21 novembre 2007

Sérieux comme le plaisir (1975) de Robert Benayoun

Sérieux comme le plaisirElle :
Plongée en légèreté dans l’atmosphère des années 70 avec toute une pléiade d’acteurs encore méconnus. Un voyage de vacances sur les routes de France entrecoupé de scènes frôlant l’absurde et le décalé et un triangle amoureux entre Ariane (Jane Birkin) et ses deux amours. Le film reflète bien l’insouciance, la fantaisie, l’audace, les nouvelles libertés conquises de ces années-là. En revanche, le scénario est un peu vide et on finit par s’ennuyer.
Note : 2 étoiles

Lui :
A l’heure où les années 70 sont récupérées par des marketeurs en panne d’idées qui n’en donnent qu’une image bien évidemment totalement fausse, il est rafraîchissant de voir un film comme Sérieux comme le Plaisir, un film qui capture si bien l’esprit de cette époque. Sur le thème du trio débridé et libéré (une fille et deux garçons), l’écrivain et critique de cinéma Robert Benayoun s’amuse à retourner les situations avec de nombreuses petites saynètes qui jouent sur le burlesque, le non-sens, le farfelu. Il y place aussi quelques hommages en clin d’œil à WC Fields, Laurel et Hardy, Buster Keaton. La pléiade d’acteurs présents est d’ailleurs assez impressionnante, chacun faisant une petite apparition, un petit coucou. Mais Sérieux comme le Plaisir est surtout plein de vie, nous baignant dans cette insouciance, avec ce sentiment de liberté et d’absence d’entrave, donnant ainsi une des images les plus vraies de l’esprit des années 70. C’est un vrai délice. On ne s’ennuie pas une seule seconde.
Note : 4 étoiles

Acteurs: Jane Birkin, Richard Leduc, Georges Mansart, Michael Lonsdale, Isabelle Huppert, Francis Perrin
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20 novembre 2007

Bellissima (1951) de Luchino Visconti

BellissimaElle :
Une mère romaine remue ciel et terre pour que sa fillette soit choisie pour être la vedette d’un film. Bellissima est un film plutôt épuisant à regarder : c’est un concert de cris et d’altercations de la part de matrones qui sont tout de même un peu caricaturales dans leur exagérations verbales. Les rares minutes de silence sont très appréciées. Ceci étant dit, c’est par la peinture sociale qu’il nous présente que ce film de Visconti prend toute sa valeur.
Note : 3 étoiles

Lui :
Anna Magnani en mama romaine, dans toute sa verve et son exubérance… On a envie de dire : il vaut mieux l’avoir en photo qu’en pension! Par delà ce déluge verbal et gestuel, on ne peut qu’admirer le talent de Visconti pour tracer le portrait de cette femme qui voudrait tant offrir une vie meilleure à sa fille. Au travers de ce personnage, c’est aussi le portrait de l’Italie d’après guerre, une Italie qui a du mal à se trouver un sens mais néanmoins pleine d’énergie et de volonté. Et c’est toute cette énergie que l’on a l’impression de prendre presque comme un coup de poing en regardant Bellissima.
Note : 2 étoiles

Acteurs: Anna Magnani, Walter Chiari, Tina Apicella
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19 novembre 2007

Missing (1982) de Costa-Gavras

MissingElle :
Enquête captivante et poignante d’un père accompagné de sa belle fille à la recherche d’un fils disparu au Chili pendant le coup d’état de Pinochet. Au départ, Jack Lemmon joue au père excédé par les excentricités de son fils puis peu à peu, il découvre le vrai visage de son fils grâce à l’énergie et au courage de Sissy Spacek. De petit père tranquille et égoïste, il devient un fervent défenseur des droits de l’homme. Il faut saluer Costa-Gavras pour avoir le courage d’aborder des thèmes politiques touchant aux libertés bafouées et aux régimes totalitaires.
Note : 5 étoiles

Lui :
Le mérite de Missing est avant tout politique : étaler au grand jour la collusion entre la CIA et la junte chilienne. Le film aurait cependant plus d’effet si Costa-Gavras ne tombait pas dans ses travers habituels : trop manichéen et trop simpliste, il nous met les points sur les « i » pour que l’on comprenne bien, la scène du militaire retraité qui parle au petit déjeuner de sa mission en est un exemple extrême. Certes Costa-Gavras vise un public large et sa dénonciation du soutien des Etats-Unis aux dictatures d’Amérique du Sud est bien entendu une bonne chose.  Il a toutefois la main lourde quelquefois sur le plan du spectaculaire et de la dramatisation.
Note : 3 étoiles

Acteurs: Jack Lemmon, Sissy Spacek, Melanie Mayron, John Shea
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18 novembre 2007

Jardins en automne (2006) de Otar Iosseliani

Jardin en AutomneElle :
Autour de la dégringolade d’un ministre qui redécouvre le sens de la vraie vie, Otar Iosseliani avec le talent qu’on lui connaît nous offre une série de situations décalées, une pléiade de personnages cocasses pour évoquer la comédie du pouvoir et la quête existentielle de cet homme. Dommage que le rythme soit si lent. Ce défilé de portraits et de scènes saugrenues finit pas lasser. Il manque la petite étincelle fédératrice.
Note : 2 étoiles

Lui :
Un ministre de l’agriculture qui redevient un simple citoyen et doit donc se réinsérer dans la vie de son quartier, voilà la trame qui permet à Otar Iosseliani de donner à Jardins en Automne tout le charme d’une comédie franchement décalée qui joue sur l’absurde et le saugrenu. Toutefois, l’ensemble manque cruellement de structure et de finalité, et finit par nous paraître un peu long. La forme en revanche est intéressante car Otar Iosseliani filme ses saynètes de façon très vivante. Les scènes de ministère sont très bien faites, sorte de ballet quasiment muet, tout en mouvements qui paraissent aussi vains que rituels. A noter Michel Piccoli qui semble bien s’amuser à interpréter une vielle dame à chignon grisonnant.
Note : 2 étoiles

Acteurs: Séverin Blanchet, Jacynthe Jacquet, Michel Piccoli
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18 novembre 2007

Adieu, plancher des vaches (1999) de Otar Iosseliani

Adieu, plancher des vachesElle :
Fresque loufoque sur une galerie de personnages parisiens hauts en couleur. Qu’ils soient bourgeois, populaires ou clochards, le réalisateur nous met en position d’observateur de leur vie quotidienne qui ne correspond pas toujours à leur statut social d’origine. Tantôt ils se croisent, se rencontrent, tantôt ils s’évitent. Les dialogues sont quasiment absents. Un peu à la manière de Tati ou de Jérôme Deschamps, on perçoit quelques phrases très banales du style « Comment ça va? Ca va bien ». C’est à la fois drôle, original et touchant.
Note : 4 étoiles

Lui :
Remarquable. Adieu, plancher des vaches est un film qui nous surprend et nous enchante. Iosseliani cultive les contrastes, le saugrenu, tout en donnant une peinture très réaliste de la vie d’un quartier populaire à Paris. Il y a un peu de Bunuel dans la construction, du Tati dans les dialogues et le film ne faiblit à aucun moment.
Note : 5 étoiles

Acteurs: Nico Tarielashvili, Lily Lavina
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17 novembre 2007

Une étoile est née (1954) de George Cukor

Titre original : « A star is born »

Une étoile est néeElle :
(pas (re)vu)

Lui :
Une étoile est née nous plonge profondément dans le monde d’Hollywood en nous exposant le parcours croisé d’un couple de stars : « lui » est une star qui a sombré dans l’alcoolisme ce qui ruine sa carrière tandis que « elle » est en pleine ascension. Remake d’un film de William Wellman, cette version de George Cukor met particulièrement bien en valeur Judy Garland, le film étant d’ailleurs une tentative de la Warner de relancer la carrière de cette actrice tourmentée. Les morceaux musicaux ne figurent toutefois pas à mes yeux parmi ses plus remarquables prestations, paraissant parfois un peu longs, l’un d’entre eux ayant même été tourné et intégré contre la volonté de Cukor. L’utilisation de la couleur est assez belle, donnant un caractère sombre et puissant au film.
Note : 3 eacute;toiles

Acteurs: Judy Garland, James Mason, Jack Carson, Charles Bickford
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Originellement, Une étoile est née devait durer 182 minutes mais le film fut réduit à 154 mn par la Warner, puis à 134 mn, puis à 117 mn. Une version restaurée de 170 mn vit le jour en 1983, faite à partir de morceaux épars.
La version vue ici est celle de 154 minutes. Cette version comporte un trou énorme vers le début du film entre le coup de téléphone de Norman Maine en pleine nuit pour vanter les mérites de la jeune Esther Blodgett auprès d’un producteur et la scène où cette dernière se retrouve entre les mains des esthéticiens. On ne comprend pas trop pourquoi elle est là.
Voici ce qui manque :
Au petit matin, Esther annonce à l’orchestre qu’ils doivent partir en tournée et continuer sans elle tandis que Norman est emmené encore endormi sur un lieu de tournage éloigné, sur un yacht. Il tombe ensuite malade. Esther se retrouve seule ; elle fait des petits boulots de serveuse et double une marionnette dans une publicité. Norman finit par l’entendre à la télévision et parvient à la retrouver dans un petit hôtel. Il lui annonce qu’il va pouvoir l’introduire au studio pour qu’elle tourne dans un film.

Le passage de la déclaration du mariage semble également assez confus. Il manque tout un passage, la demande en mariage :
Esther post-synchronise une scène et Norman vient lui rendre visite. Ils parlent à voix basse mais les techniciens s’amusent à diffuser la discussion sur les haut-parleurs du studio. Tout le monde entend Norman la demander en mariage et Esther accepter.

Les autres versions :
1. Une étoile est née de William A. Wellman (1937) avec Janet Gaynor et Fredric March. Le scénrario était basé sur une histoire de Wellman, elle-même basée sur le film What price Hollywood (1932) de… George Cukor !
2. Une étoile est née de Frank Pierson (1976), remake plutôt insipide avec Barbra Streisand et Kris Kristofferson.
3. A star is born de Bradley Cooper (2018) avec Lady Gaga et Bradley Cooper.

16 novembre 2007

Quand j’étais chanteur (2006) de Xavier Giannoli

Quand j’étais chanteurElle :
(pas vu)

Lui :
Sur le thème de l’amour autant impossible qu’improbable entre un chanteur de bal de province et une jeune trentenaire, Quand j’étais chanteur a bien du mal à éveiller notre intérêt si ce n’est pour le jeu d’acteur de Depardieu qui nous montre une fois de plus qu’il peut tout faire. Sur le fond, quand je vois les bonnes critiques que ce film a reçues, j’avoue avoir un peu de mal à comprendre cette fascination pour ce qui est ringard, cette façon de feindre de l’apprécier avec une condescendance nourrie de la certitude d’être au dessus de tout cela. Bien évidemment, cette histoire se passe en province, la province des thés dansants, des boîtes de nuit à moitié vides où la moyenne d’âge frôle la soixantaine, la province où la seule activité digne de ce nom est de visiter des maisons à vendre… Quand j’étais chanteur témoignerait-il d’une certaine vision toute parisienne de la province? Tout cela ne serait pas très grave si l’histoire était un tant soit peu intéressante, mais ce n’est pas vraiment le cas.
Note : 1 étoiles

Acteurs: Gérard Depardieu, Cécile De France, Mathieu Amalric, Christine Citti
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15 novembre 2007

L’étrangleur de Boston (1968) de Richard Fleischer

Titre original : The Boston Strangler

L'étrangleur de BostonElle :
Cette histoire d’étrangleur de femmes, tueur en série, est plutôt une bonne surprise de par son traitement visuel et psychologique. Au lieu de n’en faire qu’une enquête policière conventionnelle, Fleischer traite le sujet sous l’angle psychanalytique. Tony Curtis vit sa double personnalité de tueur et de père de famille avec douleur. Henry Fonda devient l’accoucheur de son déséquilibre mental. On finirait même par le plaindre de sa souffrance psychologique alors qu’il a tué 11 femmes. D’autre part, l’approche visuelle qui se traduit par plusieurs plans et angles de vue en même temps à l’écran est intéressante et novatrice.
Note : 4 étoiles

Lui :
L’étrangleur de Boston est un film étonnant et efficace. Il commence par nous baigner dans une intrigue policière mais finit en drame psychologique, et l’on en viendrait presqu’à plaindre ce tueur maniaque, magnifiquement interprété par Tony Curtis. Dans la partie policière, Fleischer exploite à fond le format cinémascope en découpant l’image en 2, 3 voire 5 parties, procédé plutôt efficace dans ce contexte. L’étrangleur de Boston est basé sur une histoire réelle ; dans la réalité, Albert De Salvo fut déclaré non responsable de ses actes et enfermé à vie. Il fut assassiné en prison.
Note : 4 étoiles

Acteurs: Tony Curtis, Henry Fonda
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Homonyme : Basé sur le même personnage mais dans une optique différente, The Boston Strangler (2006) est un film réalisé par Keith Valley (film non vu mais qui ne semble pas être une merveille).
A noter également que la chanson des Rolling Stones Midnight Rambler serait basée sur ce même personnage d’étrangleur en série (Album Let it Bleed).

15 novembre 2007

L’île au trésor (1934) de Victor Fleming

Titre original : « Treasure island »

L’île au trésorElle :
(pas vu)

Lui :
Cette adaptation du célèbre roman de Stevenson doit beaucoup à la présence de Wallace Beery qui s’en donne à cœur joie pour incarner un Long John Silver assez truculent et vraiment haut en couleur. Il parvient parfaitement à rendre toute la dualité de son personnage qui est à la fois un gredin de la pire espèce et néanmoins attachant. L’île au trésor L’île au Trésor de Fleming sait, mieux que toutes les autres versions, allier le rêve et l’aventure à une atmosphère lourde de dangers. Le film reste vraiment plaisant, trois quarts de siècle après sa sortie.
Note : 3 eacute;toiles

Acteurs: Wallace Beery, Lionel Barrymore, Jackie Cooper, Lewis Stone
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Le roman de Robert Louis Stevenson a été adapté à maintes reprises. La version de Fleming est sans aucun doute la meilleure. Les autres versions les plus remarquables sont :
L’île au trésor de Maurice Tourneur (1920), avec Shirley Mason (et Lon Chaney dans un petit rôle)
L’île au trésor de Byron Haskin (1950), la version réglementaire des studios Walt Disney
L’île au trésor de John Hough (1972), co-production européenne avec Orson Welles dans le rôle de Long John Silver
L’île au trésor De Raoul Ruiz (1986), film français avec Martin Landau et une pléïade d’acteurs français (adaptation très libre).

14 novembre 2007

La couleur du crime (2006) de Joe Roth

Titre original : « Freedomland »

La couleur du crimeElle :
Confus, bruyant, virevoltant, oppressant pour rien, voilà un thriller aux recettes classiques qui semble bien mal mené. (Abandon rapide)
Note : pas d'étoiles

Lui :
Dans un quartier noir du New Jersey où les rapports étaient déjà tendus, la police enquête de façon brutale sur l’enlèvement d’un jeune garçon blanc. La Couleur du Crime est un film qui se prend presque comme un coup de poing, d’une part du fait de la tension que Joe Roth parvient à mettre dans toutes les scènes de rues où l’on semble toujours être à deux doigts de l’affrontement, et d’autre part par le jeu de Julianne Moore, une mère qui semble totalement instable et dépressive. On a constamment l’impression de marcher au bord du gouffre. Une fois de plus Julianne Moore se jette à fond dans son rôle, lui donne une intensité phénoménale sans jamais surjouer(*). Avec Samuel Jackson, elle hisse le film à un degré qu’il n’aurait pu atteindre seul. Malgré un scénario qui, au final, peut sembler un peu léger et des effets de caméra parfois un peu faciles, La Couleur du Crime a une puissance peu commune, une puissance qui peut même déranger. Est-ce pour cela que le film n’est jamais sorti en salles ?
Note : 4 étoiles

Acteurs: Julianne Moore, Samuel L. Jackson, Edie Falco
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(*) Je n’ose imaginer ce que peut donner ce film en version doublée… Je ne vois pas comment une actrice pourrait arriver à restituer en post-synchronisation l’énergie du jeu de Julianne Moore et garder le même impact.