L'Oeil sur l'écran – Page 191 – Blog cinéma, commentaires de films

25 septembre 2018

Un carnet de bal (1937) de Julien Duvivier

Après la mort de son mari, Christine retrouve le carnet de bal de ses seize ans. Elle décide de quitter sa somptueuse villa des bords d’un lac italien pour aller à la rencontre de ses cavaliers d’il y a vingt ans et découvrir ce qu’ils sont devenus…
Un carnet de bal est assimilable à un film à sketches puisqu’il nous offre pas moins de huit histoires différentes. Duvivier a réuni un prestigieux plateau d’acteurs et, paradoxalement, c’est là que se situe le point faible du film : les acteurs sont tentés de charger leur personnage, d’appuyer leur jeu pour se montrer à la hauteur et plusieurs prestations de grands acteurs sont ainsi gâchées. Ce n’est pas le cas de Louis Jouvet qui montre une richesse et une subtilité étonnante, il est tout à la fois, charmeur et inquiétant, et les dialogues d’Henri Jeanson trouvent là leur plus belle mise en valeur. L’autre sketch le plus remarqué est celui interprété par Pierre Blanchar, les amateurs de noirceur humaine y trouveront là un morceau de choix. Les autres histoires ne sont guère intéressantes et la finalité globale du film n’est pas décelable si ce n’est d’explorer les multiples variations de l’échec et de l’amertume. Belle musique de Maurice Jaubert. Un carnet de bal fut couronné à la Biennale de Venise en 1937 ce qui valut à Duvivier son premier engagement hollywoodien. Le film est généralement bien apprécié par les critiques et les cinéphiles.
Elle:
Lui :

Acteurs: Harry Baur, Marie Bell, Pierre Blanchar, Fernandel, Louis Jouvet, Raimu, Françoise Rosay, Pierre Richard-Willm
Voir la fiche du film et la filmographie de Julien Duvivier sur le site IMDB.

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Remarque :
* Les scènes d’ouverture et de l’épilogue ont été tournées sur les bords du Lac de Côme.

Marie Bell et Louis Jouvet dans Un carnet de bal de Julien Duvivier.

23 septembre 2018

L’Avenir (2016) de Mia Hansen-Løve

Mariée et mère de deux enfants, Nathalie est professeur de philosophie dans un lycée parisien et auteure de manuels. Un jour, son mari lui annonce qu’il part vivre avec une autre femme. Confrontée à une liberté nouvelle, elle va tenter de réinventer sa vie…
Ecrit et réalisé par Mia Hansen-Løve, L’avenir est un portrait de femme plutôt épanouie dont la vie bascule à la cinquantaine et qui ne sait trop quelle nouvelle direction lui donner. Elle sent que son avenir ne doit pas être un retour vers son passé, un passé symbolisé par des éléments très classiques, presque des clichés : la maison en Bretagne, l’ancien élève qui part élever des chèvres dans le Vercors, et même sa mère, devenue un fardeau… Elle n’a plus rien en commun avec ces éléments. Isabelle Huppert trouve le ton juste dans son interprétation de cette femme qui semble vouloir être toujours en action, dont le pas est légèrement précipité, bien décidée à dominer sa vie. L’approche de Mia Hansen-Løve est intelligente, assez subtile avec même une certaine délicatesse.
Elle:
Lui :

Acteurs: Isabelle Huppert, André Marcon, Roman Kolinka, Edith Scob
Voir la fiche du film et la filmographie de Mia Hansen-Løve sur le site IMDB.
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Remarque :
* A noter que les parents de la réalisatrice sont tous deux professeurs de philosophie. Sa mère, Laurence Hansen-Løve, est auteure de livres scolaires ou didactiques.

L'avenir
André Marcon et Isabelle Huppert dans L’avenir de Mia Hansen-Løve.

18 septembre 2018

Sonate d’automne (1978) de Ingmar Bergman

Titre original : « Höstsonaten »

Mariée depuis dix ans à un pasteur, Eva envoie une lettre à sa mère, une grande pianiste internationale, pour l’inviter à passer quelques jours dans le presbytère isolé au bord du lac où elle vit. La mère et la fille ne se sont pas revues depuis sept ans…
Temporairement exilé hors de Suède à cause de différents avec l’administration fiscale, Ingmar Bergman écrit et tourne Sonates d’automne en Norvège. Il retrouve son actrice fétiche, Liv Ullmann, et pour la première fois sa compatriote Ingrid Bergman. Depuis longtemps, Ingmar et Ingrid s’étaient promis de travailler ensemble (1). Le film est surtout remarquable par la force de l’interprétation ; son intensité est décuplée par cette faculté d’Ingmar Bergman de nous faire plonger au plus profond de ses personnages, entre autres grâce à ses cadrages serrés et ses gros plans. Cette puissance nous emporte totalement, elle nous aveugle presque ; il faut repenser au film après sa vision pour réaliser que le propos est finalement très contestable : le principal reproche que fait la fille à sa mère est de ne pas être restée à la maison. C’est un propos très conformiste (dans les pays scandinaves et en Allemagne, une femme avec des enfants qui travaille est jugée être une mauvaise mère). Ingrid Bergman a bien tenté de faire pression pour que le personnage de la mère soit adouci et ne soit pas ce monstre haïssable. Sans résultat (2). La photographie, du fidèle Sven Nykvist, est très belle. Voilà un film qui nous laisse donc sur des sentiments mitigés…
Elle: –
Lui :

Acteurs: Ingrid Bergman, Liv Ullmann, Lena Nyman, Halvar Björk
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(1) Ingrid Bergman et Ingmar Bergman n’ont, rappelons-le, aucun lien de parenté. Anecdote : à cette époque, la femme d’Ingmar Bergman s’appelle aussi Ingrid…
(2) Dans son autobiographie (Ma vie, Fayard 1980), Ingrid Bergman raconte comment Liv Ullmann et elle, toutes deux mères dans la vraie vie, ne comprenaient pas comment la mère pouvait être si dure : « Ingmar, les gens que tu connais doivent être des monstres ! » a lancé Ingrid à Ingmar. La seule réponse du réalisateur était de lui dire « Toutes les femmes ne sont pas comme toi, voyons. La mère que tu interprètes est une femme différente ; mets-toi dans sa peau et joue-la. »

Sonates d'automne
Liv Ullmann et Ingrid Bergman dans Sonate d’automne de Ingmar Bergman.

16 septembre 2018

Mimosas, la voie de l’Atlas (2016) de Oliver Laxe

Titre original : « Mimosas »

Un petit groupe d’hommes et de chevaux accompagnent un vieux cheikh qui désire aller mourir auprès des siens, de l’autre côté des montagnes de l’Atlas. Pour gagner du temps, le vieux cheikh décide qu’ils iront au plus court, à travers la montagne…
Mimosas est le deuxième long métrage d’Oliver Laxe, réalisateur français d’origine espagnole. C’est un conte mystique que l’on pourrait qualifier de western maghrébin. Comme dans le western, l’isolement des montagnes désertiques fait ressortir des sentiments de base, tels tenir une promesse ou respecter les morts, qui deviennent une finalité de vie. Une dimension mystique vient se greffer avec l’un des personnages, un allumé de la foi : est-il un simple d’esprit ou un ange protecteur ? Le réalisateur nous propose en outre un second axe de réflexion en juxtaposant des scènes plus modernes de voitures-taxis, second axe qui est, il faut bien l’avouer, moins lisible, son lien avec l’histoire principale étant quelque peu obscur. L’énoncé de tous ces éléments peut laisser présager du pire mais tout l’art d’Olivier Laxe est d’intégrer tout cela sans aucune lourdeur, dans un ensemble qui nous transporte ailleurs. La photographie est très belle, ce qui contribue à l’envoutement.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Ahmed Hammoud, Shakib Ben Omar, Said Aagli
Voir la fiche du film et la filmographie de Oliver Laxe sur le site IMDB.

Mimosas

Mimosas
Shakib Ben Omar et Ahmed Hammoud dans Mimosas, la voie de l’Atlas de Oliver Laxe.

15 septembre 2018

Le Concours (2016) de Claire Simon

Ce documentaire de Claire Simon nous montre les coulisses du concours d’entrée à la Femis, l’École nationale supérieure des métiers de l’image et du son (littéralement Fondation Européenne pour les Métiers de l’Image et du Son), qui a pris la succession de la prestigieuse IDHEC (Institut des Hautes Etudes Cinématographiques). Ce film de deux heures n’est pas un documentaire sur la Femis, on ne saura rien sur l’école. Il s’agit d’un documentaire sur le principe de sélection par concours, celui de la Femis étant souvent décrit comme l’un des plus difficiles de France (40 élus pour 1200 postulants, le concours s’étalant sur cinq mois). Mais il ne faut pas compter sur le documentaire pour apprendre cela : l’approche est « moderne », dans le style « docu-vérité », c’est-à-dire qu’il n’y a aucune explication, aucun commentaire, aucune interview. Nous voyons simplement des bribes d’exposés de candidats et les délibérations qui suivent. Il n’y a pas d’approche rigoureuse. Bien entendu, certaines pistes de réflexion s’auto-génèrent (la subjectivité du jugement, la crainte de la normalisation, …) mais il n’y a là rien d’inattendu. L’absence d’angle d’approche, de véritable étude, rend le film finalement assez ennuyeux.
Elle: –
Lui :

Acteurs:
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Le Concours
Nota : La réalisatrice Laetitia Masson (à droite) était cette année-là (2014) présidente du jury.

13 septembre 2018

La Tortue rouge (2016) de Michael Dudok de Wit

Un naufragé est rejeté par la fureur d’une tempête sur la plage d’une petite île déserte. Son exploration lui montre rapidement qu’il y est seul. Il est bien décidé à tenter de la quitter…
La Tortue rouge est un film d’animation franco-belge, cosigné par le studio japonais d’animation Ghibli. Ce n’est donc pas fortuit s’il évoque les productions de Hayao Miyazaki, tant par le style que par son contenu. Il s’agit d’un conte sur la relation de l’homme à la nature et sur le cycle de la vie. Malgré ses fureurs passagères, la nature y est montrée comme bienveillante, nous appelant à vivre en harmonie avec elle dans un bonheur primitif. Malgré une petite faiblesse de scénario dans la seconde partie, nous sommes littéralement happés par cet univers semi-paradisiaque dans lequel notre esprit vagabonde. Le dessin est très beau, épuré, particulièrement enchanteur. Il n’y a aucune parole prononcée et pourtant les sentiments sont parfaitement exprimés par l’animation, ce qui est remarquable. La musique de Laurent Perez del Mar ajoute de l’ampleur à certaines scènes. Tout cela est vraiment très beau.
Elle: –
Lui :

Acteurs:
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La Tortue rouge

La Tortue rouge de Michael Dudok de Wit.

11 septembre 2018

Le Disciple (2016) de Kirill Serebrennikov

Titre original : « Muchenik »

Un adolescent devient fanatique de religion au grand désarroi de sa mère et de ses professeurs qui ne savent quelle attitude adopter…
Le Disciple est l’adaptation de la pièce Martyr du dramaturge allemand Marius von Mayenburg, écrite en 2012. Le film ne décrit pas tant par quels mécanismes le jeune homme devient un illuminé de la Foi, mais s’attache plutôt à montrer l’impuissance des institutions civiles et religieuses face à cette forme d’absolu. Et c’est même pire que cela puisque l’adolescent parvient à faire passer son fondamentalisme comme norme et la seule professeure qui, du fait de ses idées progressistes, tente de comprendre le phénomène pour mieux le contrer voit sa démarche se transformer en obsession destructrice. Certes, on frôle souvent l’outrance mais la démonstration est assez terrifiante. L’auteur montre également comment on peut sélectionner des écrits pour justifier son attitude fanatique : chrétien orthodoxe, l’adolescent cite constamment la Bible et le réalisateur indique en surimpression discrète les références pour bien montrer qu’il n’y a là aucune exagération. Kirill Serebrennikov filme cela en longs plans-séquences qui donnent une indéniable puissance à l’ensemble. Cette poussée d’obscurantisme a de quoi nous donner des frayeurs.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Pyotr Skvortsov, Viktoriya Isakova, Yuliya Aug
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Remarque :
* Kirill Serebrennikov a placé l’action à Kaliningrad (anciennement Königsberg, patrie de Kant), aujourd’hui une enclave russe au bord de la Baltique, entre la Pologne et la Lituanie.

Pyotr Skvortsov et Aleksandra Revenko dans Le Disciple de Kirill Serebrennikov.

9 septembre 2018

Des monstres attaquent la ville (1954) de Gordon Douglas

Titre original : « Them! »

Dans un désert du Nouveau-Mexique, une fillette est retrouvée en état de choc non loin d’une caravane presque déchiquetée. Plus loin, un commerce semble avoir été dévasté et son propriétaire est retrouvé mort. Le shérif Peterson enquête aidé d’un agent spécial du FBI venu en renfort…
Le début des années cinquante aux Etats-Unis est marqué par deux phobies, le communisme et le nucléaire, que l’on retrouve dans plusieurs films de science-fiction qui ont marqué le genre. Them! est l’un d’eux : plusieurs années après des essais nucléaires, des fourmis géantes surgissent du désert et risquent de rayer l’homme de la carte. Beaucoup y ont vu aussi une allégorie du risque communiste. Gordon Douglas filme cela de façon presque documentaire : il nous épargne les inévitables scènes de panique pour se concentrer sur l’enquête, minutieuse et scientifique, qui permettra d’éradiquer le menaçant fléau. Le déroulement du scénario est parfait, maintenant la tension à un niveau élevé. Le film devait initialement être en couleurs et en 3-D mais les réductions budgétaires imposées par la Warner eurent raison de ces ambitions. Deux fourmis géantes furent construites grandeur nature, une entière et une demie, animées par câbles et poulies. Le film connut un grand succès et de nombreuses productions similaires, mais de moindre intérêt, virent le jour.
Elle: –
Lui :

Acteurs: James Whitmore, Edmund Gwenn, Joan Weldon, James Arness
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Remarques :
* Leonard Nimoy (le Spock de Star Trek) a un tout petit rôle (parlant) dans la salle de communications de l’armée (le sergent qui prend et lit l’info à propos du pilote texan et donne le papier à sa supérieure).
* Dans les années soixante, Van Morrisson a appelé son groupe Them en référence à ce film.

Them
Joan Weldon et James Arness dans Des monstres attaquent la ville de Gordon Douglas.

6 septembre 2018

La Chose d’un autre monde (1951) de Christian Nyby et Howard Hawks

Titre original : « The Thing from Another World »

Au pole Nord, un groupe de militaires et de scientifiques découvrent un vaisseau inconnu prisonnier de la banquise. Ils décèlent sous la glace un corps extraterrestre et le ramènent à leur base, figé dans un bloc de glace…
Librement adapté d’une nouvelle de John W. Campbell, Jr. écrite en 1934, La Chose d’un autre monde est le premier film d’invasion extra-terrestre, genre qui connaitra une grande popularité dans les années cinquante. Il est possible, même probable, que son réalisateur soit en réalité Howard Hawks qui en a coécrit le scénario (1). Si le propos est simplifié (ce qui lui valut d’être rejeté à sa sortie par les adaptes de science fiction qui ne voyaient là qu’une tentative de recréer les films de monstres des années trente), il est intelligemment mis en scène : l’alien n’est que rarement visible et il est toujours flou, dans l’obscurité ou en contre-jour. Tout est fait pour ne dévoiler que très peu à son sujet, afin de favoriser la suggestion et aussi l’appréhension. Dans le même ordre d’idée, la façon de « montrer » le vaisseau spatial est une trouvaille fabuleuse. Le style, étonnamment détendu, est assez remarquable, les dialogues formant presque un jeu entre les personnages. L’opposition entre militaires et scientifiques s’inscrit pleinement dans son époque. La célèbre phrase finale, « Watch the skies » (« surveillez le ciel »), eut une résonance particulière en pleine Guerre de Corée et alors que la paranoïa anti-communiste était à son maximum. Le film connut un grand succès et eut une grande influence sur le cinéma de science-fiction de plusieurs décennies.
Elle: –
Lui :

Acteurs: Margaret Sheridan, Kenneth Tobey, Robert Cornthwaite, James Arness
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La chose d'un autre monde

(1) La Chose d’un autre monde a été produit par Howard Hawks qui en a écrit le scénario avec Charles Lederer avec l’aide de Ben Hecht. Christian Nyby en est le réalisateur… officiellement du moins. Les spéculations vont en effet bon train depuis sa sortie : d’une part, le reste de la production de Christian Nyby n’est pas du tout du même niveau et d’autre part, le style du film évoque vraiment celui d’Howard Hawks, notamment la vivacité des dialogues et le ton très détendu des acteurs. Il est donc possible que le véritable réalisateur soit Howard Hawks.
Ce dernier l’a toujours nié.
Voici ce que déclarait Nyby dans une interview en 1982 :
« Est-ce que Hawks l’a dirigé? C’est une question ridicule et insensée. Le style était celui de Hawks ? Bien sûr que c’était le cas. C’est un homme que j’ai étudié et auquel je voulais ressembler. Quand vous travaillez auprès d’un maitre, il est inévitable de s’en inspirer et de le copier. C’est ce j’ai fait. »

La chose d'un autre monde
Scientifiques contre militaires : Robert Cornthwaite, Margaret Sheridan et Kenneth Tobey dans La Chose d’un autre monde de Christian Nyby et Howard Hawks

Remake :
The Thing de John Carpenter (1982) avec Kurt Russell.

4 septembre 2018

Un temps pour mourir (1966) de Arturo Ripstein

Titre original : « Tiempo de morir »

L’ancien dresseur de chevaux Juan Sayago revient dans son village après avoir purgé une peine de 18 ans de prison, espérant pouvoir y reprendre une vie tranquille. Mais les deux fils de l’homme qu’il a tué sont bien décidés à se venger…
Un temps pour mourir est le premier long métrage du réalisateur mexicain Arturo Ripstein, alors âgé de 23 ans. Toute son œuvre filmique sera marquée par la dénonciation de l’intolérance sous toutes ses formes et c’est déjà le cas ici. Il met particulièrement bien en relief l’engrenage néfaste de la vengeance alimenté par un sens de l’honneur rigoriste. Par certains aspects, Un temps pour mourir peut être qualifié de western mais il s’écarte très nettement des canons du genre. Le cinéaste a certainement été influencé par Luis Buñuel. La forme est assez belle, avec une belle photographie noir et blanc et des décors assez épurés de personnages ou d’objets inutiles. L’ensemble donne une impression de recherche esthétique sans qu’elle soit trop voyante. Le rythme est plutôt lent mais l’histoire nous tient en haleine. La fin est surprenante. Arturo Ripstein joue parfois avec la bande sonore pour renforcer son atmosphère, exagérant certains sons. Très réussi mais aussi très méconnu, Un temps pour mourir est un film qui mérite vraiment d’être découvert.
Elle: –
Lui :