17 mars 2013

Un chien andalou (1929) de Luis Buñuel

Un chien andalouCe court métrage muet de 20 minutes, premier film de Luis Buñuel, est unique dans l’histoire du cinéma. Alors âgé de 28 ans, Buñuel en a écrit le scénario avec son ami Salvador Dali et l’a tourné avec très peu de moyens, en empruntant de l’argent à sa mère. Un chien andalou est fortement influencé par les surréalistes et c’est grâce à eux que le film sera vu très largement, plus précisément grâce à Man Ray et Aragon. En écrivant Un chien andalou, Buñuel et Dali se sont affranchis de toute règle narrative et ont même évité le sens direct pour se concentrer sur la création instinctive d’images fortes, qui perturbent et qui interpellent. Il ne faut pas pour autant le voir comme dénué de sens : le film est l’expression de la révolte d’une génération qui veut bousculer l’ordre établi et aspire à une certaine pureté des sentiments. Les images prennent alors un sens : l’homme qui peine à traîner son passé, les insectes dans le corps, etc. La force du film est telle qu’il est toujours aussi dérangeant aujourd’hui qu’un siècle auparavant : non seulement par certaines de ses images (l’oeil tranché par une lame de rasoir reste l’une des scènes les plus difficiles à supporter de toute l’histoire du cinéma) mais aussi par sa liberté totale, par sa forme qui s’écarte de toutes les règles et par la puissance des images ainsi créées.
Elle:
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Simone Mareuil, Pierre Batcheff
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Remarque :
Dans son autobiographie, Mon dernier soupir, Luis Buñuel raconte ainsi l’écriture d’Un chien andalou : « Le scénario fut écrit en moins d’une semaine selon une règle très simple adoptée d’un commun accord : n’accepter aucune idée, aucune image qui pût donner lieu à une explication rationnelle, psychologique ou culturelle. Ouvrir les portes à l’irrationnel. N’accueillir que les images qui nous frappaient, sans chercher à savoir pourquoi. »

16 mars 2013

Evasion du Japon (1964) de Yoshishige Yoshida

Titre original : « Nihon dasshutsu »

Evasion du JaponLe jeune Tatsuo ne rêve que d’une chose : devenir chanteur et aller aux Etats-Unis. Un ancien batteur qu’il admire lui demande de participer à un cambriolage. Cette proposition ne l’enchante guère mais il n’ose refuser… Kijû Yoshida a écrit lui-même le scénario d’Evasion du Japon. C’est un film policier qui s’affranchit des règles classiques du genre, Yoshida préférant se concentrer sur son personnage principal, un anti-héros par excellence qui subit les évènements, qui les a toujours subis. Bousculant ainsi le genre, il s’inscrit pleinement dans la Nouvelle Vague japonaise. Si on le compare avec les films de Godard (par exemple), Evasion du Japon est toutefois beaucoup plus noir et pessimiste, son personnage principal n’a pas d’idéal, même diffus, il tente seulement de surnager alors que tout l’enfonce. Sa cavale n’a rien de joyeuse. Yoshida expérimente quelque peu dans ses plans, usant de beaucoup (trop peut-être) de plongées. Il joue avec les formes pour obtenir des cadrages originaux et utilise fort bien la couleur. Alors que le Japon accueille les jeux olympiques en montrant son meilleur jour, Evasion du Japon offre une vision plus noire et met en scène les frustrations de sa jeunesse face à l’Occident.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Yasushi Suzuki, Miyuki Kuwano, Kyôsuke Machida, Ryôhei Uchida, Sumiko Sakamoto
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15 mars 2013

18 jeunes gens à l’appel de l’orage (1963) de Yoshishige Yoshida

Titre original : « Arashi o yobu juhachi-nin »

18 jeunes gens à l'appel de l'orageSur un chantier naval, un sous-traitant assure les soudures avec une petite équipe de travailleurs. L’un d’entre eux, Shimazaki, se retrouve chargé de régenter un groupe de 18 jeunes un peu « difficiles » hébergés sommairement dans un ancien baraquement de l’armée américaine…
18 jeunes gens à l’appel de l’orage a été écrit par Yoshida et montre un caractère politique marqué. C’est un sous-prolétariat que forment ces travailleurs précaires, bien mal considérés qu’un rabatteur recrute selon les besoins. Yoshida choisit de ne pas individualiser les personnages des jeunes et c’est donc le groupe qui devient un personnage à part entière, face à Shimazaki qui est lui aussi un personnage en marge, itinérant et sans attache. Le propos montre de la subtilité et expose comment peut se gagner un soupçon de dignité et de maitrise de ses instincts, premier pas vers plus d’humanité. Du fait de son engagement politique, 18 jeunes gens à l’appel de l’orage ne serait resté que quatre jours en salles au Japon. Ce film méritait bien mieux que cela.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Tamotsu Hayakawa, Yoshiko Kayama, Eiji Matsui, Takenobu Wakamoto, Katsuyoshi Nishimura
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14 mars 2013

La fin d’une douce nuit (1961) de Yoshishige Yoshida

Titre original : « Amai yoru no hate »

La fin d'une douce nuitHumilié de devoir rompre avec sa fiancée qui a choisi un meilleur parti, le jeune Jirô n’a dès lors qu’une idée en tête : épouser une femme riche et gravir ainsi l’échelle sociale. Il utilise une jeune fille pour mieux s’introduire auprès de la fille de son patron qui tient un club… La fin d’une douce nuit est le troisième film réalisé par Yoshida. Pour en écrire le scénario, il dit s’être inspiré du Le Rouge et le Noir de Stendhal et son personnage est donc, dans son esprit, un Julien Sorel moderne. On pourrait ajouter qu’il évoque aussi le Valmont des Liaison Dangereuses, quoiqu’en moins élégant. Arriviste et cruel, Jirô n’a pour lui qu’une grande soif de vivre mais il est attiré par ce qui brille et rêve de vie facile. C’est un pur produit de la société où l’argent domine les rapports humains. Cet argent ne semble pas pourtant  apporter de bien-être pour autant car les personnages riches de cette histoire sont bien seuls ;  notons que ce sont les personnages féminins qui tirent le mieux leur épingle du jeu, même si la fin qu’a choisie Yoshida pour la jeune fille est quelque peu surprenante. Le film de Yoshida montre une belle énergie, nourrie de la vitalité des deux jeunes personnages. La fin d’une douce nuit est un très beau film.
Elle:
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Masahiko Tsugawa, Michiko Saga, Teruyo Yamagami, Sumiko Hidaka
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10 mars 2013

Le Sang séché (1960) de Yoshishige Yoshida

Titre original : « Chi wa kawaiteru »

Le sang séchéPour sauver ses collègues d’un plan de licenciement soudain, Takashi Kiguchi tente de se suicider avec un pistolet. La médiatisation autour de cette tentative donne l’idée à une jeune publicitaire d’utiliser Takashi pour faire la promotion d’une assurance-vie…
Le Sang séché est le deuxième long métrage de Kijû Yoshida, tourné peu après son excellent premier film Bon à rien. Le réalisateur dresse un portrait peu flatteur de la société japonaise de ce début des années soixante : tout est bon pour gagner de l’audience ou pour accroitre le chiffre d’affaires de sa compagnie. La noblesse du geste de Takashi est exploitée sans scrupule. Le journaliste qui cherche à se mettre en travers n’est guère plus recommandable : c’est un paparazzi aux méthodes odieuses. De cet océan de cynisme n’émerge aucun humanisme et la sincérité a bien du mal à trouver une petite place. Yoshida signe là une satire vraiment mordante de la société moderne.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Keiji Sada, Kaneko Iwasaki, Shin’ichirô Mikami, Mari Yoshimura
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8 mars 2013

Livre : Un siècle de cinéma par Tay Garnett

Un siècle de cinéma par Tay GarnettRéalisateur américain dont on connait bien le merveilleux Le facteur sonne toujours deux fois (1946), Tay Garnett eut l’idée au début des années soixante-dix d’écrire un livre sur le métier de cinéaste, un livre qui regrouperait le savoir-faire des plus grands réalisateurs. Pour ce faire, il a envoyé un questionnaire à des cinéastes de premier plan. Beaucoup étaient ses amis. Le livre Un siècle de cinéma nous livre les réponses de quarante-deux d’entre eux : des américains (George Cukor, Raoul Walsh, Howard Hawks, Elia Kazan, King Vidor, Robert Wise, Samuel Fuller, Henry King, Alan Dwan, Steven Spielberg, Martin Scorcese, etc.), des européens (François Truffaut, Louis Malle, Federico Fellini, Luigi Comencini, Dino Risi, Jean Renoir, Alain Resnais, Milos Forman, etc.) et un peu du reste du monde (Satyajit Ray, Serge Youtkevitch). La liste est impressionnante.

Les questions sont particulièrement bien choisies, Tay Garnett a réussi à bien condenser l’essentiel en vingt trois questions depuis la naissance de l’idée, le travail avec les scénaristes, les acteurs, les producteurs, la façon de filmer, jusqu’au montage et l’insertion de la musique. Les réponses des cinéastes sont assez passionnantes à lire, elles permettent de voir comment chacun appréhende l’acte de création d’un film. Pouvoir les écouter parler de leur métier est assez fabuleux. En outre, il est intéressant de noter les différences de philosophie entre les américains et les européens ; ces différences sont, comme on s’en doute, très nettes sur la relation au scénario mais elles apparaissent également à bien d’autres niveaux.

Edité en 1982 par Hatier, le livre était depuis longtemps introuvable. Il est aujourd’hui réédité par TNVO dans un format facile à manier. Un siècle de cinéma passionnera tous les amoureux de cinéma car, en nous faisant partager le savoir-faire de ces grands cinéastes, il nous permet de mieux percevoir l’essence de la création d’un film.
( Editions TNVO 2013, 540 pages, 18 € )
Voir sur Amazon…

Remarque :
Simultanément à la réédition du livre Un siècle de cinéma, la Cinémathèque Française organise une Rétrospective Tay Garnett du 13 mars au 29 avril 2013 en projetant 43 films du réalisateur, c’est à dire la quasi totalité de sa filmographie, couvrant une période allant de 1928 à 1970. Voir la liste…

7 mars 2013

Seul sur l’océan pacifique (1963) de Kon Ichikawa

Titre original : « Taiheiyô hitoribocchi »

Seul sur l'océan pacifiquePar une nuit noire, dans le port d’Osaka, le jeune Kenichi Horie lèvre l’ancre clandestinement. Avec son petit voilier de 6 mètres, il veut traverser l’océan à la voile et atteindre San Francisco… Seul sur l’océan pacifique est le récit d’une histoire vraie, il est basé sur le livre du navigateur (1). Si l’idée d’accompagner un homme solitaire sur son bateau peut engendrer quelques craintes à priori, l’histoire est finalement intéressante, Ichikawa parvenant parfaitement à rendre son personnage attachant. Pourtant les flashbacks qui entrecoupent le récit de son périple montre un jeune homme plutôt égoïste et asocial (le seul être auquel il tient vraiment finalement est son chien), le portrait n’allant d’ailleurs pas trop en profondeur, restant sur l’absence de compréhension entre lui et son père, mais n’explique qu’incomplètement comment sa passion est devenu une obsession. Par ses ruptures de rythme, Ichikawa évite toute monotonie et glisse même de petites notes d’humour qui relève l’ensemble. Seul sur l’océan pacifique fait sans aucun doute partie des films plus légers de Kon Ichikawa mais relate de belle façon cette aventure hors du commun.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Yûjirô Ishihara, Masayuki Mori, Kinuyo Tanaka
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(1) A l’âge de 23 ans, Kenichi Horie a été le premier japonais à effectuer la traversée du Pacifique à la voile en solitaire en 1962. Son bateau de 5m80 est aujourd’hui exposé au San Francisco Maritime Museum. Après cet exploit, Kenichi Horie a continué à naviguer et a fait de nombreuses traversées à la voile, sur des bateaux fonctionnant à l’énergie solaire ou, plus récemment en 2008, à l’énergie des vagues.

6 mars 2013

Flamme et Femme (1967) de Yoshishige Yoshida

Titre original : « Honô to onna »

Flamme et FemmeTatsuko a eu recours à l’insémination artificielle pour avoir un enfant car son mari est stérile. Quand l’enfant a deux ans, le couple recherche le donneur… Flamme et Femme a été réalisé à une époque où l’insémination artificielle était une technique nouvelle au Japon et faisait débat. Yoshida apport sa vision sur le sujet, montrant tous les problèmes au sein du couple causés par ce sentiment de demi-paternité pour au final revenir sur la notion que toute décision doit revenir à la femme. Le propos m’a semblé plutôt moins fort que dans ses autres films car, volontairement ou, plus probablement, involontairement, il fait l’apologie d’une certaine normalité de la famille et reste en surface de la question parenté sociale / parenté biologique. La métaphore de l’oiseau est en outre plutôt maladroite à mes yeux, tout comme l’épilogue. Flamme et Femme reste toutefois très intéressant à regarder avec toujours de très beaux plans et de belles recherches d’éclairage.
Elle:
Lui : 3 étoiles

Acteurs: Mariko Okada, Isao Kimura, Mayumi Ogawa, Takeshi Kusaka
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5 mars 2013

Amours dans la neige (1968) de Yoshishige Yoshida

Titre original : « Juhyô no yoromeki »

Amours dans la neigeDans le nord du Japon, en plein hiver, Yuriko va passer un dernier week-end avec son compagnon ; ils sont sur le point de rompre. Le week-end prend une tout autre tournure lorsque Yuriko annonce qu’elle est enceinte. Lui ne désire plus rompre mais Yuriko préfère appeler son ancien petit ami pour l’accompagner à la clinique faire les tests… Kijû Yoshida a écrit lui-même le scénario d’Amours dans la neige avec son scénariste d’alors Toshiro Ishido. Il s’agit à nouveau d’un triangle amoureux, certes, mais dans un cadre totalement différent : l’ancien petit ami était impuissant au moment de sa relation avec Yuriko. Lorsque son rival apprend cela, il est persuadé d’avoir l’avantage. Yoshida met donc en relief cette certitude qu’ont les hommes de la suprématie de l’amour physique sur l’amour tout court et montre la stupidité de cette assurance. C’est un propos assez peu courant et même assez courageux ; le sujet est d’ailleurs assez atemporel. De son côté, la femme, même si elle semble hésiter constamment, sait en réalité depuis le début ce qu’elle veut et le film est aussi un plaidoyer pour son libre arbitre. La photographie en noir et blanc est superbe avec une belle utilisation des paysages très enneigés de l’île d’Hokkaidō. La neige est vraiment très épaisse. Certains plans sont vraiment de toute beauté, tel ce plan d’une usine avec une longue bande de fumée horizontale au sol au premier plan. Et Mariko Okada est toujours aussi belle…!
Elle: 4 étoiles
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Mariko Okada, Isao Kimura, Yukio Ninagawa
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Remarque :
Rappelons que Kijû Yoshida et Mariko Okada sont mari et femme depuis 1964 et on comprend aisément le désir de Yoshida de mettre Mariko Okada en valeur. Et il parvient remarquablement bien !

4 mars 2013

Maudite Aphrodite (1995) de Woody Allen

Titre original : « Mighty Aphrodite »

Maudite AphroditeLenny et Amanda ont adopté leur fils Max. Lorsqu’il réalise, quelques années plus tard, que son fils est particulièrement brillant, Lenny a envie de rencontrer sa vraie mère. Il se lance à sa recherche mais il est plutôt décontenancé quand il la trouve… Il est difficile de ne pas voir dans Maudite Aphrodite certaines similitudes avec la situation personnelle de Woody Allen, notamment sa récente rupture avec Mia Farrow (1). La situation est toutefois différente. La construction est originale puisque Woody Allen a pris l’option de faire commenter les évènements par un choeur de théâtre grec antique avec même des interventions directes dans les scènes de personnages comme Oedipe, Laïos, Jocaste, Tirésias et Cassandre. Cela donne un amusant caractère de fable moderne à cette histoire. Maudite Aphrodite Le personnage joué par Woody Allen est cette fois un peu différent, moins intellectuel que d’habitude (c’est un journaliste sportif), ce qui ne l’empêche pas d’avoir de superbes réparties car les dialogues sont particulièrement brillants, avec un humour assez élégant même quand il devient un peu grivois. On peut noter quelques scènes sans doute inutiles (avec le souteneur, par exemple) et le jeu d’Helena Bonham Carter est assez fade (est-ce voulu?) mais l’ensemble est réussi et très amusant. Maudite Aphrodite est généralement jugé comme plus léger que les autres films de Woody Allen. Il l’est sans doute mais ce n’est pas une raison pour bouder son plaisir.
Elle: 3 étoiles
Lui : 4 étoiles

Acteurs: Woody Allen, Mira Sorvino, Helena Bonham Carter, Jack Warden
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Remarques :
* Les scènes de théâtre grec ont été filmées à Taormine en Sicile.
* Maudite Aphrodite a été un beau tremplin pour Mira Sorvino qui a reçu l’Oscar du meilleur second rôle.

(1) Mia Farrow a quitté Woody Allen en 1992 après avoir découvert son attrait pour sa fille adoptive Soon-Yi Previn alors âgée de 22 ans (qu’il épousera en 1997 et qui est toujours sa femme aujourd’hui). Woody Allen aurait proposé le rôle d’Amanda à Mia Farrow… Réponse de l’agent de l’actrice : « Vous êtes cinglé ou quoi ? ».