Catégorie : Cinéma européen

Elle :
(pas vu)

Lui :
Deuxième volet de la trilogie que Lars von Trier consacre à l’Amérique « Land of opportunity » (le premier étant Dogville et le troisième sera prochainement Wasington), Manderlay reprend le même principe totalement dénudé de mise en scène que Dogville : un sol peint avec l’emplacement des bâtiments et autres lieux de décors, le tout agrémenté de seulement quelques éléments de mobilier. Cette fois, Lars von Trier traite du pouvoir, de l’exploitation et de l’esclavage. Son héroïne Grace est une jeune oie blanche, assise sur ses certitudes issues du politiquement correct, qui désire instaurer de force un système basé sur la démocratie et la liberté au sein d’un petit domaine rural dans l’Alabama des années 30 (on peut faire aussi le parallèle avec l’Irak puisque la jeune Grace a quelques sbires armés à sa disposition pour imposer ses vues). Manderlay m’a paru beaucoup moins convaincant que Dogville, l’ensemble étant plus confus à mes yeux, avec une caméra à l’épaule plus pénible à supporter et surtout un contenu uniquement centré sur le discours un peu simplet de la jeune femme dont les certitudes ne seront sérieusement bousculées (dans un registre un peu surprenant d’ailleurs) que dans les 15 dernières minutes. Manderlay a beau soulever des problèmes tout aussi intéressants (sinon plus), il n’a pas, hélas, la richesse de développement de Dogville.
Note :

Acteurs: Bryce Dallas Howard, Isaach De Bankolé, Danny Glover, Willem Dafoe, Lauren Bacall
Voir la fiche du film et la filmographie de Frank Borzage sur le site imdb.com.

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Titre original : « Die Bergkatze »

Elle :
(pas vu)

Lui :
La Chatte des Montagnes n’est autre que Pola Negri, actrice polonaise alors en pleine ascension grâce à plusieurs films dirigés par Lubistch. Elle est le pivot central de cette comédie dite « grotesque ». Dans les montagnes enneigées d’un pays imaginaire, une sauvageonne est à la tête d’une petite bande de brigands qui font la guéguerre à une garnison proche. Un jeune lieutenant, Don Juan notoire, vient juste d’y être muté. Cette situation de départ permet à Lubitsch de partir dans une frénésie burlesque. Il joue beaucoup avec les décors, des décors de poupée assez stylisés et extravagants ; il joue aussi avec la multiplication d’objets ou de personnages (il faut voir la foule de milliers de femmes transies venues dire au revoir au bourreau des coeurs!) Il utilise de façon importante des caches (en rond, en zigzag,…) pour se libérer du cadre carré et l’inventivité est quasi permanente. Il pousse à fond la caricature, appuyant très fort sur l’humour, il ridiculise la guerre de façon vraiment étonnante pour l’époque (au lendemain de la guerre de 14-18) : les soldats se relèvent après avoir pris une balle mais une gifle ou une boule de neige les met en déroute. Tout cela a un petit côté anarchiste ou du moins franchement libertaire ; et c’est sans compter les nombreuses petites notes de sensualité quasi-fétichisante, centrée sur Pola Negri bien entendu. Les cinéastes avaient alors une totale liberté, une liberté qu’ils ne retrouveront jamais plus par la suite. Il n’est donc guère étonnant que, vu aujourd’hui après presque un siècle, La Chatte des Montagnes nous apparaisse comme une comédie totalement débridée.
Note :

Acteurs: Pola Negri, Paul Heidemann
Voir la fiche du film et la filmographie de Ernst Lubitsch sur le site imdb.com.

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Titre original : Der Name der Rose

Elle :
Immersion au temps de l’inquisition et de l’hérésie religieuse dans un monastère perché sur le haut d’une montagne désolée. Les livres interdits qui pourraient perturber les croyances religieuses des moines sont enfermés dans une tour inaccessible. Plusieurs moines sont retrouvés morts avec la langue et le bout du doigt noirs. Sean Connery va mener l’enquête. Le décor lugubre, les moines aux trognes laides s’opposent à l’angélisme de Sean Connery et de son jeune compagnon. Même si parfois c’est un peu caricatural, on se laisse prendre au jeu de ces énigmes et de cette atmosphère monastique.
Note :

Lui :
Dans cette adaptation du roman d’Umberto Ecco, Annaud a choisi de privilégier le spectacle en évacuant tout le contenu philosophique. Il réussit néanmoins à faire un film fort, même s’il tombe parfois dans l’excès en insistant lourdement sur certaines scènes « dérangeantes » (autopsies, préambules à la torture). Les décors, somptueux de réalisme, contribuent largement à cette réussite ; la bibliothèque est une pure merveille.
Note :

Acteurs: Sean Connery, Christian Slater, Helmut Qualtinger, Michael Lonsdale
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Titre original : « Die Austernprinzessin »

Elle :
(pas vu)

Lui :
La Princesse aux Huîtres est une comédie assez étonnante de la toute première période allemande d’Ernst Lubitsch. La fille du magnat des huîtres menace de tout détruire dans la maison si on ne lui trouve pas un mari noble dans l’heure qui suit. Voilà le point de départ de cette farce dont l’intensité ne montre aucun signe de faiblesse durant ses 60 minutes. Quel humour ! Et quel rythme ! Le ballet de la horde de serviteurs est une merveille : tout en étant assez franchement dans la démesure, Lubitsch ne tombe jamais dans l’extravagance gratuite. C’est l’humour qu’il privilégie et pour cela il joue beaucoup sur le mouvement. Ainsi, dès 1919, il montre son sens de la comédie, de la dérision, du burlesque… la fameuse Lubitsch’ touch. Je conseillerais volontiers la vision de La Princesse aux Huîtres aux personnes qui pensent qu’un film muet est forcément triste et rasoir. Je dois bien avouer que ce film m’a moi-même franchement surpris, je ne m’attendais pas à trouver une telle légèreté, un tel humour dans un film allemand de 1919. Pour ne rien gâter, le film est remarquablement bien conservé et restauré. Oui, La Princesse aux Huîtres est un vrai petit bijou.
Note :

Acteurs: Victor Janson, Ossi Oswalda, Harry Liedtke, Julius Falkenstein
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Elle :
Autour de la dégringolade d’un ministre qui redécouvre le sens de la vraie vie, Otar Iosseliani avec le talent qu’on lui connaît nous offre une série de situations décalées, une pléiade de personnages cocasses pour évoquer la comédie du pouvoir et la quête existentielle de cet homme. Dommage que le rythme soit si lent. Ce défilé de portraits et de scènes saugrenues finit pas lasser. Il manque la petite étincelle fédératrice.
Note :

Lui :
Un ministre de l’agriculture qui redevient un simple citoyen et doit donc se réinsérer dans la vie de son quartier, voilà la trame qui permet à Otar Iosseliani de donner à Jardins en Automne tout le charme d’une comédie franchement décalée qui joue sur l’absurde et le saugrenu. Toutefois, l’ensemble manque cruellement de structure et de finalité, et finit par nous paraître un peu long. La forme en revanche est intéressante car Otar Iosseliani filme ses saynètes de façon très vivante. Les scènes de ministère sont très bien faites, sorte de ballet quasiment muet, tout en mouvements qui paraissent aussi vains que rituels. A noter Michel Piccoli qui semble bien s’amuser à interpréter une vielle dame à chignon grisonnant.
Note :

Acteurs: Séverin Blanchet, Jacynthe Jacquet, Michel Piccoli
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Elle :
Fresque loufoque sur une galerie de personnages parisiens hauts en couleur. Qu’ils soient bourgeois, populaires ou clochards, le réalisateur nous met en position d’observateur de leur vie quotidienne qui ne correspond pas toujours à leur statut social d’origine. Tantôt ils se croisent, se rencontrent, tantôt ils s’évitent. Les dialogues sont quasiment absents. Un peu à la manière de Tati ou de Jérôme Deschamps, on perçoit quelques phrases très banales du style « Comment ça va? Ca va bien ». C’est à la fois drôle, original et touchant.
Note :

Lui :
Remarquable. Adieu, plancher des vaches est un film qui nous surprend et nous enchante. Iosseliani cultive les contrastes, le saugrenu, tout en donnant une peinture très réaliste de la vie d’un quartier populaire à Paris. Il y a un peu de Bunuel dans la construction, du Tati dans les dialogues et le film ne faiblit à aucun moment.
Note :

Acteurs: Nico Tarielashvili, Lily Lavina
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Titre original : « Brødre »

Elle :
Un film intense, poignant et parfois violent qui analyse avec justesse et sans forcer le trait les difficiles relations familiales qui existent entre deux frères. L’aîné, soldat de l’ONU passe pour mort alors qu’il est en fait, prisonnier en Afghanistan. Son épouse doit survivre ; elle devient très complice avec le second frère. L’intensité dramatique monte d’un cran lorsque sont évoquées les terribles conditions de détention et lorsque ce soldat retrouve la liberté, sa femme et ses enfants. Le regard que porte Susan Bier sur les conflits familiaux me rappelle l’esprit du film Festen dans lequel les frustrations enfouies surgissent avec grande violence et vérité.
Note :

Lui :
Brothers traite à la fois des relations de deux frères aux parcours très différents et des conséquences psychologiques sur les militaires engagés en Afghanistan sous l’égide de l’ONU. En observant ainsi les relations intrafamiliales, le film peut évoquer Festen de Thomas Vinterberg, impression favorisée par la présence de l’acteur Ulrich Thomsen dans les deux films, mais le traitement est ici complètement différent, moins brut et austère, plus en délicatesse et avec douceur. Cela n’empêche pas Brothers d’avoir beaucoup de force avec même des pics d’intensité assez fréquents. C’est cet équilibre qui est remarquable dans le film de Susanne Bier et qui, au final, le rend très authentique. L’interprétation des 3 acteurs principaux est remarquable.
Note :

Acteurs: Connie Nielsen, Ulrich Thomsen, Nikolaj Lie Kaas
Voir la fiche du film et la filmographie de Susanne Bier sur le site imdb.com.

Liste des réalisateurs : (par ordre alphabétique)
Olivier Assayas, Frédéric Auburtin, Emmanuel Benbihy, Gurinder Chadha, Sylvain Chomet, Ethan Coen, Joel Coen, Isabel Coixet, Wes Craven, Alfonso Cuarón, Christopher Doyle, Richard LaGravenese, Vincenzo Natali, Alexander Payne, Bruno Podalydès, Walter Salles, Oliver Schmitz, Nobuhiro Suwa, Daniela Thomas, Tom Tykwer, Gus Van Sant

Elle :
Un défi audacieux de réunir une vingtaine de réalisateurs et acteurs de renom pour rendre hommage à Paris et au cinéma. Un projet difficile puisqu’il fallait réussir à articuler ce maillage filmique de façon fluide, en créant des résonances d’un film à l’autre. Les réalisateurs avaient des contraintes très strictes sur le temps de tournage et la durée de cinq minutes par film, contraintes qui nuisent un peu à l’ensemble puisque chaque film étant très court, il est parfois difficile de bien s’immerger dans certains univers qui semblent un peu confus. Bien que le résultat soit parfois inégal, le pari est en partie tenu. Il ressort de ces dix-huit visages de ce Paris cosmopolite de bons moments de beauté, de frivolité, de joie, de tristesse, d’amour et d’humour. Dommage que pas plus de réalisateurs français ne se soient pas davantage investis dans l’aventure.
Note :

Lui :
En 5 minutes maximum, une vingtaine de cinéastes nous content une histoire d’amour dans un quartier de Paris. Le plateau de réalisateurs et d’acteurs qui se sont prêtés au jeu est assez impressionnant par sa qualité. Le tournage ne pouvait excéder 2 jours et 2 nuits. Les histoires en elles-mêmes sont très courtes, souvent des départs d’histoire. Le principal est plutôt du côté de l’ambiance, de l’univers, du style. Tous sont très différents et malgré la succession rapide, on ne ressent que très peu un effet de fatigue. La séquence des frères Coen est un petit bijou d’humour.
Note :

Acteurs: Bruno Podalydès, Steve Buscemi, Juliette Binoche, Nick Nolte, Gena Rowlands, Ludivine Sagnier, Fanny Ardant, Elijah Wood, Bob Hoskins, Hippolyte Girardot, Yolande Moreau, Willem Dafoe, Barbet Schroeder, Catalina Sandino Moreno, Marianne Faithfull, Alexander Payne, Rufus Sewell, Melchior Beslon, Natalie Portman, Gérard Depardieu, Ben Gazzara
Voir la fiche du film  sur le site imdb.com.

Liste des segments :
1. Montmartre de Bruno Podalydès
2. Quais de Seine de Gurinder Chadha
3. Le Marais de Gus Van Sant
4. Tuileries de Joel et Ethan Coen
5. Loin du 16e de Walter Salles et Daniela Thomas
6. Porte de Choisy de Christopher Doyle
7. Bastille de Isabel Coixet
8. Place des Victoires de Nobuhiro Suwa
9. Tour Eiffel de Sylvain Chomet
10. Parc Monceau de Alfonso Cuaron
11. Quartier des Enfants Rouges de Olivier Assayas
12. Place des fêtes de Oliver Schmitz
13. Pigalle de Richard LaGravenese
14. Quartier de la Madeleine de Vincenzo Natali
15. Père-Lachaise de Wes Craven
16. Faubourg Saint-Denis de Tom Tykwer
17. Quartier Latin de Gérard Depardieu et Frédéric Auburtin (écrit par Gena Rowlands)
18. 14e arrondissement de Alexander Payne

Titre original : « Der letzte Mann »

Lui :
Le portier très âgé d’un grand hôtel est écarté de ses fonctions pour être placé comme préposé aux toilettes. Autant il s’enorgueillait de sa fonction précédente, autant il a maintenant l’impression d’être devenu le dernier des hommes…
Tourné par Murnau deux ans après Nosferatu, Le Dernier des hommes se situe dans un registre tout à fait différent. Il marque le début d’un nouveau courant réaliste. Mais son côté le plus spectaculaire est incontestablement l’utilisation que Murnau fait de la caméra. Il réalise des effets visuels, soit par superposition ou effets de flous, soit par des mouvements étonnants qui contrastent avec la rigidité habituelle de l’époque. Il fait preuve d’une inventivité quasi permanente. Il faut aussi remarquer que ce film muet est totalement dénué d’intertitres, un film muet sans paroles pourrait-on dire… Pourtant cette absence n’est à aucun moment gênante. L’histoire de cet homme qui ne vit que par le regard des autres est assez poignante ; un angle de lecture du scénario est de rapprocher la perte de l’uniforme de ce portier à la situation de l’Allemagne désarmée par les Alliés en ce début des années 20. Le film s’achève cependant de façon amusante, avec une pirouette finale de scénario annoncée comme invraisemblable par le film lui-même. Le Dernier des hommes valût à Murnau de se faire inviter à Hollywood où il tournera ses 4 derniers films.
Note :

Acteurs: Emil Jannings, Maly Delschaft
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Elle :
Une jeune femme sourde, murée dans son silence et sa solitude, vient sur une plate-forme pétrolière coupée du monde soigner un grand blessé qui a perdu temporairement la vue à la suite d’un accident. Cet endroit perdu ressemble à une île où se mêlent quelques personnes très différentes mais qui doivent respecter certaines règles pour pouvoir vivre ensemble. Ce huis clos est très intense et émouvant car composé de vibrations subtiles à fleur de mots et à fleur de peau. Des liens se tissent entre ces deux personnages égarés et solitaires grâce au pouvoir de la parole ainsi qu’à la relation sensible et intime qui se forge dans cette cabine de bateau. Les mots vont créer la confiance puis devenir la passerelle pour que chacun d’entre eux ouvre son cœur et se découvre tout en délicatesse et sensibilité, une passerelle pour une nouvelle naissance. Derrière ce scénario original et sans aucun pathos, se profile la douloureuse histoire de la Yougoslavie et de ses atrocités. Sarah Polley et Tim Robbins sont bouleversants de justesse. Les personnages secondaires sont également très attachants et convaincants.
Note :

Lui :
Sur une plate-forme pétrolière, une jeune infirmière occasionnelle très refermée sur elle-même soigne un grand brûlé qui a perdu la vue. Le scénario peut rebuter car on peut craindre un mélo très classique. Il n’en est rien. The Secret Life of Words est un film tout en délicatesse et en nuances, Isabel Coixet sachant nous tenir à distance dans un premier temps pour ensuite, très progressivement, nous rapprocher de ses deux personnages. Elle parvient à trouver le ton et l’équilibre parfaits pour donner de la force à son histoire. Sarah Polley et Tim Robbins font tous deux une interprétation très sensible et particulièrement remarquable. Produit par Pedro Almodovar et son frère, The Secret Life of Words est un film espagnol tourné en anglais. Un merveilleux film.
Note :

Acteurs: Sarah Polley, Tim Robbins
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