La célébrité devient un cauchemar pour une vedette qui tout à coup, sans comprendre, reçoit gifles et coups de poing à la place de demandes d’autographes… Grosse Fatigue est un film français réalisé par Michel Blanc. Il en a coécrit le scénario sur une idée de base de Bertrand Blier. Pour Michel Blanc, c’était l’occasion de sortir de son personnage habituel de râleur et de loser, de nous surprendre avec une histoire inattendue. Il réussit effectivement et en jouant son propre rôle, comme tous les autres acteurs d’ailleurs (à noter toutefois qu’il n’a pas vécu cela mais l’histoire est librement inspirée d’une mésaventure arrivée à Gérard Jugnot). Il fait un tandem surprenant avec Carole Bouquet qui désirait elle aussi sortir de ses personnages habituels de femme glacée et inaccessible pour jouer un rôle comique. Le résultat est original, amusant et très surprenant. Prix du meilleur scénario à Cannes 1994. Elle: Lui :
Pompiste, Guy est renvoyé de son travail après avoir escroqué des clients. Il trouve une bonne âme pour l’héberger, son copain Daniel, déménageur, qui vit chez sa copine Françoise… Viens chez moi, j’habite chez une copine est un film français réalisé par Patrice Leconte. Adaptation d’une pièce de Luis Rego, Jean-Luc Voulfow, Jean-Paul Sèvres et Didier Kaminka créée en 1975, le scénario a été co-écrit par Patrice Leconte et Michel Blanc qui signe également les dialogues. L’acteur excelle dans ce rôle de loser, coureur de jupons convulsif, enchaînant les plus mauvais plans, autant néfastes pour lui-même que pour ceux qui l’entourent. L’humour est constant, jamais sans excès ni lourdeur. Renaud a composé spécialement pour le film la chanson-titre (Viens chez moi j’habite chez une copine) ainsi que la chanson d’ouverture (P’tit déj’ blues). Elle: Lui :
Thérèse Liotard, Bernard Giraudeau et Michel Blanc dans Viens chez moi, j’habite chez une copine de Patrice Leconte.Bernard Giraudeau, Michel Blanc et Thérèse Liotard dans Viens chez moi, j’habite chez une copine de Patrice Leconte.
Laurel et Hardy, deux matelots en permission et en goguette comptent bien compter fleurette malgré leurs finances au plus bas. Ils réussissent finalement à trouver deux jeunes filles, mais l’aventure va se terminer plutôt mal, sur un petit canot… Men O’War est un court métrage burlesque américain réalisé par Lewis R. Foster. Le scénario est signé Leo McCarey et les dialogues H.M. Walker. Car c’est bien un talkie, l’un des tous premiers de Laurel et Hardy. Le film a toutefois été tourné en deux versions, l’une muette et l’autre parlante (toutes les salles n’étaient pas équipées pour le parlant). Comme souvent avec le tandem, on retrouve trois situations différentes et les gags sont plutôt réussis. La bataille générale finale est excellente. Elle: – Lui :
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Remarque : • Dans le jargon de la Navy, « Man’o’war » désigne un navire de guerre.
Gloria Greer, Anne Cornwall, Oliver Hardy, Stan Laurel et James Finlayson dans Men O’War de Lewis R. Foster (photo publicitaire très proche d’une scène du film)
Un chauffeur de taxi (Stan Laurel) embarque sans le vouloir sur un paquebot. Le chef-steward (Oliver Hardy) est chargé de le mettre au travail et de le surveiller. Un couple d’arnaqueurs, dont l’homme est un nain déguisé en jeune bambin, officie sur le bateau… Sailors Beware est un court métrage muet américain de deux bobines (20 mn env.) de Fred Guiol et Hal Roach qui en a écrit l’histoire. Il fait partie des premiers films de Laurel et Hardy et le duo n’est pas encore bien établi : les deux personnages ne sont pas complices mais plutôt adversaires et Oliver Hardy est un homme distingué. Il y a de bons gags et l’ensemble est de bonne facture. A noter que Harry Earles reprend un rôle similaire à celui qu’il tient dans Le Club des trois (1925) de Tod Browning, un nain déguisé en enfant afin de commettre des larcins. Elle: – Lui :
Remarque : Sailors Beware est le premier film où Oliver Hardy fait son fameux tie-twiddle (secouer sa cravate quand il est dans l’embarras afin de garder la face). L’acteur a raconté par la suite que, venant de prendre un seau d’eau en pleine figure, il a commencé à saisir sa cravate pour se moucher dedans mais, trouvant le geste trop vulgaire, a arrêté son geste et s’est borné à secouer sa cravate (anecdote tiré du livre de John McCabe, à ceci près que l’acteur et le biographe se trompent de film en citant Why Girls Love Sailors (1927), film dans lequel il ne porte pas de cravate)
Photo publicitaire : Oliver Hardy, Harry Earles, Anita Garvin et Stan Laurel pour À bord du Miramar (Sailors, Beware!) de Fred Guiol & Hal Roach.May Wallace, Viola Richard, Stan Laurel et Anita Garvin dans À bord du Miramar (Sailors, Beware!) de Fred Guiol & Hal Roach.
La pittoresque famille Addams est en émoi lorsque débarque l’oncle Fester disparu vingt-cinq ans plus tôt. Ne serait-il pas un usurpateur qui cherche à les tromper pour faire main basse sur leur trésor caché ?… La Famille Addams est un film humoristique américain réalisé par Barry Sonnenfeld. Il s’agit d’une adaptation cinématographique des personnages de bandes dessinées créés par Charles Addams et popularisés par la série télévisée du même nom de 1964. La famille Addams est une inversion satirique de la famille américaine idéale : un clan aristocratique riche et étrange qui se délecte du macabre et ne se soucie pas que les autres les trouvent bizarres ou effrayants. Ainsi, l’humour est constitué par l’inversion de scènes familières (par exemple, à table, la mère dit a sa fille « n’oublie pas de jouer avec la nourriture avant de la manger »). C’est le plus souvent de l’humour noir et même macabre. La mère, Morticia Addams (ici interprétée par Anjelica Houston), fut l’un des premiers personnages gothiques dans les années soixante. Le rythme est très enlevé, l’humour ne faiblit jamais, les personnages sont hauts en couleur. Le film n’a pas vieilli et nous amuse toujours autant. Elle: – Lui :
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Raul Julia et Christopher Lloyd dans La Famille Addams (The Addams Family) de Barry Sonnenfeld.Christina Ricci et Anjelica Huston dans La Famille Addams (The Addams Family) de Barry Sonnenfeld.
Titre original : « Kingdom of the Planet of the Apes »
Plusieurs générations après le règne de César, les singes ont définitivement pris le pouvoir. Les humains ont régressé à l’état sauvage et vivent en retrait. Alors qu’un nouveau chef tyrannique construit peu à peu son empire, un jeune singe entreprend un périlleux voyage qui l’amènera à questionner tout ce qu’il sait du passé… La Planète des singes : Le Nouveau Royaume est un film de science-fiction américain réalisé par Wes Ball. Il s’agit de la suite de La Planète des singes : Suprématie (2017), devenant ainsi le quatrième film du redémarrage (reboot) de la série cinématographique adaptée du roman de Pierre Boulle. L’action se situe 300 ans après l’opus précédent (mais toujours bien avant l’époque du premier film de 1968). Le scénario a de sérieux problèmes de cohérence et, sur ce plan, toute la seconde partie n’est pas vraiment remarquable. L’épilogue, chargé d’ouvrir la voie vers une suite, est bâclé. Malgré ces faiblesses de scénario et une certaine lenteur du récit, on ne s’ennuie pas une seconde grâce à deux personnages forts : le singe Noa, qui offre un beau mélange d’intelligence et de candeur, très humain dans ses expressions, et la jeune fille intrépide Nova qui, bien que très formatée, est attachante. De façon sous-jacente, les thèmes du racisme et de la difficulté du vivre ensemble sont une fois de plus abordés. Celui de la religion l’est également mais les scénaristes ont été plus frileux de s’aventurer très loin sur ce terrain. Bonne réalisation, sans excès d’effets et qui utilise bien les beaux paysages de l’Australie où le film a été tourné. L’ensemble est réussi. La critique a fait la fine bouche mais le film a connu un succès en salles. Elle: – Lui :
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Owen Teague dans La Planète des singes : Le Nouveau Royaume (Kingdom of the Planet of the Apes) de Wes Ball.Freya Allan dans La Planète des singes : Le Nouveau Royaume (Kingdom of the Planet of the Apes) de Wes Ball.La Planète des singes : Le Nouveau Royaume (Kingdom of the Planet of the Apes) de Wes Ball.
L’adolescent Ulzii vit avec sa mère, son frère et sa sœur dans le quartier des yourtes à Oulan-Bator, capitale de la Mongolie. Elève brillant, il a l’opportunité de participer à un concours de physique qui lui permettrait d’obtenir une bourse et de quitter son milieu défavorisé. Mais comment réussir quand il doit subvenir aux besoins de sa famille en plein cœur de l’hiver alors que sa mère est repartie à la campagne pour trouver un travail ? Si seulement je pouvais hiberner est un film mongol, le premier long métrage de la réalisatrice Zoljargal Purevdash. C’est un récit assez touchant qui évite tout effet de misérabilisme tout en montrant un visage de la Mongolie d’aujourd’hui, très inégale dans son développement (la moitié de la population vit dans des yourtes). La réalisatrice inscrit son film dans la tradition néoréaliste et cite Le Voleur de Bicyclette (Vittorio De Sica, 1948) comme inspiration. L’histoire reste positive : malgré les conditions de vie rendues plus épouvantables par la rigueur du climat, le récit ouvre un avenir certainement meilleur à son personnage principal. La réalisatrice montre une belle maitrise dans la réalisation. Un film plein d’intérêt mais hélas peu distribué. Elle: Lui :
Pologne, 1943. Le commandant d’Auschwitz, Rudolf Höss, et sa femme Hedwig s’efforcent de construire une vie de rêve pour leur famille dans une maison avec jardin et piscine juste à côté du camp… La Zone d’intérêt est un film britannico-polono-américain écrit et réalisé par le britannique Jonathan Glazer, librement adapté du roman du même nom de Martin Amis paru en 2014. Ce récit une approche inédite (et surprenante) de la Shoah puisqu’il nous montre la vie de famille de ce commandant et la ténacité de sa femme d’offrir à sa famille un cadre idéal à l’épanouissement. Le regard porté est presque clinique : comment l’humain et l’inhumain peuvent ainsi se retrouver dans la même personne ? La caméra ne pénètre à aucun moment dans le camp, nous assistons juste brièvement à deux ou trois réunions de travail à la recherche de l’efficacité dans l’extermination. L’abominable est invisible mais il est très présent, ne serait-ce que par le son, des cris, des coups de feu et le grondement permanent des fours crématoires. La scène finale (où Höss cherche à se faire vomir sans y parvenir) reste un peu ambigüe, à l’image toutefois de la réalité et de l’attitude de Höss durant le procès de Nuremberg. Elle: Lui :
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Remarque : * L’expression « zone d’intérêt » était utilisée par les nazis pour décrire le périmètre de 40 kilomètres carrés entourant le camp de concentration d’Auschwitz. Dans cette zone protégée vivaient les militaires allemands.
La Zone d’intérêt (The Zone of Interest) de Jonathan Glazer.La Zone d’intérêt (The Zone of Interest) de Jonathan Glazer.
Durant l’hiver 1943, un groupe de résistants dont le chef est « l’ingénieur » réussit à faire exploser une charge à la Kommandantur de Venise. La réussite de l’opération est toute relative et les Allemands arrêtent quarante otages. Les représentants des cinq partis clandestins d’opposition se réunissent en secret ; ils sont très divisés sur la conduite à tenir à propos de ces attentats… Le Terroriste est un film italien écrit et réalisé par Gianfranco De Bosio qui s’appuie sur son expérience dans la Résistance en Vénétie. Il s’agit de la seule réalisation notable de ce réalisateur. Ce n’est pas un film d’action mais une réflexion idéologique sur l’enchaînement de la violence. De longues discussions et échanges entre les cinq représentants de partis constituent l’essentiel du récit. Les questions morales sont très présentes sans que le réalisateur place franchement le débat sur ce point. On notera qu’il présente ses personnages sous un jour très humain. Le film a été remarqué à sa sortie car il ébranlait le mythe de l’unité de la Résistance italienne. Sur le plan cinématographique, la mise en scène est très réaliste par sa simplicité et la ville de Venise offre un environnement inattendu à ce type de récit. Elle: – Lui :
