11 mars 2022

Les adolescentes (1960) de Alberto Lattuada

Titre original : « Dolci inganni »

Les adolescentes (Dolci inganni)Francesca, adolescente de dix-sept ans, issue d’un milieu aisé, se réveille un matin après un rêve sensuel qui la trouble. Au lieu de se rendre au lycée comme habituellement, elle fait une visite impromptue chez Enrico, un séduisant architecte, ami de la famille mais de vingt ans son aîné, car il était dans son rêve…
Les adolescentes (Dolci inganni = douces déceptions) est un film franco-italien, co-écrit et réalisé par Alberto Lattuada. Cet éclectique réalisateur italien a touché à tous les genres au cours de sa carrière. Ici, il s’agit d’un portrait de jeune fille dans ligne de son Guendalina (1957). Mais alors que ce dernier était de facture classique, Les adolescentes est plus libre de forme, montrant une certaine inspiration de la Nouvelle Vague. Les jeunes filles de Lattuada sont sérieuses : si leur principal sujet de préoccupation est l’amour, elles restent réfléchies et s’interrogent sur l’amour physique. En 1960, le sujet était tabou et le film fut malmené par la censure (toute la scène qui ouvre le film a longtemps été coupée), d’autant plus que la jeune fille côtoie des personnes aux mœurs très libres. En outre, Lattuada se plait à souligner la sensualité et la féminité des adolescentes. Il parvient parfaitement toutefois à restituer la complexité de l’adolescence et du passage à l’âge adulte qui peut s’avérer, comme le titre original l’indique, être décevant. Le film connut le succès. Il a révélé Catherine Spaak, alors âgée de 15 ans.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Christian Marquand, Catherine Spaak, Jean Sorel, Milly
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Les adolescentes (Dolci inganni)Catherine Spaak et Christian Marquand dans Les adolescentes (Dolci inganni) de Alberto Lattuada.

9 février 2020

Long Way Home (2018) de Jordana Spiro

Titre original : « Night Comes On »

Long Way Home (Night Comes On)Angel, une jeune fille de 18 ans, sort d’une prison pour mineurs le jour de ses 18 ans. Elle se met aussitôt à la recherche de son père qui tué sa mère presque sous ses yeux et a été acquitté pour faute de preuves…
La comédienne Jordana Spiro, vue principalement dans des séries (récemment The Good Wife et Ozark), passe derrière la caméra pour son premier long métrage. Pour en écrire le scénario, elle s’est adjoint Angelica Nwandu, spécialiste de la culture noire. C’est une histoire centrée sur un personnage, sur l’errance d’une jeune fille hantée par son passé et pleine d’une rage de vengeance. Ses retrouvailles avec sa jeune sœur, assoiffée d’amour, vont modifier sa trajectoire. Le récit est simple et sans doute assez classique mais repose sur un personnage fort et complexe, qui n’est pas forcément attachant à première vue mais qui provoque finalement notre empathie. Issu du cinéma indépendant américain et primé à Sundance 2019, Night Comes On montre une sensibilité certaine chez cette nouvelle réalisatrice.
Elle: 3 étoiles
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Dominique Fishback, Tatum Marilyn Hall
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Long Way Home (Night Comes On)Dominique Fishback dans Long Way Home (Night Comes On) de Jordana Spiro.

Long Way Home (Night Comes On)Tatum Marilyn Hall et Dominique Fishback dans Long Way Home (Night Comes On) de Jordana Spiro.

7 juillet 2017

Gerry (2002) de Gus Van Sant

GerryGerry et Gerry roulent en voiture, sans un mot, dans un paysage rocailleux et désertique. Ils s’arrêtent et continuent à pied sur un chemin de grande randonnée. Plus loin, ils prennent un chemin de traverse et se perdent… Pour écrire Gerry, Gus van Sant et ses deux acteurs sont partis d’un simple fait divers. Le résultat est un film très étonnant où nous suivons les deux personnages dans leur errance silencieuse. Ils ne savent pas où ils vont mais ils avancent avec obstination. Si on ne peut que saluer l’originalité de la forme et les libertés prises avec le cadre traditionnel du récit cinématographique, on peut être déçu par le contenu réel (ou symbolique…) : soit Gus van Sant tombe dans les clichés (thème du double, le chemin, etc.), soit il donne dans l’abscons le plus total (la parabole « j’ai conquis Thèbes », la métaphore du rocher). Là où Gus van Sant réussit le mieux, c’est quand il fait du « Béla Tarr » : comme dans Les Harmonies Werckmeister, il fait de longs plans-séquences de marche, très près des personnages, où il joue avec le son des pas qui développent un rythme hypnotique, une musique propre (Gus van Sant admire Béla Tarr). Visuellement, le désert est assez photogénique dans son dénuement et les accélérés de nuages ont une beauté magistrale. La musique d’Arvo Pärt est aussi très belle. Mais l’ensemble nous laisse sur une impression de vacuité : on aimerait tant que tout cela ait un peu plus de sens (du moins un sens qui nous soit accessible)…
Elle:
Lui : 2 étoiles

Acteurs: Casey Affleck, Matt Damon
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Gerry
Matt Damon dans Gerry de Gus Van Sant.

Gerry
Le plan le plus extraordinaire du film (à mes yeux) : un plan-séquence de plus de quatre minutes où les deux personnages (on ne voit que leurs visages, parfaitement parallèles) marchent côte à côte avec le son des pas (mixé assez fort) sur le sol caillouteux. Le son développe une musique hypnotique. Les pas sont d’abord synchronisés puis se désynchronisent peu à peu. Superbe. Matt Damon et Casey Affleck dans Gerry de Gus Van Sant.

Gerry
La métaphore (?) du rocher… Le double s’est mis dans une situation d’où il ne peut se libérer seul… Casey Affleck et Matt Damon dans Gerry de Gus Van Sant.

12 octobre 2015

Contes cruels de la jeunesse (1960) de Nagisa Ôshima

Titre original : « Seishun zankoku monogatari »

Contes cruels de la jeunesseLa jeune Makoto rencontre l’étudiant Kiyoshi lorsqu’il la sauve des griffes d’un homme qui tentait d’abuser d’elle. Kiyoshi en profite pour dépouiller l’homme. L’épisode leur donne l’idée de répéter le scénario pour racketter des hommes d’âge mûr… Découvert très tardivement en France (1), Contes cruels de la jeunesse fait partie des premiers films de la Nouvelle Vague japonaise. Il fut par exemple tourné au moment-même où Godard réalisait A bout de souffle. Nagisa Ôshima n’a alors que 28 ans et sort des sentiers battus et du cinéma codifié non seulement par son sujet, montrer le malaise de sa génération au travers des errances criminelles d’un très jeune couple, mais aussi par sa façon de le traiter : il filme en décors naturels dans la rue en utilisant, chose rarissime pour du format Scope à l’époque, une caméra à l’épaule. Ses parti-pris esthétiques sont assez radicaux, refusant la couleur verte qui « apaise et affadit les sentiments », préférant des couleurs assez saturées, et usant largement de gros plans, de décadrages. Les intérieurs sont assez oppressant et l’atmosphère générale est plutôt dérangeante, traduction du désenchantement de ses deux personnages principaux. Les aspects novateurs de Contes cruels de la jeunesse le rendent vraiment remarquable, même un demi-siècle plus tard.
Elle:
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Miyuki Kuwano, Yûsuke Kawazu
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Contes cruels de la jeunesse
Yûsuke Kawazu et Miyuki Kuwano dans Contes cruels de la jeunesse de Nagisa Ôshima.

Remarque :
Yûsuke Kawazu était également l’un des acteurs principaux du très beau film Bon à rien (Rokudenashi) de Yoshishige Yoshida (1960), film de la Nouvelle Vague qui sortit sur les écrans à quelques semaines d’intervalle.

(1) Le film n’est sorti en France qu’en 1986. Il a été récemment redécouvert à Cannes en 2014 dans une version restaurée.

23 septembre 2015

Le Cri (1957) de Michelangelo Antonioni

Titre original : « Il grido »

Le CriAldo, un simple ouvrier, est dévasté lorsque la femme avec laquelle il vit depuis sept ans lui annonce qu’elle va le quitter pour un autre homme. Désemparé, il part sans but précis avec la petite fille qu’ils ont eu ensemble… Le Cri est un film charnière dans la filmographie d’Antonioni, entre quatre premiers films plus conventionnels et L’Avventura qui marque vraiment l’éclosion d’un style nouveau. On trouve en effet les prémices de ce style dans cette histoire d’errance où Antonioni s’attache plus à décrire un environnement peuplé de petites choses qu’à dérouler une histoire de façon classique. Son but est nous faire ainsi mieux entrer dans l’âme du personnage principal. Antonioni prend comme décor les rives du Pô (qu’il connait bien pour y avoir passé son enfance), fleuve que suit son personnage pour échouer dans le no man’s land du delta dont les brumes et la désolation prennent une valeur symbolique. C’est l’un des rares films d’Antonioni où le personnage principal est un homme. Cet homme a une certaine incapacité d’adaptation qui lui sera fatale : il devra finalement accepter la vérité qu’il a tenté de fuir. Les héroïnes antonioniennes n’ont généralement pas cette rigidité. Le Cri fut remarqué à sa sortie par la critique mais c’est avec son film suivant que le réalisateur confirmera sa rupture avec le cinéma traditionnel et sera vraiment vu comme le créateur d’un nouveau style.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Steve Cochran, Alida Valli, Betsy Blair, Dorian Gray
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Remarques :
* On remarquera l’hommage à Chaplin : lors de la petite bagarre dans la rue, une affiche de The Kid est visible en arrière-plan, Antonioni soulignant ainsi le parallèle entre les deux situations (homme seul + enfant).

* Le Cri étant une production en partie américaine, l’acteur principal Steve Cochran est américain, c’est un acteur de films de série B dont la participation précédente la plus prestigieuse est un second rôle dans White Heat de Raoul Walsh.

Le Cri
Alida Valli et Steve Cochran dans Le Cri de Michelangelo Antonioni

17 octobre 2014

Le bonheur est pour demain (1961) de Henri Fabiani

Le bonheur est pour demainJeune homme de 18 ans, Alain a quitté ses parents et erre sur les quais de Saint-Nazaire. Il va y rencontrer l’amitié et aussi l’amour… Le bonheur est pour demain est l’unique long métrage d’Henri Fabiani, réalisateur de nombreux courts métrages documentaires. C’est un film assez attachant qui nous permet de découvrir un tout jeune Jacques Higelin, fraîchement sorti du cours d’art dramatique, en garçon qui tâtonne, s’interroge, cherche sa place à la fois sentimentalement et socialement. Ces questionnements sur la recherche du bonheur et sur le rapport au travail donnent au film un étonnant caractère précurseur de Mai 68. L’ami protecteur est interprété par le musicien de jazz Henri Crolla, guitariste virtuose, qui se savait alors condamné (il est mort peu après la fin du tournage à l’âge de 40 ans). Il n’est sans doute pas un grand acteur mais montre beaucoup de chaleur humaine et respire la générosité. La scène où Higelin et lui jouent un morceau de guitare à quatre mains est un moment unique. Henri Crolla et Jacques Higelin L’histoire se déroule dans le milieu des ouvriers du chantier naval de Saint-Nazaire, dont Henri Fabiani a inséré des images réelles ; certains plans, notamment les plans de foule à l’entrée ou à la sortie, sont saisissants. La musique est signée Henri Crolla et Georges Delerue. Au final, Le bonheur est pour demain est vraiment une belle découverte.
Elle: 3 étoiles
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Jacques Higelin, Irène Chabrier, Henri Crolla, Jean Martinelli
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Remarques :
* En 1953, Henri Fabiani fut, avec Alain Resnais, Georges Franju, Chris Marker, Jean Mitry, Alexandre Astruc (etc.), l’un des membres fondateurs du Groupe des Trente, une association de réalisateurs créée pour défendre le court métrage français et lui donner une meilleure place dans les cinémas.

* De façon étonnante, les acteurs ont prolongé leurs personnages dans la vraie vie : Jacques Higelin est devenu très ami avec Henri Crolla, il a vécu plusieurs mois chez lui et c’est sous son influence qu’il a développé un attrait pour la musique et la chanson. De plus, Jacques Higelin et Irène Chabrier sont tombés amoureux l’un de l’autre.

Le bonheur est pour demain* Jacques Higelin est parti faire son service militaire (en Allemagne et en Algérie) peu après le tournage. Sa correspondance avec Irène Chabrier sera publiée en 1987 sous le titre « Lettres d’amour d’un soldat de vingt ans ». Il a ensuite tourné dans plusieurs films dont Bébert et l’Omnibus d’Yves Robert (1963).

* Le film vient d’être restauré et réédité en DVD par Les Documents cinématographiques. Parmi les suppléments, j’ai trouvé l’interview d’Henri Fabiani passionnante. C’est un plaisir de l’écouter.

Homonyme :
Le bonheur est pour demain (And Now Tomorrow) d’Irving Pichel (1944) avec Alan Ladd et Loretta Young

7 octobre 2014

Flesh and Bone (1993) de Steve Kloves

Flesh and BoneJeune garçon, Arliss est témoin du meurtre par son père d’une famille entière dans une ferme isolée du Texas. Trente ans plus tard, alors qu’il parcourt les routes pour réalimenter les distributeurs placés dans les stations service et les bars, il fait la rencontre Kay, une jeune femme un peu paumée…
Ecrit et réalisé par Steve Kloves, Flesh and Bone nous immerge dans les grands espaces du sud profond des Etats-Unis. Le film est à la fois un road-movie, un thriller ou encore un film intimiste. C’est surtout un film d’atmosphère qui fait indéniablement montre d’un certain style. A l’errance des personnages répondent la simplicité et l’immensité des décors. Dennis Quaid et Meg Ryan sont des acteurs que l’on est habitué à voir dans des rôles plus légers et pourtant, ici, ils parviennent bien à restituer l’épaisseur de leur personnage. Le résultat est ainsi un mélange assez subtil d’intensité dramatique et de charme. Au regard de ses qualités, Flesh and Bone est trop peu connu.
Elle:
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Dennis Quaid, Meg Ryan, James Caan, Gwyneth Paltrow
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Remarques :
* Steve Kloves n’a réalisé que deux films. Le premier est Susie et les Baker Boys (1989) avec Michelle Pfeiffer et Jeff Bridges et le second est ce Flesh and Bone quatre ans plus tard. Par la suite, Steve Kloves, qui a débuté comme scénariste, écrira l’adaptation des premiers Harry Potter.
* Meg Ryan et Dennis Quaid étaient alors mari et femme. C’est leur troisième film ensemble.

Flesh and BoneMeg Ryan et Dennis Quaid dans Flesh and Bone de Steve Kloves.

26 février 2014

L’âge atomique (2012) de Héléna Klotz

L'âge atomiqueDeux adolescents font une virée d’une nuit à Paris. Après quelques rencontres dans une boîte de nuit, ils errent dans les rues… L’âge atomique est un film de 67 minutes. Nous suivons ces deux amis dans leur errance nocturne, assistons à leur tentative d’aborder une fille, leur querelle avec d’autres garçons. Si le film comporte quelques (trop rares) beaux passages, l’ensemble paraît vraiment vide, les dialogues n’apportent aucun contenu sinon un maniérisme artificiel. En effet, le souhait est visiblement de donner un caractère néoromantique à ces deux adolescents qui cherchent amour et frisson mais la réalisatrice ne parvient pas vraiment à atteindre ce but. Le film a été entièrement tourné avec un Canon 1D (un appareil photo reflex de type pro), ce qui donne une image assez dure et accentue l’apparence documentaire. On peut bien entendu saluer le côté expérimental de L’âge atomique, le film tranche nettement avec la production cinématographique courante mais son manque d’étoffe est pour lui un sérieux handicap.
Elle:
Lui : 1 étoile

Acteurs: Eliott Paquet, Dominik Wojcik
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26 juillet 2013

Fear and Desire (1953) de Stanley Kubrick

Fear and DesireDans une guerre que l’on nous dit imaginaire, quatre soldats se retrouvent derrière les lignes ennemies après le crash de leur avion. Ils errent dans une forêt inconnue, cherchant à rejoindre leur unité… Fear and Desire est le premier long métrage de Stanley Kubrick, celui que si peu de personnes avait vu puisque Kubrick avait pris soin de le retirer de la circulation. C’est certainement sa recherche constante du perfectionnisme qui explique cette décision mais le film est loin d’être sans intérêt. Dans un environnement hostile, c’est une quête de la vérité que poursuivent ces quatre hommes, la vérité sur la nature de l’homme. Le film n’est pas sans maladresse (l’abondance trop importante de gros plans par exemple, traduction la plus visible d’une certaine influence du cinéma soviétique) mais si l’on replace Fear and Desire dans le contexte de son époque, le film nous apparaît étonnamment différent sur le fond et inventif sur la forme. Kubrick assimile ses influences et expérimente. On peut s’amuser à y rechercher les éléments qui préfigurent ses films futurs (1). Fear and Desire nous permet d’assister à la naissance d’un grand cinéaste.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Frank Silvera, Kenneth Harp, Paul Mazursky, Stephen Coit, Virginia Leith
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Remarques :
* Fear and Desire a été tourné avec un très petit budget, dans les montagnes de San Gabriel en Californie, sans bande son, les voix ayant été rajoutées en studio. Cela se sent nettement mais, tout compte fait, cette étrangeté de la bande sonore ajoute au caractère allégorique du film.
* En 1953, le film a été distribué dans quelques salles Art et Essai new-yorkaises où il était projeté en double programme avec L’Enjôleuse de Buñuel.
* Le scénario a été écrit par Howard Sackler, poète et ami de Kubrick.

(1) Le plus étonnant à mes yeux étant cette rencontre de deux des personnages avec leurs alter-ego plus âgés qui préfigure celle de Bowman à la fin de 2001.

28 janvier 2013

Le Lac de la femme (1966) de Yoshishige Yoshida

Titre original : « Onna no mizûmi »
Autre titre français : « Le lac des femmes »

Le lac de la femmeMariée sans amour à un homme plus âgé qu’elle, Miyako a un amant. Elle se laisse prendre en photo par lui, nue sur un lit d’hôtel. Quelques jours plus tard, effrayée par un homme qui la suit, elle lâche son sac qui contenait les négatifs. L’homme les utilise pour la faire chanter… Adaptation d’un livre du romancier à succès Yasunari Kawabata, Le lac de la femme est centré, non pas sur une intrigue policière, mais sur son personnage principal, une jeune femme qui cherche tout simplement à s’épanouir. Elle ne trouve satisfaction ni dans son mariage, ni dans son aventure extraconjugale et, de façon plutôt paradoxale, c’est la confrontation avec un maître-chanteur qui va lui donner l’illusion de se libérer du carcan machiste de la société ; elle tente de retourner la situation et de reprendre l’initiative. Le film se déroule assez lentement, telle une errance de personnes qui se cherchent. L’image est très belle, d’un noir et blanc très contrasté avec un beau travail sur les blancs, filmant les corps de très près, avec toujours son utilisation si particulière du cadre large (laissant de grands espaces presque vierges). Mariko Okada est d’une grande beauté, Yoshida met superbement en valeur l’actrice qui est alors sa femme. Malgré quelques égarements (tout le passage avec l’équipe de tournage paraît bien superflu), Le lac de la femme porte en lui une vraie réflexion sur la place de la femme, une réflexion que Yoshida laisse totalement ouverte, refusant de donner une fin. Le film est également très beau graphiquement.
Elle:
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Mariko Okada, Shigeru Tsuyuguchi, Tamotsu Hayakawa, Keiko Natsu
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Remarque :
On peut penser que le « lac » du titre est symbolique du caractère profond (vaste, voire insondable) du caractère de la femme.