Pour faire plaisir à sa fiancée, Charley doit interpréter Roméo lors d’un gala de bienfaisance. Il doit aussi veiller à ce que le père de la jeune fille, assez porté sur la boisson, se présente bien sur scène à l’heure…
Charley Chase est un grand comique du cinéma muet, aujourd’hui hélas oublié. Bromo and Juliet fait partie de ses excellents films : plein d’inventivité dans les gags, avec des situations les plus absurdes et les plus inattendues qui soient. L’acteur joue ici l’homme saoul pendant une bonne partie du film et, bien que ce ne soit pas vraiment sa spécialité, il s’en sort fort bien. Oliver Hardy a ici un second rôle, sans grande scène comique (1). (muet, 24 minutes) Elle: – Lui :
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Le cœur brisé, Irene doit se résigner à ne plus voir l’homme qu’elle aime en secret car elle ne peut divorcer de son mari âgé, terriblement jaloux, avec qui elle est liée par un mariage sans amour. De plus, un très jeune fils des amis du couple est follement épris d’elle et brûle de se déclarer… The Kiss (Le baiser) est le dernier film muet de Greta Garbo. A l’âge de 24 ans, l’actrice était déjà une très grande star. Le réalisateur d’origine belge Jacques Feyder tourne ici son premier film à Hollywood. Greta Garbo montre une grande richesse dans son jeu ; elle est, comme toujours, très expressive mais c’est surtout l’étendue de la palette de sentiments qu’elle provoque chez le spectateur qui étonne le plus. Il suffit de voir comment elle est capable de passer en quelques secondes du bonheur à la tristesse la plus intense ou encore de modeler son jeu selon la personnalité de son partenaire : face au jeune Lew Ayres, elle est beaucoup plus légère et frivole que face à Conrad Nagel, son amant plus âgé. Elle joue avec un naturel confondant, on est sous le charme. A noter que c’est le premier film où elle accomplit un acte violent. The Kiss est pour Lew Ayres, 20 ans, son premier rôle : il montre une belle présence à l’écran (1). Gros succès à l’époque, ce film nous montre à quel point Greta Garbo, « La divine », était bien l’une des plus grandes actrices du muet avant d’être une grande star du parlant. (film muet) Elle: – Lui :
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Voir les autres films de Jacques Feyder chroniqués sur ce blog…
Remarques :
Jacques Feyder dirigera à nouveau Greta Garbo l’année suivante pour la version allemande du premier film parlant de Greta Garbo : Anna Christie. Il rentrera en France peu après, désillusionné d’Hollywood.
(1) Le deuxième grand rôle de Lew Ayres lui apportera une consécration encore plus grande : A l’ouest rien de nouveau (All Quiet on the Western Front) de Lewis Milestone (1930)
Ben-Hur: A Tale of the Christ est la deuxième des trois adaptations du roman de Lew Wallace. Ben-Hur raconte l’extraordinaire épopée d’un jeune juif au premier siècle de notre ère. A la même époque, Jésus fait naître un grand espoir parmi le peuple opprimé brutalement par les Romains… La toute jeune M.G.M. prenait un risque important avec cette coûteuse superproduction. Le tournage fut difficile : commencé en Italie (troublée à l’époque par la montée de Mussolini) sous la direction de Charles Brabin, il fut repris en main par Fred Niblo et fini à Hollywood. Le film est porté par un grand souffle épique avec deux grandes scènes d’anthologie : la bataille navale (qui est d’ailleurs bien plus réussie que dans la version de 1959, c’est même l’une des meilleures batailles filmées de toute l’histoire du cinéma) et bien entendu la course de chars, sauvage et poignante. Toutes les scènes de foule sont impressionnantes, mais d’autres scènes sont très fortes, tel ce face à face entre Ben-Hur et Messala avant la course. Quelques scènes sont en couleurs, un procédé expérimental à deux couches (vert et rouge, pas de bleu) qui demandait un très fort éclairage. Grand film commercial, Ben-Hur: A Tale of the Christ fut un grand succès, l’un des plus importants de la décennie. Cette version muette est supérieure en bien des points à la version parlante de 1959. Elle: – Lui :
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Remarques : * La bataille navale fut tournée en Italie par B. Reeves Eason. Lorsque les vents rabattirent la fumée de l’incendie d’un bateau sur un autre, les figurants pris de panique sautèrent tous dans l’eau (la scène a d’ailleurs été gardée pour le film). Or, beaucoup de figurants avaient menti sur le fait de savoir nager. La catastrophe fut évitée de justesse…
* La M.G.M. a choisi de ne jamais montrer le Christ pour lui donner une présence plus spirituelle que charnelle. Nous voyons son bras, mais pas son corps. Dans la (courte) scène de la cène, un personnage s’est assis juste devant la table pour nous bloquer la vue !
* Pour la course de chars, la MGM a utilisé 42 caméras, postées à des endroits différents. La course a été terrible : aucune mort de cascadeurs, heureusement, mais plusieurs chevaux sont morts (notamment dans le violent accident dans le virage). Tout Hollywood s’est porté volontaire pour faire de la figuration dans cette scène, la liste est impressionnante : John Barrymore, Lionel Barrymore, Clarence Brown, Gary Cooper, Joan Crawford, Marion Davies, Douglas Fairbanks, George Fitzmaurice, Clark Gable, Janet Gaynor, John Gilbert, Dorothy Gish, Lillian Gish, Samuel Goldwyn (!!), Sid Grauman (oui le Grauman du Grauman Theater qui avait acheté fort cher une exclusivité de diffusion), Rupert Julian, Harold Lloyd, Carole Lombard, Myrna Loy, Colleen Moore, Mary Pickford, Fay Wray… pour ne citer que les plus connus. A part Myrna Loy qui joue une esclave visible dans une tribune, il est impossible de repérer des visages connus parmi tout ce monde. Clark Gable serait un garde romain (d’autres sources parlent d’un personnage dans la foule).
* Le tournage mouvementé de Ben-Hur est raconté dans l’excellent livre de Kevin Brownlow sur le cinéma muet : La Parade est passée…
* Les trois versions de Ben-Hur : Ben-Hur de Sidney Olcott (1907) avec Herman Rottger et William S. Hart Ben-Hur: A Tale of the Christ de Fred Niblo (1925) avec Ramon Navarro Ben-Hur de William Wyler (1959) avec Charlton Heston
Titre original : « Po zakonu »
Autre titre : « Dura Lex »
Au Yukon, un groupe cosmopolite de cinq chercheurs d’or exploite un petit filon. L’un d’eux, un irlandais d’habitude plutôt jovial, abat soudainement deux membres du groupe avant d’être maitrisé et ligoté. Par respect de la Loi, le couple épargné désire qu’il soit jugé… Selon la loi est adapté d’une nouvelle de Jack London « L’imprévu ». Ce n’est toutefois pas un film d’aventures. Il s’agit d’un huis clos psychologique qui met en relief le dilemme moral de ce couple qui se retrouve avec le sort d’un meurtrier entre leurs mains. Koulechov est l’un des grands créateurs du cinéma soviétique. Alors qu’il n’avait que 20 ans, il a étudié et développé des théories sur l’importance et la force du montage (1). Dans Selon la loi, il parvient ainsi à donner une grande intensité au jeu des acteurs qui semblent vraiment vivre leurs scènes. C’est assez étonnant. Il donne beaucoup d’importance aux objets qui bénéficient des mêmes attentions de montage que les acteurs. Il épure au maximum l’histoire, les personnages ne sont guère décrits en profondeur, pour se concentrer sur la force des sentiments. Koulechov reçut une réprimande pour l’absence de contenu idéologique. (film muet) Elle: – Lui :
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Remarques :
(1) Sa démonstration la plus célèbre pour montrer l’importance du montage a été d’utiliser un même plan de l’acteur Mosjoukine pour générer des sentiments différents : en enchaînant avec l’image d’un enfant, on lisait sur le visage de l’acteur de la tendresse ; en enchaînant avec l’image d’une femme dans un cercueil, on lisait de la tristesse, avec l’image d’un bol de soupe, on lisait l’appétit etc.
Unique héritier d’un comte, le jeune Cedric doit se rendre avec sa mère en Angleterre. Il y fait connaissance de son grand-père. Une nouvelle vie commence… Le petit lord Fauntleroy est un livre pour enfants écrit par l’anglaise Frances Hodgson Burnett. On ne sera donc pas surpris de trouver l’histoire plutôt gentillette et pavée de bonnes intentions. Le jeu de Mary Pickford est, comme toujours, assez exubérant et expressif ce qui a pour effet d’amplifier les aspects très conventionnels du film. Cependant, cette version est assez remarquable car Mary Pickford y interprète deux rôles : celui de la mère et celui du jeune fils de 10 ans (rappelons que l’actrice avait alors 29 ans). Les scènes où les deux personnages sont à l’écran sont assez nombreuses et il a fallu beaucoup d’expertise au caméraman Charles Rosher pour les réaliser (1). De plus, il y a une nette différence de taille entre la mère et le fils (2) qui rend l’ensemble parfaitement crédible. Malgré une histoire plutôt mièvre, Le petit lord Fauntleroy est finalement assez étonnant. (film muet) Elle: – Lui :
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Remarque :
Jack Pickford est le frère de Mary Pickford. L’actrice l’a fait employer pour lui rendre service mais il n’avait aucune expérience de la réalisation. On peut considérer qu’Alfred Green est donc le seul réalisateur.
(1) Nous sommes en 1921 et il n’est bien entendu pas question d’incrustation. La seule technique possible était alors la double exposition : on filme avec un cache sur une partie de l’image. On rembobine, on place le cache de l’autre côté et on filme une seconde fois. En pratique, cela demandait beaucoup de minutie.
De plus, dans l’une des scènes au début du film, le fils embrasse sa mère, son visage passant alors légèrement derrière celui de sa mère endormie. Le cache devait donc épouser parfaitement le profil du visage maternel pour que ce soit parfait. Il a fallu 15 heures pour tourner ces quelques secondes.
(2) Se grandir pour jouer la mère était facile mais pour jouer l’enfant, Mary Pickford devait paraître plus petite qu’elle n’est. L’actrice est certes réputée pour sa petite taille (1m54) mais c’est encore beaucoup trop pour jouer un enfant qui semble mesurer 1m20. Le réalisateur a donc certainement joué avec les perspectives pour créer l’illusion. Il y a tout de même une scène étonnante où le vieux comte s’appuie sur l’épaule de l’enfant pour marcher, scène plutôt délicate à réaliser.
Autres adaptations au cinéma de ce livre pour enfants : Le petit Lord Fauntleroy (Little Lord Fauntleroy) de John Cromwell (1936) avec Freddie Bartholomew et C. Aubrey Smith Le petit Lord Fauntleroy (Little Lord Fauntleroy) de Jack Gold (1980) avec Rick Schroder et Alec Guinness
Dans le Grand Nord, un homme sans scrupule tente de cambrioler un saloon et se comporte avec les femmes avec une certaine brutalité… Dans Frigo l’esquimau (The Frozen North), Buster Keaton se moque de William S. Hart, acteur célèbre de l’époque qui interprétait dans tous ses films un cowboy jouant au dur (1). Il y a beaucoup de belles trouvailles de gags, de nombreux détournements d’objets. L’ensemble est très inventif. Quelques éléments ont probablement inspiré Chaplin pour sa Ruée vers l’Or. L’enchainement des scènes est parfois surprenant mais nous en avons l’explication à la toute fin. On remarquera les petits clins d’œil à Theda Bara et à Erich von Stroheim (Folies de femmes venait de sortir).
(Court métrage de 17 minutes.) Elle: – Lui :
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(1) William S. Hart avait publiquement condamné Fatty Arbuckle, ancien partenaire et ami de Buster Keaton, dans l’affaire qui mit fin à sa carrière (une jeune fille avait été retrouvée morte chez Fatty dans une de ses soirées débridées). Keaton avait donc de bonnes raisons de vouloir se moquer de lui.
Remarque :
Il est probable que la version de 17 minutes qui est parvenue jusqu’à nous soit une version incomplète. Il manquerait 3 minutes.
Titre français parfois utilisé : « Une riche famille »
Lui :
Marié à une charmante jeune femme, Hubby (Harold Lloyd) doit supporter la présence de sa belle-mère acariâtre et de son beau-frère oisif. Toute la famille veut essayer l’automobile qu’il vient d’acheter… Hot Water s’appuie sur un thème toujours fédérateur, la satire de la belle-famille envahissante dont on cherche à se débarrasser. Le début du film où Harold Lloyd tente de ramener à la maison toutes les courses et un dindon vivant (!) peut paraître un peu répétitif. Les meilleurs passages viennent ensuite : le petit tour dans la nouvelle voiture va se révéler être assez mouvementé et la fin du film où beaucoup de gags reposent sur la peur du gendarme puis sur la peur des fantômes est assez relevé. Il y a là de belles trouvailles. La belle-mère est vraiment terrifiante, de quoi décourager tout candidat au mariage ! Originalité de Hot Water : alors que dans la plupart de ses films, Harolf Lloyd doit surmonter beaucoup d’obstacles pour gagner le cœur de sa belle, ici la belle est déjà conquise mais des obstacles se dressent pour l’empêcher de jouir de son bonheur. (Muet, 59 minutes)
Note :
Lecteurs : (pas de note pour l'instant, vous pouvez noter ce film)
Lui :
L’histoire de Now or Never est assez difficile à raconter. Déjà en retard pour aller à son rendez-vous, Harold Lloyd est délesté de son argent par un vagabond. Il le poursuit et voyage avec lui clandestinement sous un train. Ayant rejoint sa bien-aimée, il poursuit son voyage avec elle et une fillette dont elle a la garde… Ce court métrage de trois bobines se déroule pour sa plus grande partie dans un train, ou plutôt dans, sur et sous un train. Il y a beaucoup de bons gags, il est évident que l’inspiration ne manquait pas. Beaucoup d’acrobaties également et de situations très dangereuses : on le voit par exemple courir sur le toit d’un train en sens inverse de la marche pour éviter un tunnel qui est à moins d’un mètre dans son dos. L’autre ressort du comique est l’embarras d’Harold face à la fillette qu’il doit coucher (c’est un train de nuit) et habiller le lendemain matin. Harold Lloyd était alors dans une période faste et Now or Never témoigne de sa vitalité créative. (Muet, 35 minutes)
Note :
Lecteurs : (pas de note pour l'instant, vous pouvez noter ce film)
Lui :
Lupino Lane est un acteur anglais qui mériterait d’être plus connu. Pionnier du cinéma burlesque muet, on lui doit de nombreux courts métrages hilarants comme sa parodie de Ben-Hur, Roaming Romeo (L’as des gladiateurs). Son comique peut être vu comme étant assez proche de Keaton mais avec un côté ‘digne’ plus marqué. Ses films comportent d’excellents gags mais manquent souvent de liant scénaristique. Fisticuffs se développe autour d’un match (champêtre) de boxe, boxe anglaise of course. Nous sommes au XIXe siècle. Lupino Lane, l’apprenti du forgeron du village, est amené à remplacer au pied levé l’un des combattants à un match de boxe. Le premier tiers du film se déroule dans la forge autour de la manipulation d’un fer à cheval rougi. Lupino Lane est ensuite chargé d’aller espionner, déguisé en femme, le camp adverse de la rencontre de boxe. Nous assistons ensuite au match. Même si le thème du match de boxe a été déjà été exploré par d’autres grands du burlesque, cette partie comporte de bonnes trouvailles, notamment dans ses interactions avec les spectateurs autour du ring ; certains mouvements sont franchement du domaine de l’acrobatie et forcent l’admiration. Fisticuffs, récemment retrouvé et restauré, ne manque vraiment pas d’intérêt. (Muet, court métrage de 20 minutes)
Note :
Lecteurs : (pas de note pour l'instant, vous pouvez noter ce film)
Remarques :
* La famille Lupino compte de nombreux acteurs. Lupino Lane (son vrai nom est Henry Lupino) est ainsi le cousin d’Ida Lupino.
* Les photos ci-contre (hélas très petites) viennent du remarquable site TomWhiteley.info tenu par les descendants de l’acteur. On y apprend, entre autres, que Lupino Lane fut l’un des rescapés du Titanic. On voit sur ces photos l’équipe de Fistycuffs ansi qu’un aperçu du lieu de tournage de la partie chez le forgeron (assise est la femme de Lupino Lane, Violet Blythe).
Lui :
Alors que Richard Cœur de Lion est parti en Croisade, son frère le Prince Jean gouverne l’Angleterre, accablant les paysans d’impôts et s’accaparant toutes les richesses. Caché dans la forêt de Sherwood, un homme se dresse contre cette tyrannie, Robin des Bois… La version d’Allan Dwan est la première grande adaptation cinématographique de cette légende très ancienne. Le rôle semble taillé sur mesure pour Douglas Fairbanks, alors au somment de sa popularité et de sa forme physique ; il a d’ailleurs financé en grande partie lui-même cette coûteuse production (1). Le film comporte un prologue assez original et assez long, une bonne moitié des 2h10 que dure le film, où Robin des Bois est en réalité le comte de Huntingdon, ami de Richard Cœur de Lion (2). Mais c’est bien entendu quand Robin des Bois apparaît que le film prend une autre tournure : le rythme s’accélère nettement. Il faut dire que Douglas Fairbanks fait un Robin des Bois joyeux, sautillant, bondissant, virevoltant, il n’est jamais au repos (3). Il réalise de véritables prouesses acrobatiques dont une descente de plus de 10 mètres le long d’une tenture et l’escalade d’un pont-levis en train de se fermer jusqu’en haut des murs. Allan Dwan montre une grande maîtrise dans les scènes de foules, impressionnantes et extrêmement crédibles. On ne s’ennuie pas une seconde avec cette version de Robin des Bois. Le succès fut immense à l’époque. (Film muet)
Note :
Lecteurs : (pas de note pour l'instant, vous pouvez noter ce film)
Remarques :
Ce film est le premier à avoir eu une soirée de première. L’idée vient de Sid Grauman qui venait d’inaugurer sa salle de cinéma à Hollywood (l’Egyptian Theater et non le Chinese Theater qui n’ouvrira qu’en 1927).
(1) Le budget a même dépassé celui de Folies de femmes de Stroheim. Dans un nouveau studio sur Santa Monica Boulevard, il a fallu 500 ouvriers pour construire un gigantesque château du XIIe siècle, avec des murs de 27 mètres de haut ! Et pour le faire paraître encore plus grand, une partie supérieure a été peinte sur verre et placée juste devant l’objectif de la caméra.
(2) Ce long prologue a sans doute été conçu pour donner une explication plausible au fait que Robin des Bois n’était pas aux côtés de Richard Cœur de Lion pendant la Croisade tout en ancrant fortement le côté chevaleresque et noble du personnage.
(3) La critique la plus courante sur ce film est de dire que Douglas Fairbanks se comporte comme un gamin de 10 ans. Ce n’est pas faux mais c’est justement ce type d’attitude, à demi enfantine, à demi chevaleresque, qui fait tout le charme de Douglas Fairbanks et qui lui a assuré sa très grande popularité.
Principales adaptations de la légende de Robin des Bois : Robin Hood (1912) d’Étienne Arnaud et Herbert Blaché (mari d’Alice Guy) Robin des Bois (Robin Hood) d’Allan Dwan (1922) avec Douglas Fairbanks Les aventures de Robin des Bois (The Adventures of Robin Hood) de Michael Curtiz (1938) avec Errol Flynn Robin des Bois et ses joyeux compagnons (The Story of Robin Hood and His Merrie Men) de Ken Annakin (1952) avec Richard Todd Robin des Bois (Robin Hood) film d’animation Disney (1973) La rose et la flèche (Robin and Marian) de Richard Lester (1976) avec Sean Connery et Audrey Hepburn (variation de type « 20 ans après ») Robin des bois: Prince des voleurs (Robin Hood: Prince of Thieves) de Kevin Reynolds (1991) avec Kevin Costner Sacré Robin des bois (Robin Hood: Men in Tights) de Mel Brooks (1993), film satirique Robin des Bois (Robin Hood) de Ridley Scott (2010) avec Russell Crowe
Pour faire plaisir à sa fiancée, Charley doit interpréter Roméo lors d’un gala de bienfaisance. Il doit aussi veiller à ce que le père de la jeune fille, assez porté sur la boisson, se présente bien sur scène à l’heure…
