9 juin 2018

Les joyeux débuts de Butch Cassidy et le Kid (1979) de Richard Lester

Titre original : « Butch and Sundance: The Early Days »

Les joyeux débuts de Butch Cassidy et le KidLibéré de prison, Butch Cassidy rencontre dans un saloon un as de la gâchette. Ils s’associent et commencent à accomplir de petits hold-ups…
Les joyeux débuts de Butch Cassidy et le Kid est une préquelle du film de George Roy Hill Butch Cassidy et le Kid sorti en 1969 (avec Paul Newman et Robert Redford). Il nous raconte en effet leur toute première rencontre et leurs premiers méfaits. L’histoire n’est pas vraiment passionnante mais Richard Lester a su insuffler une grande fraîcheur à l’ensemble. De constantes notes d’humour rendent le film très léger et empêchent de prendre l’ensemble au sérieux : comme le titre français le laisse supposer, il s’agit plutôt d’une comédie. William Katt et Tom Berenger font une bonne prestation, même s’ils  sont loin d’avoir la présence de Newman et Redford. Le film comporte cependant de belles trouvailles et l’attaque finale du train est franchement hilarante.
Elle:
Lui : 2 étoiles

Acteurs: William Katt, Tom Berenger, Jeff Corey, Brian Dennehy
Voir la fiche du film et la filmographie de Richard Lester sur le site IMDB.

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Butch and Sundance: The Early Days
Tom Berenger et William Katt dans Les joyeux débuts de Butch Cassidy et le Kid de Richard Lester (photo posée).

Butch and Sundance: The Early Days
William Katt et Tom Berenger dans Les joyeux débuts de Butch Cassidy et le Kid de Richard Lester. Au fur et à mesure de l’avancée du film, William Katt ressemble de plus en plus à Robert Redford dans le film de George Roy Hill.

Butch Cassidy et le Kid
Paul Newman et Robert Redford dans le film Butch Cassidy et le Kid de George Roy Hill (1969).

7 juin 2018

Le Roi des rois (1927) de Cecil B. DeMille

Titre original : « The King of Kings »

Le Roi des roisThe King of Kings de Cecil B. DeMille met en scène certains épisodes de la vie de Jésus depuis la conversion de Marie-Madeleine jusqu’à la Résurrection. Il s’agit du deuxième grand film biblique de Cecil B. DeMille, quatre ans après Les Dix Commandements. Le réalisateur va s’investir totalement dans ce grand projet, considérant qu’il œuvre pour un grand dessein. Cecil B. DeMille est croyant mais pas dogmatique ; il prend ainsi quelques libertés avec les Evangiles, notamment en accentuant fortement la fourberie de Judas et de Caïphe. Le début est inattendu, montrant avec insistance (et en couleurs !) Marie-Madeleine en riche et puissante femme fatale. The King of Kings est conçu pour marquer profondément l’esprit des spectateurs et Cecil B. DeMille utilise tout son savoir-faire dans des effets visuels étonnants (telle la sortie des sept péchés capitaux de Marie-Madeleine) ou dans l’éclairage (Jésus est inondé de lumière de telle sorte que la lumière semble provenir de son corps) ou encore dans les scènes à grand spectacle (le tremblement de terre lors de la Crucifixion) et les grands mouvements de foule. La fin du film, la Résurrection,  est également en Technicolor. The King of Kings  est un film d’une grande force. Il a été brillamment restauré en 2017 par Lobster Film. (film muet, 155 mn)
Elle:
Lui : 4 étoiles

Acteurs: H.B. Warner, Jacqueline Logan, Ernest Torrence, Joseph Schildkraut, Dorothy Cumming
Voir la fiche du film et la filmographie de Cecil B. DeMille sur le site IMDB.

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Remarques :
* Le choix de H.B. Warner pour interpréter Jésus fut difficile à imposer. Que l’acteur ait plus de 50 ans au lieu de 30 était facilement compensé par une excellente forme physique. Bien plus problématique était sa solide réputation de coureur de jupons. Cecil B. DeMille s’en sortit en faisant ajouter des clauses de bonne moralité à son contrat : l’acteur ne devait rien faire pendant le tournage qui puisse ternir son image biblique (interdiction de fréquenter des night-clubs, d’aller à la plage ou même de rouler en décapotable) et, pendant cinq ans, ne devait accepter aucun rôle jugé préjudiciable à cette image sacrée.
* Les acteurs Rudolph Schildkraut (Caïphe) et Joseph Schildkraut (Judas) sont père et fils.
* The King of Kings fut le premier film diffusé au Grauman’s Chinese Theater à Hollywood.

Le Roi des rois
La résurrection de Lazare : H.B. Warner dans Le Roi des rois de Cecil B. DeMille.

Le Roi des rois
Marie-Madeleine en femme fatale : Jacqueline Logan dans Le Roi des rois de Cecil B. DeMille (séquence en couleurs).

Le Roi des rois

Le Roi des rois
Jésus face à Ponce-Pilate et Caïphe : H.B. Warner, Victor Varconi et Rudolph Schildkraut dans Le Roi des rois de Cecil B. DeMille.

30 mai 2018

Café Society (2016) de Woody Allen

Café SocietyAu milieu des années trente, le jeune Bobby arrive à Hollywood pour échapper à la pression familiale. Son oncle, un agent artistique qui représente de grandes stars, accepte de l’engager comme coursier et demande à l’une de ses assistantes de lui faire visiter la ville…
Woody Allen utilise le passé pour mettre en scène une histoire où se mêle harmonieusement romance et humour. Son film est bien équilibré, élégant et nous plonge délicieusement au cœur d’Hollywood dans ses années les plus mythiques. C’est un réel plaisir. La photographie, signée par le triple-oscarisé Vittorio Storaro, est très belle. Jonglant habilement avec plusieurs personnages, Woody Allen semble renouer avec sa meilleure verve et montre que ses talents de conteur sont loin d’être émoussés.
Elle: 5 étoiles
Lui : 5 étoiles

Acteurs: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell, Blake Lively
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Café society
Jesse Eisenberg et Kristen Stewart dans Café Society de Woody Allen.

Café Society
Steve Carell dans Café Society de Woody Allen.

Homonymes :
Cafe Society (Femme du monde) de Edward H. Griffith (1939) (aucun lien avec D.W. Griffith) avec Madeleine Carroll, Fred MacMurray et Shirley Ross
Café Society de Raymond De Felitta (1995) avec Frank Whaley et Peter Gallagher

29 mai 2018

À la française (1963) de Robert Parrish

Titre original : « In the French Style »

À la françaiseUne jeune américaine qui aspire à devenir peintre s’installe à Paris. Elle fait rapidement la rencontre d’un jeune français…
Sur un scénario d’Irwin Shaw, In the French Style nous fait partager l’attirance d’une jeune femme pour la liberté de la vie parisienne dans le monde des arts. Il est difficile de ne pas sourire devant tous ces clichés sur la France et ses mœurs libres (inutile de préciser qu’au final c’est l’American style qui triomphera). Le plus original dans cette histoire est qu’elle est racontée d’un point de vue féminin. C’est Jean Seberg qui sauve le film avec une interprétation délicate et pleine de sensibilité. Robert Parrish, visiblement sous le charme, la filme avec une profusion de gros plans. Le choix de Stanley Baker est plus étonnant, l’acteur gallois à la carrure de rugbyman se prêtant difficilement aux rôles sentimentaux. L’ensemble est, il faut bien l’avouer, un peu ennuyeux. À noter, la musique de Joseph Kosma.
Elle:
Lui : 2 étoiles

Acteurs: Jean Seberg, Stanley Baker, Philippe Forquet
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Remarque :
* Né en 1916, Robert Parrish fut un enfant-acteur (dans L’Aurore de Murnau ou Les Lumières de la ville de Chaplin notamment) avant d’être monteur puis réalisateur. Son livre de mémoires J’ai grandi à Hollywood est l’un des meilleurs témoignages sur cette grande époque hollywoodienne, et l’un des plus passionnants à lire.

In the french style
Philippe Forquet et Jean Seberg dans À la française de Robert Parrish.

In the french style
Jean Seberg, James Leo Herlihy et Stanley Baker dans À la française de Robert Parrish.

27 mai 2018

Un château en enfer (1969) de Sydney Pollack

Titre original : « Castle Keep »

Un château en enferA l’hiver 1944, dans les Ardennes belges, une petite unité américaine de 8 militaires arrive dans un château proche de Bastogne pour éviter que les allemands ne le reprennent. Dans cette vaste demeure millénaire, un comte et sa jeune épouse vivent entourés d’innombrables œuvres d’art. Le major est prêt à tenir jusqu’au bout alors que son capitaine, grand amateur d’art, voudrait protéger la bâtisse et son contenu…
Adapté d’un roman de William Eastlake par Daniel Taradash (scénariste de Tant qu’il y aura des hommes), Castle Keep est un film très original qui montre un propos ambitieux mais n’est que partiellement convaincant. Il s’agit d’une réflexion philosophique sur la guerre, l’art, la vanité, la destinée, et même d’autres thèmes encore. Cela fait beaucoup. L’atmosphère est très particulière, assez onirique où semblent se mêler plusieurs époques, ce qui donne un caractère assez atemporel à l’ensemble. La bataille finale est presque irréelle et fascinante. Dans l’ensemble, le film fut assez mal perçu et compris. La musique est signée Michel Legrand.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Burt Lancaster, Patrick O’Neal, Jean-Pierre Aumont, Peter Falk, Astrid Heeren, Bruce Dern
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Remarque :
* Le château de Maldorais n’a jamais existé. Le château utilisé pour le tournage a été construit de toutes pièces en ex-Yougoslavie.

Castle Keep
Burt Lancaster et Patrick O’Neal dans Un château en enfer de Sydney Pollack.

26 mai 2018

L’Or et la chair (1937) de Rowland V. Lee

Titre original : « The Toast of New York »

L'or et la chairUn bonimenteur itinérant et son associé font fortune pendant la Guerre Civile américaine en achetant illégalement du coton aux fermiers du Sud pour le vendre aux industriels du Nord. Une fois la guerre finie, ils se lancent dans des opérations financières de plus grande ampleur…
Basé sur un livre de Bouck White, The Toast of New York s’inspire librement de la vie du spéculateur James Fisk et du scandale Fisk-Gould qu’il déclencha en spéculant sur le marché de l’or à la Bourse de New York en septembre 1869. De toute évidence, l’histoire comporte des exagérations et les relations de l’homme d’affaires avec une jeune actrice paraissent bien romancées. Edward Arnold fait une composition très joviale du personnage et montre beaucoup de présence à l’écran. Jack Oakie, et dans une certaine mesure Donald Meek, apportent une bonne dose d’humour. En revanche, Cary Grant est singulièrement fade, la faute ne revenant sans doute pas tant à l’acteur qu’au scénario. Toujours est-il que son personnage est quasiment inexistant. On se désintéresse assez rapidement de cette suite d’opérations douteuses. Le film, qui avait bénéficié d’un beau budget, fut le plus grand échec commercial de l’année 1937 pour la RKO.
Elle:
Lui : 2 étoiles

Acteurs: Edward Arnold, Cary Grant, Frances Farmer, Jack Oakie, Donald Meek
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Remarque :
* Le projet fut en premier confié à Alexander Hall. Alors que plus de la moitié du tournage était effectué, le metteur en scène tomba gravement malade et dût être remplacé par Rowland V. Lee qui refit la plupart des scènes. La quantité de séquences tournées par Alexander Hall restant dans le montage final n’est pas connue.

Toast of New York
Jack Oakie, Edward Arnold et Cary Grant dans L’or et la chair de Rowland V. Lee.

19 mai 2018

Jeremiah Johnson (1972) de Sydney Pollack

Jeremiah JohnsonDans les années 1850, un déserteur de la guerre avec le Mexique décide de fuir la civilisation pour aller vivre une vie de trappeur dans les hauteurs des montagnes Rocheuses…
Jeremiah Johnson met en scène une partie de la vie de John Johnson, personnage légendaire de l’Ouest américain autour duquel courent plusieurs histoires comme en témoigne son surnom « Johnson le mangeur-de-foie » (1). Comme il le fait souvent, Sydney Pollack aborde cette histoire d’abord de façon réaliste, décrivant les premières difficultés auquel se heurte l’apprenti-mountain man. Mais peu à peu, sans vraiment que le spectateur s’en rende vraiment compte, il glisse vers l’insolite et la légende. Le cinéaste laisse la fin ouverte. Le récit est un assemblage de moments, sans trame narrative forte. Il n’y a qu’assez peu de dialogues, à tel point que Pollack s’amusait à l’appeler son « film muet ». Comme dans Little Big Man, sorti deux ans plus tôt, les indiens sont décrits de façon plutôt neutre, avec leurs rites et leurs coutumes, mais sans complaisance toutefois. Robert Redford, barbu comme il l’a rarement été, semble très à l’aise dans son rôle ; il fait une admirable composition de ce personnage légendaire. La photographie est superbe. Le film a été tourné en Utah, région que Robert Redford connait particulièrement bien : le tournage s’est d’ailleurs déroulé en bonne partie sur des terres lui appartenant. Jeremiah Johnson connut un très grand succès.
Elle:
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Robert Redford, Will Geer, Delle Bolton, Josh Albee, Stefan Gierasch
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Remarques :
* Le scénario est basé sur les livres :
1. Crow Killer: The Saga of Liver-Eating Johnson de Raymond Thorp et Robert Bunker
2. Mountain Man de Vardis Fisher

* Le montage fut particulièrement long et dura plusieurs mois.
* La chanson du générique est chantée par Tim McIntire.

Jeremiah Johnson
Stefan Gierasch et Robert Redford dans Jeremiah Johnson de Sydney Pollack.

(1) ATTENTION : cette petite note contient des spoilers. Ne pas lire avant de voir le film.
Le surnom « mangeur de foie » vient d’une légende qui affirme qu’il découpait et mangeait le foie de chaque indien de la tribu des Crow qu’il a tué. Johnson aurait fait perdurer la légende afin de semer la peur chez les Crow : selon certaines croyances indiennes, le foie est un organe nécessaire pour la vie après la mort (dixit Wikipedia). Cette guerre personnelle contre les indiens Crow a débuté après le meurtre de sa femme par un Crow (sans raison particulière et non pas en représailles comme décrit dans le film). La légende dit qu’il aurait ainsi tué plus de 300 Crow en 25 ans avant de faire enfin la paix avec eux. John Johnson a fini shérif d’une petite bourgade du Montana.

* Robert Redford a tourné dans sept films de Sydney Pollack :
1. This property is Condemned (Propriété interdite, 1967)
2. Jeremiah Johnson (1972)
3. The Way We Were (Nos plus belles années, 1973)
4. Three Days of the Condor (Les 3 jours du Condor, 1975)
5. The Electric Horseman (Le Cavalier électrique, 1979)
6. Out of Africa (1985)
7. Havana (1991)

17 mai 2018

Sherlock Holmes (2009) de Guy Ritchie

Sherlock HolmesLe légendaire détective Sherlock Holmes et son assistant le Dr Watson parviennent à capturer Lord Blackwood responsable de la mort de plusieurs jeunes femmes. De sa prison, la veille de sa pendaison, ce dernier affirme à Holmes que grâce à ses pouvoirs magiques il reviendra d’entre les morts…
Réalisé par le britannique Guy Ritchie, ce Sherlock Holmes est l’adaptation, non pas d’un roman de Conan Doyle, mais d’un comic book de Lionel Wigram qui n’a jamais été édité. L’intrigue se situe avant la confrontation de Holmes avec le professeur Moriarty. Modernisé, le personnage s’écarte de ses codes vestimentaires habituels et même de ses répliques emblématiques mais il garde sa grande intelligence de déduction et gagne en dynamisme : les scènes d’action sont en effet nombreuses mais assez bien intégrées. Le plus étonnant est la mise en évidence de l’homosexualité des deux compères : ils se querellent continuellement comme un vieux couple et Holmes fait tout pour empêcher Watson de se marier. Tout ceci ne fut pas vraiment du goût des producteurs (1). Même si le personnage perd quelque peu de son caractère exceptionnel et devient plus banal une fois passé dans la moulinette des codes hollywoodiens actuels, ce « dépoussiérage » est plutôt réussi. Ce Sherlock Holmes est en tous cas un bon divertissement.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Robert Downey Jr., Jude Law, Rachel McAdams, Mark Strong, Eddie Marsan
Voir la fiche du film et la filmographie de Guy Ritchie sur le site IMDB.
Voir la fiche du film sur AlloCiné.

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Suite :
Sherlock Holmes : Jeu d’ombres (Sherlock Holmes: A Game of Shadows) de Guy Ritchie (2011)

(1) Les producteurs du film se seraient agacés que Robert Downey Jr déclare que le Sherlock Holmes qu’il incarne à l’écran était homosexuel. Andrea Plunkett, titulaire des droits d’auteur de Sherlock Holmes aux États-Unis, a déclaré qu’elle n’autoriserait pas de suite au film si Guy Ritchie et les scénaristes laissaient entendre que le personnage était homosexuel (dixit Wikipedia)

Sherlock Holmes
Jude Law (Watson) et Robert Downey Jr. (Holmes) dans Sherlock Holmes de Guy Ritchie.

11 mai 2018

Vive le sport! (1925) de Fred C. Newmeyer et Sam Taylor

Titre original : « The Freshman »

Vive le sport!Jeune étudiant, Harold Lamb arrive dans une nouvelle université. Il aimerait devenir très populaire comme l’étudiant de seconde année qu’il admire. Pour ce faire, il va aimerait faire partie, comme lui, de l’équipe de football américain de l’université…
The Freshman est l’un des films les plus connus d’Harold Lloyd : il connut un très grand succès à sa sortie, rivalisant alors avec The Gold Rush de Chaplin, et il est considéré par certains comme le meilleur film du comique à lunettes. Même sans être d’accord avec cette dernière affirmation, on ne peut que constater que la construction est sans faille et la réalisation parfaite. Le style d’humour est toutefois très classique, basé sur l’embarras du jeune homme objet de moqueries de ses congénères malveillants. Il y a toutefois de belles trouvailles, tel le discours avec un chaton dans le pull ou le costume non terminé ;  le match final est fort bien réglé. Le film a failli être détruit à la suite d’une action en justice sur la paternité de l’idée de base du scénario. Heureusement, Harold Lloyd eut finalement gain de cause. (Film muet)
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Harold Lloyd, Jobyna Ralston, Brooks Benedict
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Remarque :
* Pour la grande scène du bal Fall Frolic, Harold Lloyd avait invité nombre de ses amis et membres de sa famille pour faire les invités à la fête. A noter qu’initialement dans cette scène, Harold ne perdait pas son pantalon mais, lors des séances-tests, ce fut le public qui réclama qu’il perdit aussi son pantalon. Harold Lloyd n’hésita à retourner en studio pour compléter la scène en ce sens. Parmi les trois grands comiques du muet, Harold Lloyd fut le seul à tant se baser sur un public-test pour modeler le contenu de ses films. Cet exemple démontre que le procédé a ses limites…

The Freshman
Harold LLoyd dans Vive le sport! de Fred C. Newmeyer  et Sam Taylor.

19 avril 2018

Rogue One: A Star Wars story (2016) de Gareth Edwards

Titre original : « Rogue One »

Rogue One: A Star Wars storyUn scientifique est enrôlé de force par l’Empire pour concevoir l’Etoile noire, une arme capable de détruire une planète. Il a cependant réussi à mettre à l’abri sa fillette qui se retrouve deux décennies plus tard aux côtés des rebelles qui vont tenter de voler les plans de cette arme suprême…
Rogue One est le huitième film créé dans la série Star Wars. Chronologiquement, il se situe juste avant le tout premier film, c’est-à-dire entre La Revanche des Sith (2005) et La Guerre des étoiles (alias Episode 4 : A new Hope, 1977). On retrouve le thème de l’état totalitaire (L’Empire) auquel s’oppose un petit groupe hétéroclite de défenseurs de la liberté (la Rébellion). Les scénaristes n’ont pas pris de risques et ont empruntés des chemins bien balisés. L’ensemble donne une petite impression de déjà-vu. En outre, il ne faut pas compter frémir pour les héros : la façon dont les méchants se font très facilement rosser par les gentils a un petit côté infantile amusant. La réalisation est très correcte et le rythme assez enlevé : Rogue One se regarde sans ennui mais sans enthousiasme non plus. Finalement, la plus grande originalité de cette production est d’avoir opté pour un réalisateur anglais, Gareth Edwards connu pour son Godzilla (2014), et pour une actrice anglaise  dans le rôle principal.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Felicity Jones, Diego Luna, Ben Mendelsohn, Forest Whitaker, Mads Mikkelsen, Wen Jiang
Voir la fiche du film et la filmographie de Gareth Edwards sur le site IMDB.

Chronologie :
1. La Menace fantôme (1999)
2. L’Attaque des clones (2002)
3. La Revanche des Sith (2005)
4. Rogue One (2016)
5. La Guerre des étoiles (1977)
6. L’Empire contre-attaque (1980)
7. Le Retour du Jedi (1983)
8. Le Réveil de la Force (2015)
9. Les Derniers Jedi (2017)

Rogue one
Felicity Jones dans Rogue One: A Star Wars story de Gareth Edwards.

Rogue One