Titre original : « Indiana Jones and the Last Crusade »
1938. Dans un monde à la veille de la Seconde Guerre mondiale, les Nazis se lancent en quête du Saint Graal. Indiana Jones va lui aussi partir à sa recherche après avoir appris que son père, éminent médiéviste lui aussi sur ses traces, vient de disparaitre… Indiana Jones et la dernière croisade est un film d’aventures américain réalisé par Steven Spielberg et produit par George Lucas. Après le sombre deuxième volet de la série des Indiana Jones, il se montre brillant. « J’ai réalisé ce troisième épisode pour me faire pardonner du second, trop horrible » a déclaré le réalisateur. On retrouve la richesse du scénario du premier avec de nombreuses situations extraordinaires, des personnages secondaires forts, une bonne dose d’humour et bien entendu une mise en scène parfaite. Nous sommes happés par l’histoire qui nous paraît très crédible (alors qu’elle ne l’est pas) et retrouvons la naïveté de notre enfance. Il montre en outre une relation père-fils assez étonnante que l’on peut d’ailleurs interpréter de plusieurs façons. Ce troisième épisode est aussi (voire plus) brillant que le premier. Elle: – Lui :
Titre original : « Indiana Jones and the Temple of Doom »
1935. L’archéologue aventurier Indiana Jones est aux prises avec un gangster à Shanghaï réussit à s’enfuir avec une chanteuse de cabaret avant de se retrouver au Tibet pour déjouer les projets machiavéliques d’une dangereuse secte… Indiana Jones et le temple maudit est un film d’aventures américain réalisé par Steven Spielberg et produit par George Lucas. C’est le deuxième volet de la série de cinq films centrés sur le personnage d’Indiana Jones. Il s’agit d’une préquelle au premier volet, Les Aventuriers de l’arche perdue. Hélas, il ne montre pas la même réussite. Après une belle longue scène d’introduction, presque tout le film se déroule à l’intérieur d’une montagne avec une surenchère de scènes de magie noire et de sadisme. L’ensemble est sombre et répétitif, sans humour. Au lieu du spectacle brillant du premier opus, nous sommes face à une chute dans l’affreux : on pourrait dire que c’est plus un film d’horreur qu’un film d’aventures. La course-poursuite en wagonnet de mine sort toutefois du lot. Le personnage féminin est réduit à faire de la figuration, se contentant de nous inonder de cris de frayeur. Le film a reçu un accueil critique plus mitigé mais le succès a tout de même été au rendez-vous. Elle: – Lui :
1936. L’aventurier et professeur d’archéologie Indiana Jones est mandaté par les services secrets pour tenter de retrouver l’Arche d’Alliance où Moïse conserva les Dix Commandements alors qu’Hitler mènent de fouilles de grande envergure pour s’en emparer… Les Aventuriers de l’arche perdue est un film d’aventures américain réalisé par Steven Spielberg sur une histoire de par George Lucas, scénarisé par Lawrence Kasdan. Comme pour la Guerre des étoiles, Lucas a cherché à retrouver l’esprit des bandes dessinées d’aventures des années trente : de nombreuses péripéties extraordinaires où la vraisemblance n’est pas importante. Le film est une grande réussite. C’est effectivement une succession ininterrompue de rebondissements, de situations périlleuses et Steven Spielberg excelle à les rendre très crédibles. Il n’y a que très peu de scènes pour laisser le spectateur souffler. Même la scène d’ouverture (une introduction hors-histoire, à l’instar des James Bond) est un véritable bijou. L’humour est constant, venant équilibrer la tension permanente. Le succès fut immense et les tentatives de copie innombrables (sans jamais égaler l’original). C’est toujours un plaisir de revoir ce film devenu une référence du film d’aventures. Elle: – Lui :
Harrison Ford dans la célèbre scène d’ouverture de Les Aventuriers de l’arche perdue (Raiders of the Lost Ark) de Steven Spielberg.
Remarque : À partir de l’an 2000, il est exploité sous le nom Indiana Jones et les Aventuriers de l’arche perdue (Indiana Jones and the Raiders of the Lost Ark).
Après avoir débarqué au matin du 6 juin 1944 sur la plage d’Omaha Beach où nombre de ses hommes ont laissé la vie, le capitaine John H. Miller reçoit l’ordre de partir à la recherche d’un dénommé Ryan. Ce dernier doit en effet être rapatrié d’urgence car ses trois frères sont morts au combat. Personne ne sait où il se trouve car il a été parachuté à l’intérieur des terres… Il faut sauver le soldat Ryan est un film de guerre américain réalisé par Steven Spielberg. L’histoire est inspirée d’une histoire vraie. Le film a fortement marqué les esprits car le cinéaste a mis en scène de façon très réaliste le débarquement du 6 juin 44, sans rien cacher des atrocités de la guerre et de la confusion du début de la Bataille de Normandie. Les vingt premières minutes sont terrifiantes, elles nous immergent dans un chaos d’horreur avec des images qui marquent. Le réalisateur a voulu nous faire ressentir une partie de ce que ces hommes ont pu éprouver. Il y réussit car nous sortons de ce début éprouvés et stressés. Heureusement, le reste du film n’a pas la même puissance. Le scénario montre même quelques faiblesses avant de terminer par une bataille finale, intense et très réaliste, elle aussi. Tom Hanks tient le rôle du héros ordinaire, exprimant ses doutes et son sens du devoir. Sur le fond, outre de montrer l’horreur de la guerre et de poser les problèmes de morale (souvent présent dans les meilleurs films de guerre), le film pose la question « combien peut-on risquer de vies humaines pour en sauver une seule ? » L’encadrement du récit par les deux scènes actuelles du retour du vétéran au cimetière militaire a parfois été critiqué et vu comme une facilité mélodramatique. Pourtant, ces deux scènes ont un sens car elles rappellent que, pour ceux qui en ont réchappés, l’histoire ne s’arrête pas à la fin de guerre : ils ont été marqués à vie. Le film connut un grand succès et reste aujourd’hui une référence dans la représentation de la guerre au cinéma. Elle: Lui :
Vin Diesel, Tom Sizemore, Jeremy Davies, Giovanni Ribisi, Tom Hanks, Barry Pepper et Edward Burns dans Il faut sauver le soldat Ryan (Saving Private Ryan) de Steven Spielberg.
Chef d’un orchestre symphonique berlinois de premier plan, Lydia Tár est au sommet de son art et de sa carrière. Le lancement de son livre approche et elle prépare un concerto très attendu de la célèbre Symphonie n° 5 de Mahler. Mais, en l’espace de quelques semaines, sa vie va se désagréger d’une façon singulièrement actuelle… Tár est un drame psychologique américano-allemand écrit et réalisé par Todd Field. Il s’agit du troisième long métrage de cet ancien acteur, le précédent (Little Children) datant de 2006. Il est étonnamment réussi pour quelqu’un qui tourne si peu. Il en a écrit le scénario spécialement pour Cate Blanchett et ne tarit pas de louanges sur l’actrice. Il est vrai qu’elle accomplit une performance extraordinaire, donnant une crédibilité inouïe à son personnage. Elle est de tous les plans et son jeu est puissant, montrant une grande présence à l’écran. C’est un film assez complexe, que l’on peut aborder sous plusieurs angles. Dès les premières minutes, nous sommes happés par un long mais passionnant interview de la chef d’orchestre qui nous plonge dans un univers de passion pour la musique. Le récit nous montre aussi la solitude des positions de pouvoir. Il met en relief la misogynie du milieu de la musique classique (1) et dresse le portrait d’une femme très libre. Enfin, l’histoire a ses mystères, des évènements inexpliqués qui créent une atmosphère étrange, parfois à la limite du surnaturel. La mise en scène est précise. L’ensemble est intelligent et brillant. Un film passionnant qui sort des sentiers battus du cinéma américain. Elle: Lui :
Voir les autres films de Todd Field chroniqués sur ce blog…
Remarque : Les musiciens jouent réellement, même Kate Blanchett. Sophie Kauer est une jeune violoncelliste, qui n’avait aucune expérience d’actrice.
(1) A propos des femmes chefs d’orchestre, le réalisateur précise : « Le monde de la musique classique austro-allemand est figé dans le passé. Il suffit de regarder les orchestres majeurs. À ce jour, pas un seul n’a de femme chef d’orchestre à sa tête. À ce titre, notre film est un conte de fées. »
Dans le Japon du XIVe siècle, Tomona, fils de pêcheur, est frappé de cécité à la suite d’une malédiction. Il devient joueur itinérant de biwa au sein d’une confrérie religieuse. À Kyoto, il rencontre Inu-Oh qui erre dans les rues et cache son visage derrière un masque. Ils décident de fonder un duo aux pratiques musicales et scéniques audacieuses… Inu-Oh est un film d’animation japonais réalisé par Masaaki Yuasa. Il est adapté du roman Le Roi Chien d’Hideo Furukawa, dont l’intrigue repose sur Le Dit des Heike (chronique poétique qui relate la lutte de clans rivaux aux XIIe siècle). Le film est issu des studios Science SARU, co-fondés par le réalisateur. C’est un film d’animation très novateur, expérimental même. Dès les premières minutes, Masaaki Yuasa mêle différentes techniques, allant de l’animation classique jusqu’à l’épure totale de quelques traits bondissants. Il a un sens du mouvement assez remarquable, c’est un ballet continuel et la difformité de son héro éponyme contribue à la forte personnalité de l’ensemble. (Arrêtez de lire ici si vous voulez être vraiment surpris par le film comme je l’ai été). Mais la vraie surprise vient à mi-parcours quand il fait de ses personnages de véritables rockstars. Le film devient alors un opéra-rock et le plus remarquable est que la musique (plutôt hard-rock, très électrique en tous cas) s’accorde très bien aux images qui les montrent jouant sur de simples biwa (luth). Là encore, c’est le mouvement qui crée la symbiose : son personnage principal joue de son biwa derrière la tête comme Jimi Hendrix, danse comme Michael Jackson, arpente la « scène » comme Mick Jagger, ou prend des poses provoquantes. Et c’est un festival de couleurs. La musique est excellente. Leurs « concerts » deviennent des grands shows visuels toujours plus époustouflants. Un film d’animation novateur, extravagant, inattendu. Elle: – Lui :
Murielle et Victoria sont deux sœurs que tout oppose et les deux beaux-frères se détestent mais ont en commun d’être de grands fumeurs. Alors que la famille est réunie à l’occasion d’un anniversaire, Didier et Bernard font, par bravade, le pari d’arrêter de fumer pendant quinze jours… Le Pari est un film français écrit et réalisé par Didier Bourdon et Bernard Campan, deux membres du trio bien connu Les Inconnus. C’est une bonne comédie française qui démarre même très bien mais s’essouffle un peu par la suite. L’humour dans le dernier tiers du film (tout le passage en thalassothérapie notamment) est plus poussif mais l’ensemble se (re-)regarde avec plaisir. Elle: – Lui :
Accusés de vagabondage, Stan et Oliver comparaissent devant un juge qui leur ordonne de quitter la ville dans les 24 heures. Peu après, ils aident un fêtard mondain en état d’ébriété à retrouver sa clef de voiture. Pour les remercier, il les invite à venir dormir chez lui… Les Deux Vagabonds (Scram! = « foutez-moi le camp! ») est un film américain réalisé par Ray McCarey, aidé de Lloyd French et Jack Lloyd (tous deux non crédités). L’histoire est de toute évidence bâtie sur l’une des scènes des Lumières de la ville de Charlie Chaplin sorti l’année précédente. Elle évolue toutefois différemment et l’enchaînement des évènements est précis et bien écrit. Les gags sont très classiques. La scène d’hilarité avec Vivien Oakland est très contagieuse. Il faut égaler signaler le jeu d’Arthur Housman, dans un rôle d’ébriété avancée qu’il maitrisait parfaitement. Richard Cramer dans le rôle du juge est effrayant. (Court métrage parlant, 2 bobines, 20 minutes env.) Elle: – Lui :
Titre original : « Their Purple Moment » Autre titre français : « La Minute de vérité »
Stan et Ollie ont bien du mal à garder quelques dollars de leur salaire que leur femme exige intégralement. Croyant avoir réussi à en cacher quelques-uns, ils partent faire la bombe dans un cabaret en galante compagnie… Their Purple Moment (Leur instant d’humiliation est une meilleure traduction du titre que La Minute de vérité) est un court métrage muet américain de deux bobines (soit 20 minutes env.) réalisé par James Parrott et Fred Guiol. Pour la première fois, le duo comique traite un sujet matrimonial : Stan et Ollie sont mariés, et ils sont mariés à de véritables tyrans (et elles ont pour amie la commère du quartier). Tout cela est bien entendu très misogyne mais le problème principal n’est pas là. L’ensemble est bien médiocre, basé sur un seul ressort d’humour (ils dépensent à tout-va sans savoir qu’ils n’ont pas un sou en poche mais, nous, nous le savons). Seuls les moments purement slapstick sont réussis : l’histoire se termine avec une bataille style « tarte à la crème » hilarante (à défaut d’être originale) mais hélas très courte. Le gag de la cachette où Laurel cache ses dollars est également excellent mais c’est trop peu. Elle: – Lui :
