Catégorie : Cinéma européen

Lui :
Un jeune écrivain est recruté pour terminer l’écriture des mémoires d’un ex-premier ministre britannique. Il doit prendre la suite d’un autre « nègre » mort accidentellement. Il se rend sur une île au large de Boston où vit l’homme politique. Rapidement, l’entreprise semble plus périlleuse que prévue… The Ghost Writer est adapté d’un livre du romancier et ancien journaliste anglais Robert Harris qui s’empresse de préciser que ce roman ne s’inspire pas de personnage réel. Donc cet ex-premier ministre n’est pas Tony Blair (1)… il s’agit d’une fiction politique. Roman Polanski structure admirablement son film, avec une progression par petites touches, par petits indices, mais très régulière avec une tension qui monte lentement et continuellement. Le rythme est remarquable. Nous sommes baignés avec cet écrivain dans un univers très particulier sur cette île isolée, avec une grande maison moderne et sans âme, presque un univers semi-carcéral. Un huis clos en plein air. Très travaillé, sans fioriture inutile, The Ghost Writer montre une maitrise totale de la mise en scène. Il s’inscrit parmi les meilleurs films du cinéaste.
Note :

Acteurs: Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Olivia Williams, Kim Cattrall, James Belushi, Robert Pugh
Voir la fiche du film et la filmographie de Roman Polanski sur le site IMDB.
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Remarques :
Roman Polanski a terminé la postproduction de The Ghost Writer à distance alors qu’il était en prison puis assigné à résidence dans sa maison en Suisse.

(1) Robert Harris est un ex-journaliste politique de la BBC, supporter de Tony Blair jusqu’à la guerre d’Irak qu’il désapprouvait totalement.

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Titre original : « Trollflöjten »

Lui :
Projet initialement conçu pour la télévision suédoise, cette adaptation par Ingmar Bergman de La Flute Enchantée de Mozart est un projet qui lui tenait à cœur. Il a deux grandes lignes directrices : d’une part, rendre cet opéra accessible au plus grand nombre et, d’autre part, utiliser des chanteurs plus jeunes qu’à l’habitude, des chanteurs dont l’âge correspond à celui des personnages. Il fait donc traduire l’opéra en suédois, ce qui ne facilite pas forcément la tâche des chanteurs, et auditionne une centaine de chanteurs originaires des pays nordiques. Il désire aussi garder l’esprit du théâtre en tant que lieu et n’hésite pas à reconstruire en studio celui où il avait initialement envisagé de tourner mais qui s’est révélé être trop petit. Le résultat est une belle réussite. Les acteurs/chanteurs livrent un belle prestation tout en montrant beaucoup de naturel dans leur gestuelle et Bergman sait préserver le côté enfantin et farceur de certaines scènes. Le réalisateur utilise en outre les possibilités du cinéma par ses cadrages, par des petites astuces comme le médaillon animé ou encore en élargissant parfois la scène pour aller en coulisses, avec notamment cette amusante entrée en scène de Papageno. La prestation des chanteurs est assez remarquable avec une mention spéciale pour la soprano finlandaise Irma Urrila, qui nous livre un « Ach, ich fühl’s » (à mon humble avis, le plus bel aria de La Flute Enchantée) de toute beauté et d’une infinie douceur.
Note :

Acteurs: Josef Köstlinger, Irma Urrila, Håkan Hagegård, Ulrik Cold
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Remarque :
Pendant l’ouverture de La Flute Enchantée, où Bergman filme des visages en très gros plans avec un montage qui se cale sur la musique, le réalisateur se montre lui-même (ainsi que Liv Ullmann) fugitivement à plusieurs reprises. Par cette ouverture peuplée de visages cosmopolites et de tous âges, Bergman veut bien entendu souligner le côté universel de la musique.

Autre adaptation :
La Flute Enchantée (The Magic Flute) de Kenneth Brannagh (2006).

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Titre original : « Los abrazos rotos »

Elle :
Note :

Lui :
Un écrivain aveugle qui écrit des scénarios pour le cinéma, une secrétaire qui fait l’escort-girl pour sauver son père malade… Le lien entre ces deux personnages n’est pas évident de prime abord, mais il y en a bien un, une histoire où le cinéma est impliqué… Le scénario d’Etreintes Brisées est assez difficile à résumer sans le dévoiler car il comporte plusieurs facettes. Loin d’être compliqué toutefois car il se déroule parfaitement avec une clarté admirable qui évoque les grands films romanesques des années cinquante. On retrouve ce grand et beau classicisme au niveau des images, la photographie est superbe, jouant avec la faible profondeur de champ qui fait de très beaux portraits. Et il y a le film dans le film, ou plutôt les films dans le film puisqu’il y en a deux, ce qui permet à Almodóvar de donner corps à son amour pour le cinéma et de faire des clins d’œil appuyés (1). Le cinéma ici est tout : il est à la fois celui qui montre, celui est montré et celui qui regarde. Parfaitement maîtrisé, Etreintes brisées est un très beau film, empreint du meilleur classicisme, l’un des meilleurs d’Almodóvar.
Note :

Acteurs: Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez, Rubén Ochandiano, Tamar Novas
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(1) Penelope Cruz est coiffée exactement comme Audrey Hepburn dans Sabrina de Billy Wilder (1954) (en aussi en fausse Marilyn, mais cela est plus courant) et le film dans le film est très proche de Femmes au bord de la crise de nerfs (1988), le film qui a fait connaitre Almodóvar au grand public (ah le fameux gaspacho… !) L’extrait du film avec Ingrid Bergman et Georges Sanders qui passe à la télévision est Voyage en Italie de Roberto Rossellini (1954). Plusieurs scènes evoquent, dans leur forme, certains films d’Hitchcock.
Lire nos commentaires sur Sabrina…
Lire nos commentaires sur Femmes au bord de la crise de nerfs…

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Titre original : « Das weiße Band – Eine deutsche Kindergeschichte »

Elle : Note :

Lui :
Dans un village d’Allemagne à la veille de la Première Guerre mondiale, d’étranges incidents surviennent, un câble tendu entre deux arbres pour faire chuter le docteur, le fils d’un riche propriétaire roué de coups, des incidents qui ressemblent à un rituel punitif… Le titre original (« Le ruban blanc, une histoire allemande d’enfants ») nous met sur la voie : Michael Haneke nous montre les enfants qui vont écrire les pages les plus noires de l’Histoire de l’Allemagne deux ou trois décennies plus tard et comment l’éducation rigide qu’ils ont reçue peut faire partie des explications. Le Ruban Blanc est non seulement un film dénonçant l’éducation trop stricte, il montre aussi comment l’établissement d’un idéal en tant que dogme peut engendrer des véritables monstres. L’atmosphère du film est assez lourde, austère, presque carcérale, s’appuyant sur une image en noir et blanc, aux intérieurs très sombres, très noirs. Cette noirceur est omniprésente, elle contraste avec cet idéal symbolisé par ce ruban blanc que l’on porte en brassard (le parallèle possible avec un futur brassard n’est pas innocent). On peut reprocher peut-être à Haneke d’avoir un peu complexifié son récit (de plus, la voix-off qui explique beaucoup de choses est un peu dure à suivre) mais c’est un film qui mérite une certaine réflexion après sa vision pour en saisir bien tout le sens et toutes les implications.
Note :

Acteurs: Christian Friedel, Leonie Benesch, Ulrich Tukur, Burghart Klaußner, Rainer Bock
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Titre original : « Üç maymun »

Lui :
Après avoir accidentellement renversé un piéton et pris la fuite, un notable demande à son chauffeur de se laisser accuser à sa place contre une grosse somme d’argent. Celui-ci accepte. Sa famille, déjà très ébranlée par une tragédie familiale ancienne, va-t-elle pouvoir traverser cette épreuve…? Comme le laisse supposer le titre (1), Les Trois Singes accorde une grande place aux difficultés de communication. Ce qui est assez inhabituel, et donc remarquable, dans ce film, c’est le fait que les silences sont plus parlants que les paroles échangées (souvent anodines). Nuri Bilge Ceylan parvient à tisser devant nos yeux un canevas assez complexe avec quelques bribes, en fait surtout alimenté par les non-dits et une situation simple mais difficile. Le rythme est donc assez lent en apparence ce qui lui permet de créer de très beaux plans, très contrôlés ; le réalisateur est toujours très précis dans sa mise en place. Avec Les Trois Singes, Nuri Bilge Ceylan continue de symboliser un cinéma turc très créatif.
Note :

Acteurs: Yavuz Bingol, Hatice Aslan, Rifat Sungar, Ercan Kesal
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(1) Le titre Les Trois Singes fait référence au symbole des « trois singes de la sagesse » : le premier se bouche les oreilles, le second se bouche les yeux et le dernier met ses mains sur sa bouche. Cette métaphore dit en sorte qu’à celui qui n’entend rien de mal, ne voit rien de mal et ne dit rien de mal, il ne peut rien arriver de mal.

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Lui :
Nous sommes à Alexandrie au IVe siècle, alors que la ville est l’objet de grandes tensions entre le peuple majoritairement chrétien et les notables païens. Une philosophe tente de préserver les connaissances accumulées depuis des siècles… Agora est librement adapté de la vie d’Hypatie d’Alexandrie, philosophe platonicienne et probablement astronome dont nous ne savons que peu de choses puisque tous ses travaux ont disparu dans l’incendie de la bibliothèque d’Alexandrie (1). Le film met l’accent sur l’obscurantisme religieux qui s’oppose à la science et sur les luttes de pouvoirs entre païens et chrétiens, puis entre juifs et chrétiens. Mais Agora est avant tout un film à grand spectacle ; il n’échappe pas à un maniérisme très marqué du genre : c’est le spectaculaire qui est privilégié à grands renforts d’infrabasses qui font vibrer les murs. Le propos quant à lui est très simple, extrêmement manichéen et nourri de stéréotypes.
Note :

Acteurs: Rachel Weisz, Max Minghella, Oscar Isaac, Ashraf Barhom, Michael Lonsdale, Rupert Evans
Voir la fiche du film et la filmographie de Alejandro Amenábar sur le site IMDB.

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(1) Rappelons que nous ne savons toujours pas comment a disparu la bibliothèque d’Alexandrie. Il n’y a même aucun vestige matériel étudiable. Les historiens sont divisés et avancent plusieurs hypothèses hélas invérifiables. Le film Agora repose sur l’une d’elles (assez contestée) : la bibliothèque aurait été détruite par les chrétiens lors de la destruction des temples païens à la fin du IVe siècle.

Voir une critique plus récente du même film : Agora …

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