes industriels en Allemagne. Les combats et scènes de vol sont à 90% des scènes réelles (2). Le film est unique en son genre et a une grande valeur historique. Très didactique, il explique les différentes phases de vol, les tirs ennemis. Il nous montre les dangers encourus et met en avant, de façon simple et non ostensible, l’héroïsme ordinaire de ces équipages. C’est un film d’une très grande intensité naturelle.
Elle: –
Lui :

Acteurs:
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Remarque :
Après avoir survécu aux combats, le Memphis Belle a miraculeusement échappé aux mises au rebut de l’après-guerre. Après avoir été exposé à Memphis, il est actuellement en cours de restauration pour être placé au Wright Patterson AFB Air Museum à Dayton, Ohio.

(1) En réalité, un autre B-17, le Hell’s Angels, est parvenu à cet exploit huit jours avant le Memphis Belle.
(2) Certaines scènes ne sont toutefois pas tournées depuis le Memphis Belle mais depuis un autre B-17, le Jersey Bounce lors d’une mission de février 1943. A noter que les images ont été tournées sans le son qui a été reconstitué ensuite avec l’équipage.

Autre film :
Memphis Belle (1990) de Michael Caton-Jones avec Matthew Modine, long métrage qui met en scène cette même 25e et ultime mission de mai 1943.

1 août 2012

The Moon and Sixpence (1942) de Albert Lewin

Titre original : « The moon and sixpence »

Charles Strickland abandonne sa vie bien rangée, sa femme et ses enfants pour s’installer à Paris afin d’assouvir sa passion jusque là secrète, la peinture… The Moon and Sixpence est fidèlement adapté du roman homonyme de William Somerset Maugham. Le personnage du roman évoque Gauguin par certains aspects (1) mais ce n’est en aucun cas une biographie de Paul Gauguin. Non, le sujet est tout autre : il s’agit de la confrontation entre une passion qui élève avec un réalisme qui abaisse (2). Strickland se forge une carapace de cynisme et devient même asocial pour se protéger et éviter de retourner à sa morne vie antérieure. De même, sa méfiance envers les femmes (il refuse l’amour car il sent que c’est un piège) se transforme en profonde misogynie. Le film est élégant dans sa forme et ses dialogues, très anglais, George Sanders apportant cette dose d’intelligence et de raffinement qui empêche son personnage d’être odieux. Cette élégance est certes coutumière à Albert Lewin mais il s’agit ici de son premier film. Le réalisateur américain traite déjà de son sujet favori : la peinture.
Elle: –
Lui :

Acteurs: George Sanders, Herbert Marshall, Steven Geray, Eric Blore, Albert Bassermann, Florence Bates
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Remarque :
Le film n’a été restauré dans sa forme originale que très récemment : la partie à Paris est en noir et blanc, la partie à Tahiti est teintée en sépia avec un court passage en couleurs pour nous montrer les peintures murales.

(1) Il y a des similitudes : le changement de vie, Paris, Tahiti. Mais si Charles Strickland rencontre bien un peintre hollandais à Paris, ce dernier est sans talent, il n’a rien à voir avec Van Gogh. Et ensuite, Gauguin n’était pas cynique ou malveillant comme peut l’être Strickland.

(2) La signification du titre The Moon and Sixpence n’est donnée ni dans le roman ni dans le film. On peut la trouver dans une lettre de Somerset Maugham datée de 1956 : « If you look on the ground in search of a sixpence, you don’t look up, and so miss the moon. » (« Si vos yeux sont tournés vers le sol pour chercher une pièce de 6 pences, vous ne pourrez voir la lune. ») Le titre illustre ainsi parfaitement le fond du propos.

31 juillet 2012

Sommaire de juillet 2012


Le grand alibi	(1950) de Alfred Hitchcock
Melancholia	(2011) de Lars von Trier
Fripouillard et Cie	(1959) de Steno
La bataille de Midway	(1942) de John Ford
Le mensonge d’une mère	(1949) de Raffaello Matarazzo
Gianni et les femmes	(2011) de Gianni Di Gregorio
A scandal in Paris	(1946) de Douglas Sirk
L’argent de la vieille	(1972) de Luigi Comencini

Fleur pâle	(1964) de Masahiro Shinoda
Les chemins de la liberté	(2010) de Peter Weir
L’arbre	(2010) de Julie Bertuccelli
L’enjeu	(1948) de Frank Capra
Hors-la-loi	(2010) de Rachid Bouchareb
Poetry	(2010) de Lee Chang-dong
Tournée	(2010) de Mathieu Amalric
Si douces, si perverses	(1969) de Umberto Lenzi

La princesse de Montpensier	(2010) de Bertrand Tavernier
Dans ses yeux	(2009) de Juan José Campanella
8 fois debout	(2009) de Xabi Molia
La fiancée des ténèbres	(1945) de Serge de Poligny
Soul Kitchen	(2009) de Fatih Akin
Biutiful	(2010) de Alejandro González Iñárritu
Andreï Roublev	(1966) de Andreï Tarkovski
Copacabana	(2010) de Marc Fitoussi

Le nom des gens	(2010) de Michel Leclerc
Lola	(2009) de Brillante Mendoza
L’homme qui voulut être roi	(1975) de John Huston

Nombre de billets : 27

30 juillet 2012

Le grand alibi (1950) de Alfred Hitchcock

Titre original : « Stage fright »

Une jeune élève-actrice tente de prouver l’innocence de son ami qui est accusé d’avoir assassiné le mari d’une chanteuse de music hall… Même s’il a été beaucoup critiqué (1) et s’il n’est pas à classer parmi les meilleurs films d’Hitchcock, Le grand alibi n’est pas sans attrait. Il y a cette atmosphère délicieusement anglaise apportée par les seconds rôles, le jeu constant avec le mensonge et une belle interprétation de Jane Wyman, empreinte de candeur et de délicatesse (2)(3). Après un projet ambitieux mais de tournage difficile, Les amants du Capricorne, Hitchcock a décidé de mettre en scène cette histoire qui manque un peu d’ampleur et dont l’une des erreurs est, selon sa propre analyse a posteriori, qu’à aucun moment les personnages ne sont en danger. Le grand alibi se regarde toutefois sans déplaisir et comporte de belles scènes comme celle du taxi, la fête de patronage ou encore toute la scène finale dans le théâtre.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Jane Wyman, Marlene Dietrich, Michael Wilding, Richard Todd, Alastair Sim
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Remarque :
* On remarquera la présence de Patricia Hitchcock, la fille du réalisateur, qui interprète l’une des élèves comédiennes amies de Jane Wyman. C’est sa première apparition à l’écran, avant donc son rôle bien plus connu (la binoclarde Barbara) dans L’inconnu du Nord Express. Elle a également tourné dans Psychose.

(1) – NE LISEZ PAS ce qui suit si vous avez l’intention de voir le film –
Alfred Hitchcock a été beaucoup critiqué pour le flash-back en début de film dans lequel il a enfreint une règle d’or du cinéma : « l’image ne peut mentir ». Hitchcock a admis par la suite qu’il n’aurait pas du le tourner.

(2) Hitchcock raconte avoir eu toutefois du mal à diriger Jane Wyman pour les scènes où elle était censée s’enlaidir pour se faire passer pour l’habilleuse de Marlene Dietrich. L’actrice ne supportait pas de paraître sous un jour défavorable à côté de Marlene et a tout fait pour améliorer peu à peu son apparence.

(3) On a beaucoup critiqué le choix d’Alastair Sim, acteur anglais alors très populaire, pour le rôle du père qui apporte une note comique, il est vrai, plutôt inutile.

Homonyme :
Le grand alibi de Pascal Bonitzer (2008) avec Miou-Miou et Lambert Wilson.

29 juillet 2012

Melancholia (2011) de Lars von Trier

Alors qu’une gigantesque planète menace la Terre, Justine se marie sans entrain et tente de montrer bonne figure lors de la réception compassée organisée dans la somptueuse demeure de sa sœur… Le prologue de Mélancholia, montrant la Terre se pulvériser contre la planète géante, ne laisse aucun espoir. Ce prologue esthétisant est très beau avec une utilisation originale des ralentis et une atmosphère irréelle puissante. La scène du grand choc est superbe. Ensuite, hélas, nous devons supporter pendant une bonne heure une réception de mariage passablement insupportable (où l’on se dit que l’apocalypse aurait pu avoir le bon goût d’arriver avant la réception plutôt qu’après). La réception révèlera de grandes tensions entre les membres de la famille, ce qui nous rappelle Festen à ceci près que le propos est ici étonnamment vide. Mis à part deux ou trois personnages très typés et symboliquement chargés (le beau-frère = rationalité et matérialisme, le patron = cynisme), les autres sont assez inconsistants. Ce vide est encore plus apparent dans la seconde partie où Charlotte Gainsbourg n’exprime quasiment qu’un seul sentiment en boucle. Mis à part les habituels désagréments de la caméra à l’épaule et du montage stressé, l’image est très belle, avec des éclairages très travaillés. Toujours très près de ses personnages, Lars von Trier multiplie les plans sur le visage Kisten Dunst dont la beauté crée un fort contraste avec son tourment intérieur : la fin du monde, elle (Justine) la souhaite, tout porte d’ailleurs à penser que le film ne se déroule que dans sa tête… Joli mais ennuyeux.
Elle: –
Lui :