Films des années 1960-1969 – Page 24

16 août 2016

If…. (1968) de Lindsay Anderson

Dans un collège privé britannique de la fin des années soixante, la discipline est très dure, assise sur un ensemble de pratiques et de traditions. Quatre élèves sont promus au rang de préfets d’éducation et ont toute autorité pour faire respecter la discipline. Mick Travis (Malcolm McDowell), un garçon non conformiste, est jugé par eux comme non conforme à l’esprit de l’institution…
Cofondateur du free cinema anglais avec Karel Reisz et Tony Richardson au début des années 60, Lindsay Anderson signe avec If…. un film-torpille sur le système scolaire anglais. Le film est adapté d’un roman de David Sherwin qui s’est inspiré de son expérience personnelle à la Tonbridge School (Kent). Lindsay Anderson dit avoir également été inspiré par Zéro de conduite de Jean Vigo, notamment dans la construction. Le plus remarquable dans ce film est le glissement progressif de la réalité à une réalité fantasmée où la rébellion du jeune garçon s’exprime de façon de plus en plus démonstrative, pour devenir extrême. Le film a été tourné la même année que Mai 68 et il témoigne de cette époque où le poids des traditions commençait à peser bien lourd sur toute une génération. Le film fut bien entendu très controversé à sa sortie mais reçut la Palme d’Or au festival de Cannes 1969.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Malcolm McDowell, Robert Swann, Arthur Lowe
Voir la fiche du film et la filmographie de Lindsay Anderson sur le site IMDB.

Voir les autres films de Lindsay Anderson chroniqués sur ce blog…

Voir les livres de Lindsay Anderson…

If....
David Wood, Richard Warwick et Malcolm McDowell dans If…. de Lindsay Anderson.

Remarques :
* Le titre If…. fait référence à un poème de Kipling (lire dans les commentaires l’explication donnée par un lecteur de ce blog que je remercie). Le livre de Sherwin et Howlett avait pour titre Crusaders (Les Croisés).

* La présence de scènes en noir et blanc n’est pas due à un problème de budget. D’après Malcolm McDowell, les scènes à l’intérieur de l’église, dont la production ne pouvait disposer que pour un temps limité, auraient été tournées en monochrome pour profiter de la lumière naturelle (les pellicules monochromes sont toujours plus sensibles que celles en couleur). Les tests en couleur dans l’église avaient trop de grain et des couleurs changeaient suivant l’angle d’orientation de la caméra. Lindsey Anderson fut intéressé par la façon dont l’irruption d’images en noir et blanc cassait la continuité et il décida d’insérer d’autres scènes en noir et blanc, un peu au hasard, sans logique, afin de désorienter le spectateur afin d’accompagner le glissement progressif de la réalité au rêve.

* L’un des assistants au réalisateur est le jeune Stephen Frears.

* If…. est le premier long métrage pour Malcolm McDowell qui n’avait auparavant fait que de la télévision (on peut omettre une apparition dans le premier long métrage de Ken Loach Pas de larmes pour Joy, 1967, puisque ses scènes furent supprimées). C’est dans If…. que Stanley Kubrick a remarqué l’acteur et le fera connaitre au monde entier avec Orange mécanique (1971).

* La musique si particulière est constituée d’extrait de la Missa Luba, « une version des textes en latin de l’ordinaire de la messe du rite romain utilisant des chants traditionnels congolais » (dixit Wikipedia).

* Lindsay Anderson a repris le personnage de Mick Travis dans deux films ultérieurs :
– O Lucky Man ! (Le Meilleur des mondes possible) en 1973
– Britannia Hospital en 1982

If....
Le terrible quartet des élèves-préfets de If…. de Lindsay Anderson (au centre : Robert Swann).

14 août 2016

La Planète des tempêtes (1962) de Pavel Klushantsev

Titre original : « Planeta bur »

Sur les trois vaisseaux spatiaux soviétiques partis pour Vénus, seuls deux arrivent à destination. Un premier groupe de deux cosmonautes et un robot tente de se poser mais l’atterrissage se passe mal. Un second groupe de trois cosmonautes se pose pour aller les recueillir. Ces hommes vont devoir affronter divers dangers que cache cette planète inhospitalière… La science-fiction n’est pas vraiment le point fort du cinéma soviétique et c’est ainsi que La Planète des tempêtes est considéré comme étant parmi les meilleurs films de science-fiction soviétique entre Aelita (1924) et Solaris (1972). La seconde originalité du film est de se dérouler sur Vénus, planète rarement explorée, que ce soit dans la littérature ou au cinéma. Bien entendu, regarder La Planète des tempêtes aujourd’hui demande un peu d’indulgence et de se replacer en 1962 pour juger les décors. Les acteurs ont un jeu très raide et l’intrigue est finalement assez limitée mais le film n’en développe pas moins un certain charme. Pavel Klushantsev a habilement utilisé des filtres colorés pour créer une atmosphère extra-terrestre et les décors sont sommes toutes assez soignés. Le robot ressemble étrangement à celui de Planète interdite et le véhicule d’exploration en sustentation paraît un peu poussif (mais finalement étonnamment robuste). La façon dont les personnages se mettent à soliloquer sur des questions scientifiques est une particularité amusante. La Planète des tempêtes est donc une intéressante curiosité.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Vladimir Yemelyanov, Georgi Zhzhyonov, Gennadi Vernov
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Remarques :
* Le film a connu deux réutilisations assez douteuses :
1. En 1965, Roger Corman a acheté le film pour en faire Voyage to the Prehistoric Planet qui reprend la quasi-totalité des scènes avec un doublage approximatif et en y ajoutant quelques scènes avec Basil Rathbone. Le réalisateur est Curtis Harrington sous le pseudonyme John Sebastian.
2. En 1968, Peter Bogdanovich (sous le pseudonyme Derek Thomas) a repris la version de Corman pour faire Voyage to the Planet of Prehistoric Women en ajoutant cette fois des vénusiennes, en l’occurrence Mamie Van Doren et autres jeunes blondes partiellement dévêtues. Là, on touche le fond…

* Pavel Klushantsev n’a réalisé qu’un seul long métrage de fiction. Il a en outre réalisé des documentaires scientifiques dont un sur l’énergie nucléaire en 1956, un sur la conquête de l’espace en 1958, un sur la Lune en 1965, un sur Mars en 1968 et, enfin, un sur l’utilisation des images prises depuis l’espace dans une optique écologique en 1970. On ne pourra donc pas dire que ce fut un homme en retard sur son temps !

Le premier pas de l’homme sur Vénus dans La Planète des tempêtes de Pavel Klushantsev.

la Planète des Tempêtes

4 août 2016

Robinson Crusoé sur Mars (1964) de Byron Haskin

Titre original : « Robinson Crusoe on Mars »

A la suite d’un évènement imprévu lors de la mission Mars Gravity Probe 1, un astronaute américain se retrouve seul sur la planète Mars. Il n’a que quelques jours de survie possible devant lui… Le titre peut nous laisser que Robinson Crusoe on Mars est un de ces films bâclés de troisième zone, mais il n’en est rien. Il s’agit d’une variation du classique de Daniel Defoe, astucieusement transposé dans le futur. Toute la première heure du film, presque sans paroles, donne une certaine importance aux aspects métaphysiques de l’isolement avec son lot d’angoisses existentielles. Mais ce lointain ancêtre de Seul sur Mars a aussi un aspect scientifique non négligeable : presque deux ans avant que la sonde Mariner 4 nous envoie ses premières images réelles de la planète rouge, mettant ainsi un terme définitif à tous les florissants fantasmes de canaux, créatures diverses et autres petits hommes verts belliqueux, Byron Haskin met en scène une planète aride et inhospitalière, inadaptée à la vie. L’accroche commerciale du film, « Ce film est scientifiquement réaliste, il est juste un cran en avance sur la réalité d’aujourd’hui », est à lire en ce sens. L’arrivée inopinée d’extra-terrestres (ou plutôt d’extra-martiens) vient un peu gâcher l’ensemble, certes, mais elle permet de fournir un Vendredi à notre Robinson. Byron Haskin et son chef opérateur Winton Hoch ont brillamment utilisé les décors de la Vallée de la Mort mêlés à des effets sur le ciel pour créer un environnement à la fois beau et étrange (rappelons que Byron Haskins a alors une longue carrière derrière lui de directeur de la photographie, de responsable des effets spéciaux et de réalisateur). Les ajouts en carton-pâte sont en revanche assez visibles. L’atmosphère est très prenante, surtout dans les deux premiers tiers du film. Robinson Crusoe on Mars n’eut pas le succès escompté auprès du public qui attendait certainement plus de spectaculaire.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Paul Mantee, Victor Lundin, Adam West
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Robinson Crusoe on Mars

Robinson Crusoe on Mars
Paul Mantee dans Robinson Crusoé sur Mars de Byron Haskin.

Robinson Crusoe on Mars
Les vaisseaux extra-terrestres reprennent le design de ceux de La Guerre des Mondes, réalisé dix ans plus tôt par le même Byron Haskin.

2 août 2016

Un chef de rayon explosif (1963) de Frank Tashlin

Titre original : « Who’s Minding the Store? »

Lorsque la directrice d’une chaine de grands magasins découvre que sa fille aime en secret un jeune homme pauvre, maladroit et naïf, elle le fait embaucher dans son plus grand magasin où on lui donnera les tâches les plus ingrates qui soient afin de le ridiculiser… Who’s Minding the Store? (Un chef de rayon explosif) fait partie des nombreux films de Jerry Lewis dirigés par Frank Tashlin, qui a en outre co-écrit le scénario. Les gags sont de bonne qualité avec de petites pointes de génie ici et là. La (célèbre) scène où Jerry Lewis mime une personne tapant à la machine en rythme avec la musique est une merveille ; Jerry Lewis n’a pas son pareil pour de telles scènes, ce qu’il arrive à faire avec son visage est stupéfiant. Il faut citer également l’étonnante scène avec l’aspirateur qui dévore tout (1). L’humour se situe globalement dans le style slapstick avec, une fois de plus, cette façon si particulière de jouer avec le décor et les objets qui rapproche Jerry Lewis de Chaplin ou de Tati. Un grand magasin est l’univers idéal pour cela, formé d’une multitude de petits mondes différents. L’ensemble est bien dosé, sans aucune lourdeur. Un délice.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Jerry Lewis, Jill St. John, Ray Walston, John McGiver, Agnes Moorehead
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(1) A noter que cette scène est citée par Gilles Deleuze dans L’Image-temps :
« Ce n’est plus la machine qui se dérègle et devient folle, comme la machine à nourrir des Temps modernes, c’est la froide rationalité de l’objet technique autonome qui réagit sur la situation et ravage le décor : non seulement la maison électronique et les tondeuses à gazon dans It’s only money, mais les caddies qui détruisent le libre-service (The disorderly orderly) et l’aspirateur qui dévore tout dans le magasin, marchandises, vêtements, clients, revêtement mural (Who’s Minding the Store?). »

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Jerry Lewis dans Un chef de rayon explosif de Frank Tashlin.

19 juillet 2016

Rouges et blancs (1967) de Miklós Jancsó

Titre original : « Csillagosok, katonák »

Russie, 1918. Des communistes hongrois sont venus prêter main forte aux bolchéviques en guerre contre l’armée des russes blancs. Dans la campagne des bords de la Volga, les combattants des deux camps se pourchassent et s’entretuent. Les prisonniers sont le plus souvent exécutés sommairement… Le réalisateur hongrois Miklós Jancsó a tourné Rouges et blancs juste après Les Sans-espoir, confirmant ainsi auprès du public international qu’il était bien à compter parmi les plus grands cinéastes. Il s’attache ici à montrer la cruauté de la guerre, notamment par le comportement des vainqueurs envers les vaincus. On ne peut pas dire qu’il prenne parti : il renvoie les deux camps dos à dos, montrant qu’ils sont capables des mêmes actes cruels. Nous n’avons pas le temps de s’attacher à un personnage ; le vainqueur d’un moment peuvent se retrouver vaincu dans les minutes qui suivent avant de reprendre le dessus à la faveur d’un retournement de situation. En écho à cette ronde funeste, le mouvement tournant est omniprésent, que ce soit pour les personnages auxquels on donne sans arrêt des ordres de placement (créant ainsi une sorte de ballet) ou pour la caméra qui les suit (travellings, panotages). Nous sommes dans une spirale sans fin où les représailles succèdent aux représailles. L’image est superbe. Avec un esthétisme certain, Miklós Jancsó nous montre la guerre comme rarement elle a été montrée.
Elle: –
Lui :

Acteurs: József Madaras, Tibor Molnár, András Kozák
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Remarque :
* L’un des officiers blancs est interprété par Nikita Mikhalkov (22 ans), futur réalisateur russe, notamment de Soleil trompeur 2, Palme d’Or à Cannes en 2010 (il me semble que c’est celui qui force la jeune fille à se déshabiller avant de la « donner » à deux soldats, mais je n’en suis pas certain).

L’affrontement final dans Rouges et blancs de Miklós Jancsó.

Rouges et blancs

18 juillet 2016

Les Sans-espoir (1966) de Miklós Jancsó

Titre original : « Szegénylegények »

Dans la Hongrie de 1869, le pouvoir en place cherche à démasquer les « sans-espoir », sorte de bandits d’honneur qui ont pris une part active dans la révolution de 1848 et continué de se rebeller ensuite contre la misère. Le gouverneur Raday a arrêté plus d’une centaine de paysans pauvres et les a enfermés dans un fortin isolé. Les militaires utilisent plusieurs stratagèmes cruels pour que les prisonniers dénoncent les sans-espoir parmi eux… Les Sans-espoir n’est pas le premier film du hongrois Miklós Jancsó mais c’est celui qui l’a fait connaitre sur le plan international : en compétition à Cannes en 1966, il stupéfia le public et la critique. Son contenu est indéniablement politique sans être centré sur un pays ou époque donnés, il s’agit d’une réflexion sur la répression et sur le pouvoir, sur la place de l’homme dans une société en mutation politique. Miklós Jancsó n’accorde pas de place à l’émotion, son récit est froid, très descriptif. Mais ce sont l’esthétique et la mise en scène qui étonnent le plus. L’image en noir et blanc très contrasté, légèrement surexposée, donne une dimension particulière aux décors dénudés de ce fortin placé au milieu de nulle part. Le montage est réduit à la juxtaposition de longs plans-séquences où personnages et caméra tournent en permanence, formant une harmonieuse chorégraphie. Les dialogues sont réduits à l’essentiel. Miklós Jancsó crée ainsi un univers esthétique fascinant et envoutant.
Elle: –
Lui :

Acteurs: János Görbe, Zoltán Latinovits, Tibor Molnár
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Remarques :
* Bien entendu, il est difficile de ne pas voir dans le film une allégorie de la répression qui a suivi l’insurrection de Budapest de 1956 contre l’Union soviétique. Miklós Jancsó a déclaré à Cannes que son film n’avait rien à voir avec les évènements récents de Budapest mais, comme le cinéaste l’a reconnu plus tard, tout le monde savait que cette déclaration n’était pas vraie…

Miklós Jancsó (au centre) sur le tournage de Les Sans-espoir.

13 juillet 2016

Mata Hari, agent H21 (1964) de Jean-Louis Richard

En 1917, la danseuse « javanaise » Mata Hari séduit le public du cabaret parisien où elle se produit. C’est aussi une espionne qui travaille pour l’Allemagne et qui utilise ses charmes pour obtenir des renseignements… Mata Hari, agent H21 est un film plutôt rare et méconnu. Son géniteur est Jean-Louis Richard, scénariste de François Truffaut. La situation est ici inversée puisque Truffaut est scénariste-dialoguiste du film. Les deux compères utilisent le mythe de l’espionne Mata Hari (rappelons que si la femme a bien existé, on ne sait toujours pas avec certitude aujourd’hui si elle était réellement une espionne) pour mettre en valeur Jeanne Moreau, actrice qu’ils portent tous deux dans leur coeur. Les invraisemblances n’ont donc que peu d’importance, on se situe même à la limite de la fantaisie, du divertissement plaisant. Malgré un budget certainement limité, la reconstitution est soignée et réussie avec une agréable atmosphère Belle-époque. La photographie de Michel Kelber est assez superbe et les dialogues souvent brillants. La musique de Georges Delerue est très présente, peut-être un peu trop, parfois. L’ensemble est assez élégant. Sans être un film majeur, Mata Hari, agent H21 est un bel écrin pour Jeanne Moreau qui succède ainsi joliment à Greta Garbo…
Elle: –
Lui :

Acteurs: Jeanne Moreau, Jean-Louis Trintignant, Claude Rich, Henri Garcin, Frank Villard
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Remarques :
* On remarquera les petites apparitions d’autres acteurs de l’univers Truffaut : Jean-Pierre Léaud (le fils un peu illuminé), Marie Dubois (la jeune fille à la gare), Charles Denner (un soldat), Albert Rémy (le père) ou encore Nicole Desailly, la femme de Jean Desailly (en Charlotte, servante de Mata Hari).
* Jean-Louis Richard a ensuite été plus souvent acteur que réalisateur.
* Jeanne Moreau et Jean-Louis Richard ont été brièvement mariés (1949-1951), ils ont eu un fils ensemble, Jérôme Richard qui a fait un peu de figuration (il a un petit rôle dans Céline et Julie vont en bateau de Rivette).

* Autres films inspirés de la vie de Mata Hari :
Mata Hari (1921) film allemand de Ludwig Wolff avec la star danoise Asta Nielsen (film perdu)
Mata Hari, die rote Tänzerin (1927) film allemand de Friedrich Feher avec sa femme Magda Sonja dans le rôle principal (film perdu)
Mata Hari (1931) de George Fitzmaurice avec Greta Garbo
Mata Hari (1985) variation pseudo érotique avec Sylvia Kristel.
Mata Hari (2017?) film de David Carradine avec sa fille Calista Carradine dans le rôle principal (film en production)
+ plusieurs téléfilms dont un récent (2003) avec Maruschka Detmers.

Jean-Louis Trintignant et Jeanne Moreau dans Mata Hari, agent H21 de Jean-Louis Richard.

Jeanne Moreau, photo publicitaire pour Mata Hari, agent H21 de Jean-Louis Richard.

4 juillet 2016

Guêpier pour trois abeilles (1967) de Joseph L. Mankiewicz

Titre original : « The Honey Pot »

Homme cultivé et amateur de théâtre, Cecil Fox engage dans son palais vénitien un acteur américain pour l’aider à se livrer à une farce semblable à celle de la pièce Volpone de Ben Jonson : prétendant qu’il est sur le point de mourir, il invite trois femmes qui l’ont aimé en leur laissant croire qu’elles vont hériter de sa fortune… Après l’épisode difficile Cléopâtre, Joseph L. Mankiewicz n’a plus le même enthousiasme pour tourner et c’est en dehors des studios hollywoodiens qu’il finit par mettre en scène en Italie cette version modernisée de Volpone. Il transforme cette farce moralisatrice en intrigue à tiroirs, sur le thème de la cupidité et surtout de la tromperie et de la manipulation. Il est indéniable que Mankiewicz a soigné ses dialogues, souvent assez littéraires, mais le film est trop long, paraissant ressasser les mêmes scènes. Certes The Honey Pot ne manque pas de charme, l’interprétation de Rex Harrison en est un, mais il nous laisse sur un sentiment mitigé. Le réalisateur reprendra avec plus de bonheur le thème de la tromperie dans ses deux films suivants (et ultimes) : Le Reptile et le magnifique Le Limier.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Rex Harrison, Susan Hayward, Cliff Robertson, Maggie Smith, Adolfo Celi
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Voir les livres sur Joseph L. Mankiewicz…

Remarques :
* Volpone ou Le Renard est une comédie du dramaturge anglais Ben Jonson, représentée pour la première fois à Londres en 1606.

* Autre adaptation de la pièce de Ben Jonson :
Volpone ou l’amour de l’or de Maurice Tourneur avec Louis Jouvet et Harry Baur

The honey pot
Rex Harrison dans Guêpier pour trois abeilles de Joseph L. Mankiewicz.

The honey pot
Cliff Robertson et Maggie Smith dans Guêpier pour trois abeilles de Joseph L. Mankiewicz.

2 juillet 2016

Les Douze Salopards (1967) de Robert Aldrich

Titre original : « The Dirty Dozen »

Pendant la Seconde Guerre mondiale, peu avant le Débarquement de Normandie, un major un peu rebelle se voit confier une mission très particulière : prendre douze criminels condamnés à des peines très lourdes et les entrainer en vue d’une mission suicide en échange d’une amnistie. Il s’agit d’aller attaquer un château en Bretagne où se réunissent de nombreux généraux allemands et d’en tuer le plus possible… Les Douze Salopards est adapté d’un roman d’E.M. Nathanson paru en 1965. Aucun élément ne permet d’avancer qu’une telle mission ait pu exister même si l’on pense plus ou moins certain que les armées ont utilisé des délinquants militaires pour des missions suicide. Le propos de Robert Aldrich est de montrer le vrai visage de la guerre, que la guerre ne peut être propre. Les Douze Salopards est donc un film profondément antimilitariste (rappelons que le film a été tourné en pleine période de la guerre du Vietnam), ce qui ne l’a pas empêché Aldrich d’être accusé d’avoir fait un film fasciste et hyper-violent. Assez paradoxalement, c’est la conséquence de la réalisation très efficace d’Aldrich : le film peut effectivement être perçu au premier degré, c’est à dire comme un film de guerre classique, malgré le cynisme du commandement, malgré les scènes censées provoquer le rejet, malgré la cruauté affichée. Il paraît même certain que ce fut le plus souvent le cas. Sur la forme, Aldrich prend son temps, décrivant assez longuement tout le processus de conditionnement mais il est servi par un remarquable plateau d’acteurs, d’où se détachent nettement Lee Marvin, John Cassavetes, Charles Bronson et Donald Sutherland. Le film connut un très grand succès.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Lee Marvin, Ernest Borgnine, Charles Bronson, Jim Brown, John Cassavetes, Richard Jaeckel, George Kennedy, Ralph Meeker, Robert Ryan, Telly Savalas, Donald Sutherland
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Remarques :
* The Dirty Dozen parait assez proche de The Secret Invasion de Roger Corman (1964).
* The Dirty Dozen a connu trois suites sous forme de téléfilms.
* Un remake serait en cours.

The Dirty Dozen
Lee Marvin dans Les douze salopards de Robert Aldrich.

26 juin 2016

L’Américain (1969) de Marcel Bozzuffi

Après onze ans passés aux Etats-Unis, Bruno revient dans sa ville natale Rouen et retrouve ses amis qui ont changé… L’Américain est l’unique réalisation de l’acteur Marcel Bozzuffi. Il a écrit lui-même le scénario de cette chronique au ton très juste sur le temps qui passe. Il se dégage une certaine mélancolie, voire nostalgie d’une période pleine d’insouciance et d’amitiés fortes. Les amis se sont séparés, certains partant à la guerre (d’Algérie), d’autres suivant leur chemin propre. Ces chemins sont très différents les uns des autres. Peut-on rester en symbiose avec les mêmes personnes avec le temps qui passe ? Ah, voilà une bonne question que l’on a tous été amené à se poser à un moment ou à un autre… L’américain peut également être vu comme un portrait de la France des années soixante marquée par la monotonie des vies et le manque d’opportunités, sur fond de déchirement dû à la guerre d’Algérie. Outre sa femme Françoise Fabian, Marcel Bozzuffi a réuni un beau plateau d’acteurs. Jean-Louis Trintignant marque le film par sa présence et lui donne toute son assise. L’Américain est un film très personnel, franchement atypique à son époque, que ce soit par son sujet, son rythme assez lent, ou le simple fait d’être réalisé par un acteur. Il mérite vraiment d’être découvert.
Elle: –
Lui :