7 octobre 2014

Flesh and Bone (1993) de Steve Kloves

Flesh and BoneJeune garçon, Arliss est témoin du meurtre par son père d’une famille entière dans une ferme isolée du Texas. Trente ans plus tard, alors qu’il parcourt les routes pour réalimenter les distributeurs placés dans les stations service et les bars, il fait la rencontre Kay, une jeune femme un peu paumée…
Ecrit et réalisé par Steve Kloves, Flesh and Bone nous immerge dans les grands espaces du sud profond des Etats-Unis. Le film est à la fois un road-movie, un thriller ou encore un film intimiste. C’est surtout un film d’atmosphère qui fait indéniablement montre d’un certain style. A l’errance des personnages répondent la simplicité et l’immensité des décors. Dennis Quaid et Meg Ryan sont des acteurs que l’on est habitué à voir dans des rôles plus légers et pourtant, ici, ils parviennent bien à restituer l’épaisseur de leur personnage. Le résultat est ainsi un mélange assez subtil d’intensité dramatique et de charme. Au regard de ses qualités, Flesh and Bone est trop peu connu.
Elle:
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Dennis Quaid, Meg Ryan, James Caan, Gwyneth Paltrow
Voir la fiche du film et la filmographie de Steve Kloves sur le site IMDB.

Remarques :
* Steve Kloves n’a réalisé que deux films. Le premier est Susie et les Baker Boys (1989) avec Michelle Pfeiffer et Jeff Bridges et le second est ce Flesh and Bone quatre ans plus tard. Par la suite, Steve Kloves, qui a débuté comme scénariste, écrira l’adaptation des premiers Harry Potter.
* Meg Ryan et Dennis Quaid étaient alors mari et femme. C’est leur troisième film ensemble.

Flesh and BoneMeg Ryan et Dennis Quaid dans Flesh and Bone de Steve Kloves.

4 octobre 2014

La ballade des sans-espoirs (1961) de John Cassavetes

Titre original : « Too Late Blues »

La ballade des sans-espoirsPianiste et compositeur de jazz, Ghost refuse les compromissions et préfère jouer dans les parcs ou les écoles plutôt que de devoir ne plus jouer ce qu’il aime. Dans une soirée, il rencontre une jeune chanteuse Jess, un peu perdue, ne sachant comment démarrer sa carrière… Après un premier film très personnel Shadows (1961), John Cassavetes a fait une incursion dans le système hollywoodien conventionnel avec deux réalisations. Too Late Blues est la première des deux (1). En total contraste avec Shadows, Cassavetes adopte une structure plus classique mais il parvient à conserver une belle authenticité et à rester très près de ses personnages. Le film est généralement très mal considéré mais il ne manque pourtant pas de qualité ni d’intérêt. Il illustre bien cette errance des artistes, cette difficulté à se situer et à s’affirmer face à un système et le trouble que cela engendre dans les relations personnelles, laissées de côté. C’est le crooner Bobby Darin qui en interprète le rôle principal qui visiblement n’est pas toujours à l’aise avec les méthodes de semi-improvisation de Cassavetes. La musique est interprétée par Benny Carter, Red Mitchell et Milt Bernhart.
Elle:
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Bobby Darin, Stella Stevens, Everett Chambers
Voir la fiche du film et la filmographie de John Cassavetes sur le site IMDB.
Voir les autres films de John Cassavetes chroniqués sur ce blog…

Voir les livres sur John Cassavetes

(1) le second est A Child is Waiting (1963) pour le producteur Stanley Kramer. Ensuite, il faudra attendre 1968 avec Faces pour sa réalisation suivante, très personnelle celle-là.

La ballade des sans-espoirs (Too Late Blues)Stella Stevens et Bobby Darin dans La ballade des sans-espoirs (Too Late Blues) de John Cassavetes.

29 septembre 2014

Chicago (1931) de Tay Garnett

Titre original : « Bad Company »

ChicagoUn jeune avocat qui travaille pour la pègre désire se retirer pour pouvoir se marier avec une jeune femme sans savoir qu’elle n’est autre que la soeur du concurrent de son patron. Le mariage est toutefois autorisé afin de faire cesser la lutte entre les deux gangs… Si Bad Company est un film qui a été plutôt mal perçu à sa sortie, il est considéré aujourd’hui comme l’un des plus particuliers des gangster films du début des années trente. En un sens, on peut trouver qu’il préfigure Le Parrain car il se focalise plus les relations humaines à l’intérieur d’une famille de la pègre et les implications psychologiques des crimes commis que sur l’action et les coups d’éclats. Comme pour compenser ce fait, Tay Garnett a concocté une scène finale qui a marqué les esprits : un duel furieux à la mitraillette de plusieurs minutes. Chicago Mais le plus intéressant est certainement le portrait du caïd Goldie, psychopathe au comportement névrotique, et aussi celui de cette jeune femme qui découvre avec effroi que non seulement elle a épousé un gangster mais aussi qu’elle vient elle-même de ce milieu. On pourra noter l’influence des expressionnistes notamment dans cette scène où l’ombre d’une main géante se profile au-dessus du personnage principal sur le point de tomber dans un piège.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Helen Twelvetrees, Ricardo Cortez, John Garrick, Frank Conroy
Voir la fiche du film et la filmographie de Tay Garnett sur le site IMDB.

Voir les autres films de Tay Garnett chroniqués sur ce blog…

Chicago (Bad Company)Helen Twelvetrees et Ricardo Cortez dans Chicago (Bad Company) de Tay Garnett.

Homonymes :
Chicago de Franck Urson (1927) avec Phyllis Haver
Chicago de Rob Marshall (2002) avec Catherine Zeta-Jones et Renée Zellweger
Bad Company de Robert Benton (1972) avec Jeff Bridges
Bad Company (Duo mortel) de Damian Harris (1995) avec Laurence Fishburne
Bad Company de Joel Schumacher (2002) avec Anthony Hopkins

25 septembre 2014

Le docteur se marie (1940) de Alexander Hall

Titre original : « The Doctor Takes a Wife »

Le docteur se marieA la suite d’un concours de circonstances, une jeune écrivaine, qui connait le succès avec un livre à la gloire du célibat, doit faire croire qu’elle vient de se marier avec un docteur…
L’histoire de The Doctor Takes a Wife est un peu complexe à synthétiser mais se résume globalement à la cohabitation forcée d’un homme et d’une femme qui n’ont aucune sympathie l’un pour l’autre. Il y a une certaine originalité dans sa mise en place de cette comédie screwball mais le développement est hélas assez mécanique et prévisible. Pour ne rien arranger, ni Loretta Young, ni Ray Milland ne sont des acteurs qui excellent dans le genre de la comédie et tous deux ont un jeu souvent trop rigide et même maladroit. Ni l’un ni l’autre attire notre sympathie. Le film n’est pas sans bons moments toutefois.
Elle:
Lui : 2 étoiles

Acteurs: Loretta Young, Ray Milland, Reginald Gardiner
Voir la fiche du film et la filmographie de Alexander Hall sur le site IMDB.

Voir les autres films de Alexander Hall chroniqués sur ce blog…

Le docteur se marie (The Doctor Takes a Wife)Ray Milland et Loretta Young dans Le docteur se marie (The Doctor Takes a Wife) de Alexander Hall.

24 septembre 2014

Meurtre d’un bookmaker chinois (1976) de John Cassavetes

Titre original : « The Killing of a Chinese Bookie »

Meurtre d'un bookmaker chinoisCosmo est le propriétaire d’une boite de striptease un peu minable en Californie. Pour payer une dette de jeu à la Mafia, il se voit proposer d’aller tuer un riche bookmaker chinois bien protégé…
A l’énoncé du début de l’histoire de Meurtre d’un bookmaker chinois, on peut s’attendre à un film noir assez classique. Le film de John Cassavetes n’a toutefois rien de conventionnel. L’intrigue et le suspense ne sont ici qu’une toile de fond, ce qui intéresse Cassavetes est de dresser le portrait de son personnage principal, un portrait finalement assez complexe. Cosmo est à la fois lucide et naïf, un hédoniste nageant dans le mauvais goût, paternaliste avec ses girls avec lesquelles il entretient des rapports d’amitié voire plus ; il veut jouir de la vie. Ce type de personnage est tout à fait à l’opposé de ceux que l’on rencontre traditionnellement dans les films noirs. Les truands le sont sans doute un peu moins mais Cassavetes les montre plus vrais que nature, sans édulcoration. John Cassavetes a une fois de plus une approche très personnelle qui rend son film assez unique.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Ben Gazzara, Timothy Carey, Seymour Cassel
Voir la fiche du film et la filmographie de John Cassavetes sur le site IMDB.

Voir les autres films de John Cassavetes chroniqués sur ce blog…

Voir les livres sur John Cassavetes

Meurtre d'un bookmaker chinois (The Killing of a Chinese Bookie)Ben Gazzara dans Meurtre d’un bookmaker chinois (The Killing of a Chinese Bookie) de John Cassavetes.

20 septembre 2014

Voyage au bout de l’enfer (1978) de Michael Cimino

Titre original : « The Deer Hunter »

Voyage au bout de l'enferDans une petite ville industrielle de Pennsylvanie, trois jeunes ouvriers sidérurgistes se préparent à partir au Vietnam. L’un d’entre eux se marie alors que les deux autres partent à la chasse…
Si le film a été diversement accueilli par la critique française à sa sortie (1), Voyage au bout de l’enfer apparaît avec le recul comme un film majeur. Tout comme Apocalypse Now deux ans plus tard, le film présente un autre regard sur la guerre du Vietnam, une vision plus directe, plus dure. Le propos de Michael Cimino est de montrer l’impact de la guerre sur les hommes et comment ce passage en enfer va perturber et modifier profondément leur vie. Il a structuré sa longue fresque en trois parties d’une heure environ : l’avant, le pendant et l’après. Le prologue avant leur départ peut paraître un peu long, notamment la scène du mariage, mais la suite est particulièrement puissante et intense. L’approche de Michael Cimino est tout sauf conventionnelle ; il s’écarte de la dramaturgie traditionnelle et construit son film sur un ensemble d’éléments qui forment un tout finalement très cohérent.   Voyage au bout de l’enfer fait partie de ces films qui nous marquent durablement.
Elle: 4 étoiles
Lui : 5 étoiles

Acteurs: Robert De Niro, Christopher Walken, John Savage, Meryl Streep, John Cazale
Voir la fiche du film et la filmographie de Michael Cimino sur le site IMDB.
Voir les autres films de Michael Cimino chroniqués sur ce blog…

Voir les livres sur Michael Cimino

Remarques :
* Au milieu des années soixante-dix, le thème du Vietnam restait un sujet tabou. Ce n’est donc pas étonnant que les producteurs de ce film furent anglais.
* La roulette russe a été interprétée par certains critiques comme une métaphore sur le suicide d’une nation. Michael Cimino a précisé dans ses interviews que son intention était surtout de « dramatiser l’élément de hasard qui existe dans toute guerre. Il n’y a pas de raison qu’un homme meure plutôt qu’un autre. »

(1) Les réticences de certains critiques étaient alimentées par cette scène finale où la petite bande entonne un timide God Bless America. Cimino a défendu cette scène en précisant qu’il ne fallait pas y voir un ancrage patriotique mais plutôt une sorte de bouée de sauvetage, le groupe se raccrochant à une chose connue et profonde pour continuer à vivre. On pourrait même ajouter que c’est un mécanisme de défense : cela leur permet de justifier le fait que leur vie soit fichue en l’air… On ne peut pas vraiment affirmer que Cimino fasse l’apologie de ce patriotisme, ni celle de la violence d’ailleurs (comme cela lui a également été reproché à l’époque). Voyage au bout de l’enfer n’est pas un film idéologique, ses personnages n’ont pas (apparemment) de conscience politique, ils ne sont ni pour ni contre la guerre.

Voyage au bout de l'enfer (The Deer Hunter)Robert De Niro dans Voyage au bout de l’enfer (The Deer Hunter) de Michael Cimino.

Voyage au bout de l'enfer (The Deer Hunter)Christopher Walken dans Voyage au bout de l’enfer (The Deer Hunter) de Michael Cimino.

18 septembre 2014

La femme et le pantin (1935) de Josef von Sternberg

Titre original : « The Devil Is a Woman »

La femme et le pantinEn Espagne, lors du carnaval de Séville, un ex-capitaine de l’armée raconte à l’un de ses amis comment il s’est épris de la belle Concha Perez…
La femme et le pantin est le dernier des sept films que Josef von Sternberg a tourné avec Marlene Dietrich. Cette histoire de femme fatale est adaptée du roman homonyme de Pierre Louÿs qui a été porté de nombreuses fois à l’écran. L’adaptation a beau avoir été écrite par John Dos Passos, ce n’est pas du côté du scénario qu’il faut chercher des qualités à ce film : il est assez répétitif et sans surprise. Ce n’est pas non plus du côté de la musique : les deux chansons que Marlene y chante sont de bien piètre qualité. L’intérêt est plutôt du côté de l’atmosphère, de la beauté des décors, des costumes très travaillés. La femme et le pantinL’entente entre le réalisateur et son actrice n’était hélas plus parfaite, loin de là, et le film en pâtit. Beaucoup voient, dans le personnage du capitaine, Josef von Sternberg lui-même. La femme et le pantin serait ainsi un film d’adieu… Le jeu de Marlene Dietrich est effroyablement outré, elle minaude, appuie tous ses effets, gesticule. En réalité, c’est tout le film qui est empreint d’une exubérance et d’une outrance qui alimentent un exotisme qui peut paraître artificiel. La femme et le pantin est toutefois porté en haute estime par beaucoup. Marlene Dietrich a déclaré qu’il s’agissait de son film préféré.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Marlene Dietrich, Lionel Atwill, Edward Everett Horton, Cesar Romero
Voir la fiche du film et la filmographie de Josef von Sternberg sur le site IMDB.
Voir les autres films de Josef von Sternberg chroniqués sur ce blog…

Voir les livres sur Josef von Sternberg
Voir les livres sur Marlene Dietrich

Remarques :
* John Dos Passos aurait été engagé par la Paramount pour écrire l’adaptation car les studios pensaient qu’il était espagnol. Ce sera le seul scénario de fiction écrit par l’auteur de Manhattan Transfer et de la trilogie U.S.A.

* Le film fut assez mal reçu à sa sortie et ne connut aucun succès. Aussi, quand le gouvernement espagnol, furieux de l’image qui était donnée de la police espagnole, menaça de bannir tous les films Paramount du pays si le film n’était pas retiré et détruit dans le monde entier, les studios acceptèrent. Heureusement, Marlene Dietrich parvint à en garder une copie dans ses coffres (l’actrice avait pour habitude de conserver une très grande quantité de souvenirs dans ses coffres mais ce serait le seul film qu’elle ait gardé) et c’est cette copie qui nous permet de le voir aujourd’hui.

* Maria Riva (fille de Marlene, âgée 11 ans à l’époque du tournage ce qui ne l’empêchait de participait à l’élaboration des costumes avec sa mère) rapporte une anecdote de tournage : dans une scène, Marlene est entourée de ballons et elle ne devait pas ciller lorsque l’un d’entre eux éclatait près d’elle. C’est Josef von Sternberg lui-même qui tirait avec une carabine à plomb pour faire éclater le ballon. Perfectionniste, Marlene aurait demandé à refaire la scène plusieurs fois… Cette anecdote est très probablement fausse. Le ballon qui éclate et le visage de Marlene ne sont d’ailleurs pas dans le même plan.

La femme et le pantin (The Devil Is a Woman)Marlene Dietrich et Lionel Atwill dans La femme et le pantin (The Devil Is a Woman) de Josef von Sternberg.

Principales autres adaptations du roman de Pierre Louÿs :
La femme et le pantin de Jacques de Baroncelli (1928)
La femme et le pantin de Julien Duvivier (1959) avec Brigitte Bardot (adaptation bien terne)
Cet obscur objet du désir (1977) ultime réalisation de Luis Buñuel.

17 septembre 2014

Un jour sans fin (1993) de Harold Ramis

Titre original : « Groundhog Day »

Un jour sans finPhil est l’homme de la météo sur une petite chaine de télévision régionale. Il est à la fois égocentrique, grincheux et aigri. Pour la quatrième année consécutive, il doit aller « couvrir » un évènement local qu’il trouve ridicule. Cette journée qu’il exècre, il va la revivre sans cesse…
Un jour sans fin est une comédie romantique qui a le mérite de reposer sur une idée originale : un homme prétentieux et égocentrique doit revivre sans cesse la même journée jusqu’à ce qu’il s’améliore et s’ouvre aux autres. Le scénario est habilement mis en place et déroulé, parvenant à gommer toute répétitivité par des ellipses importantes (et sans se soucier des paradoxes temporels induits). Il y a beaucoup d’humour et même de burlesque, Un jour sans fin est assez réjouissant et le film a connu un très grand succès.
Elle: 4 étoiles
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Bill Murray, Andie MacDowell, Chris Elliott
Voir la fiche du film et la filmographie de Harold Ramis sur le site IMDB.
Voir les autres films de Harold Ramis chroniqués sur ce blog…

Un jour sans fin (Groundhog Day)Andie MacDowell et Bill Murray dans Un jour sans fin (Groundhog Day) de Harold Ramis.

Remarques :
* Un spectateur attentif a voulu calculer combien de temps Bill Murray reste coincé dans ce Groundhog Day : son estimation ressort à 3176 jours, soit 8 ans, 8 mois et 16 jours. Harold Ramis (qui avait d’abord avancé le chiffres de 10 années dans une interview) lui a répondu que ce chiffre était sans doute un minimum, le plus plausible serait plutôt de l’ordre de 30 ou 40 ans. Lire (en anglais) …

* Punxsutawney est une petite ville de Pennsylvanie et le jour de la marmotte (2 février) existe vraiment ! La petite ville est maintenant devenue une attraction touristique. Le film fut toutefois tourné à Woodstock, Illinois (qui n’est pas le Woodstock du festival, qui est situé dans l’état de New York).

Un jour sans fin (Groundhog Day)Un jour sans fin (Groundhog Day) de Harold Ramis.

16 septembre 2014

L’Aigle des mers (1940) de Michael Curtiz

Titre original : « The Sea Hawk »

L'aigle des mers1585. Le roi Philippe II d’Espagne projette d’envahir l’Angleterre dont la flotte est affaiblie par le manque de moyens. Seuls des pirates comme Geoffrey Thorpe, secrètement soutenus par la reine Elizabeth, peuvent harceler les navires espagnols. Thorpe attaque et capture le navire transportant l’ambassadeur espagnol et sa nièce Dona Maria…
Cinq ans après le flamboyant Capitaine Blood, Michael Curtiz met à nouveau en scène l’univers des pirates avec la même réussite. L’Aigle des mers permet de retrouver Errol Flynn en pirate au grand coeur mais, cette fois, l’humour et la légèreté laissent la place à une certaine gravité. Il est impossible de ne pas faire le parallèle avec le danger de la menace hitlérienne qui pesait alors sur l’Europe et le discours final vibrant de la reine Elizabeth contre les tyrans prend ainsi une tonalité très actuelle. L’action et l’aventure sont bien entendu très présentes dans cette production au budget généreux, la grande scène d’abordage au début du film reste l’une des plus spectaculaires du genre. Le romantisme est réduit comme pour mieux mettre en valeur le courage individuel. Avec sa belle image en noir et blanc (qui permet à Curtiz de projeter ces grandes ombres qu’il affectionne tant) et la puissante musique d’Erich Wolfgang Korngold, L’Aigle des mers est un spectacle assez enthousiasmant.
Elle:
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Errol Flynn, Brenda Marshall, Claude Rains, Donald Crisp, Flora Robson, Alan Hale, Henry Daniell
Voir la fiche du film et la filmographie de Michael Curtiz sur le site IMDB.

Voir les autres films de Michael Curtiz chroniqués sur ce blog…

Remarques :
* Le projet initial était d’adapter à nouveau le roman de Rafael Sabatini, The Sea Hawk, en réutilisant largement des extraits de la version muette de 1924. Dans cette optique, le choix du noir et blanc était impératif. Le projet prit de l’ampleur avec l’écriture par Seton I. Miller et Howard Koch d’une histoire qui s’inspire de la vie de Sir Francis Drake et du groupe des Sea Dogs dont les actes de pirateries enrichissaient la couronne d’Angleterre.

* Le personnage du traître, Lord Wolfingham, est une invention des scénaristes. Il semble toutefois basé sur Lord Francis Walsingham, proche conseiller de la reine Elizabeth, qui n’avait pourtant rien d’un traître et qui a, bien au contraire, toujours servi sa reine et son pays avec ardeur.

* Le film utilise des plans de L’Aigle des mers (Frank Lloyd, 1924) pour les scènes dans la jungle de Panama et de David Copperfield (Cukor, 1935) pour le trajet en fiacre de Dona Maria (l’image ayant été assombrie pour masquer le fait que le fiacre est trop moderne pour l’époque). Les costumes de La vie privée d’Elisabeth d’Angleterre (Curtiz, 1939) ont été largement réutilisés.

* A sa ressortie en 1947, le film fut amputé de 18 minutes et cette version de 108 minutes a été largement diffusée. La version complète de 126 minutes est à nouveau visible aujourd’hui.

Flora Robson et Errol Flynn dans L’Aigle des mers (The Sea Hawk) de Michael Curtiz.

Homonyme :
L’aigle des mers (The Sea Hawk) de Frank Lloyd (1924) avec Wallace Beery et Milton Sills. Adaptation du roman de Rafael Sabatini, l’histoire est différente de la version de Curtiz qui n’est pas basée sur ce roman.

15 septembre 2014

Les Oiseaux (1963) de Alfred Hitchcock

Titre original : « The Birds »

Les oiseauxEnfant gâtée habituée à avoir tout ce qu’elle veut, Melanie Daniels décide de jouer un tour à Mitch Brenner qu’elle a rencontré la veille dans un magasin d’animaux. Elle se rend à Bodega Bay au nord de San Francisco où il passe le week-end en apportant deux lovebirds (1)Les Oiseaux est l’un des films les plus connus et les plus commentés d’Alfred Hitchcock. C’est celui où il a été le plus loin dans la création de la peur. Tout l’art est d’avoir utilisé des créatures très ordinaires, habituellement considérées comme inoffensives, pour créer cette terreur. Et l’absence d’explication finale (2) semble venir nous dire « je vous ai bien fait peur, mais tout cela était pour rire ». Le succès de Psychose a donné à Hitchcock la possibilité d’une production importante. Le cinéaste a ainsi pu être aussi perfectionniste qu’il le souhaitait, utilisant des trucages sophistiqués et allant jusqu’à martyriser sa nouvelle actrice préférée, Tippi Hedren, qui dût subir, plusieurs jours durant, des attaques de mouettes lancées sur elle (pour la scène du grenier). La construction, le déroulement du scénario et la mise en scène de l’attente (car le spectateur sait que les oiseaux vont attaquer) montrent l’expertise du « maître du suspense ». Le montage a été largement étudié depuis, l’une des scènes les plus remarquables sur ce plan est celle des oiseaux qui viennent se poser derrière Tippi Hedren à l’extérieur de l’école. Le côté spectaculaire du film nous ferait presque oublier la trame psychologique avec des rapports mère-fils dominés par la crainte de l’abandon qu’Hitchcock distille habilement pour renforcer encore la tension. Le film connut un très grand succès.
Elle: 5 étoiles
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Tippi Hedren, Rod Taylor, Suzanne Pleshette, Jessica Tandy
Voir la fiche du film et la filmographie de Alfred Hitchcock sur le site IMDB.
Voir les autres films de Alfred Hitchcock chroniqués sur ce blog…

Voir les livres sur Alfred Hitchcock

Remarques :
* L’idée de départ d’utiliser des oiseaux mécaniques a finalement été abandonnée car elle ne donnait pas de bons résultats. Les coûteux automates ont toutefois été utilisés dans quelques plans, notamment dans quelques scènes avec les enfants.

* La bande-annonce est un petit joyau d’humour hitchcockien : le cinéaste nous fait un petit cours d’ornithologie avant de s’asseoir à table devant un poulet rôti :
Voir la bande-annonce complète (anglais non sous-titré), incomplète (anglais sous-titré)…

* Les Oiseaux est basé sur une nouvelle de Daphné du Maurier qu’Hitchcock dit avoir lue… « dans un de ces recueils intitulés Alfred Hitchcock Presents » ! Cette nouvelle se basait sur un fait divers survenu à La Jolla (Californie) : une nuée d’oiseaux était entré dans une maison par la cheminée et avait en partie dévasté l’intérieur de la pièce.

* Caméo d’Alfred Hitchcock : alors que Tippi Hedren entre dans l’animalerie au début du film, il est un client qui sort du magasin avec plusieurs caniches blancs en laisse.

(1) Lovebirds = « inséparables » en français, ce sont de petits perroquets africains qui vivent en couple.

(2) Certaines interprétations ont toutefois été avancées. Pour Jean Douchet, par exemple, Melanie « commet l’irréparable : prendre l’homme comme sujet d’expérience. En portant les love birds chez Mitch Brenner, elle imagine et monte une pure mise en scène. De sa barque, elle guette, toute excitée, la réaction de cet homme qui lui est presque inconnu. Par ce crime occulte, elle déclenche immédiatement le drame : la première attaque d’oiseaux. » (Hitchcock, éditions Cahiers du Cinéma)

Les Oiseaux (The Birds)Les Oiseaux (The Birds) de Alfred Hitchcock.

Les Oiseaux (The Birds)Rod Taylor et Tippi Hedren dans Les Oiseaux (The Birds) de Alfred Hitchcock.