Catégorie : Cinéma européen

Titre original : « Faraon »

Elle :
(pas vu)

Lui :
Pharaon relate l’accession au pouvoir du jeune Ramsès XIII. Refusant d’entrer dans le jeu des intrigues, il s’oppose aux grands prêtres qui usent de leur pouvoir spirituel pour mieux asseoir leurs positions. Précisons d’emblée que Ramsès XIII n’a jamais existé (le dernier pharaon de la XXe dynastie est Ramsès XI). Non, il s’agit d’un souverain inventé par l’écrivain polonais Boleslaw Prus pour son roman Le Pharaon paru en 1895. Ce film en est l’adaptation. Pharaon est plus une réflexion sur le pouvoir, sur l’oppression du peuple (illustrant ainsi l’oppression du peuple polonais par les Tsars en cette fin du XIXe siècle), thèmes assortis d’un anticléricalisme marqué, ces grands prêtres étant totalement coupés du peuple. La réalisation est assez grandiose, le tournage dans le désert d’Ouzbekistan ayant nécessité deux années de préparation et deux milles figurants prêtés par l’Armée Rouge. Toutefois, à la différence de certains péplums hollywoodiens, le décorum ne prend pas le dessus sur le contenu et cela rend Pharaon d’autant plus passionnant. Cette vision du pouvoir, des forces qui s’y exercent et de ses contradictions est suffisamment profonde pour être marquante.
Note :

Acteurs: Jerzy Zelnik, Wieslawa Mazurkiewicz, Barbara Brylska, Piotr Pawlowski
Voir la fiche du film et la filmographie de Jerzy Kawalerowicz sur le site imdb.com.

Pour en savoir plus :
Lire une analyse précise du film et de son contexte sur le site peplums.info

Titre original : « Efter brylluppet »

Elle :
Ce film émouvant est une histoire humaine qui se passe dans deux univers bien différents. Assortie d’un scénario bien huilé, elle monte en intensité dramatique au fil des minutes. Le monde des démunis et des orphelins d’Inde qui peinent pour survivre s’oppose au monde des nantis qui vivent à leur manière les épreuves de la vie. Cet homme qui se dévoue totalement pour un orphelinat de Bombay, se trouve confronté à son passé et à sa vie personnelle dans le milieu d’un riche industriel du Danemark. Susan Bier dévoile avec subtilité les facettes cachées de cet homme aux manières rustres et aux apparences trompeuses. Les révélations et rebondissements inattendus font que l’on s’attache aux personnages et à leur sort. Sa caméra est très mobile ; elle frôle les visages, les regards qui reflètent la joie, l’amour, l’anxiété, la tristesse ou le malheur. L’être humain qu’il soit pauvre ou riche éprouve les mêmes sentiments vis-à-vis de la mort ou de la vie. Les acteurs sont convaincants.
Note :

Lui :
Film danois, After the wedding est un drame familial à la fois intense et touchant. Sous des atours de mélodrame, Suzanne Bier parvient à se concentrer sur quelques valeurs essentielles. La cinéaste danoise utilise une camera très mobile, mais sans excès, et parsème ses scènes intimistes de très gros plans. Le même sujet traité par le cinéma américain donnerait certainement un mélodrame bien trop appuyé ; en revanche, il se dégage de After the wedding une authenticité qui lui donne une indéniable force et une toute autre portée.
Note :

Acteurs: Mads Mikkelsen, Sidse Babett Knudsen, Rolf Lassgård, Stine Fischer Christensen
Voir la fiche du film et la filmographie de Susanne Bier sur le site imdb.com.

Voir les autres films de Susanne Bier chroniqués sur ce blog…

Titre original : « Flåklypa Grand Prix »

Elle :
(pas vu)

Lui :
Grand Prix du norvégien Ivo Caprino est vraiment une petite perle du film d’animation qui vaut la peine d’être découverte. Grand Prix n’est pas franchement méconnu puisque c’est un film culte dans son pays d’origine où il a fait 5 millions d’entrées (alors que la Norvège ne compte qu’un peu plus de 4 millions d’habitants !) Il aurait, dit-on, inspiré Georges Lucas pour créer sa « Pod Race » de Star Wars La Menace fantôme, 25 ans plus tard. L’histoire est celle d’un inventeur excentrique (il vit en haut d’une montagne avec un canard débrouillard et une grosse taupe dépressive…) qui invente une voiture de course révolutionnaire. C’est une histoire très enfantine et naïve, avec des gentils et des méchants, mais les personnages sont réellement attachants. De plus, l’univers recréé est plein d’appareillages et d’inventions farfelus ce qui a permis à Caprino de parsemer le tout d’un humour tout en finesse assez omniprésent. Il y en a vraiment pour tout le monde, de 5 ans à 95 ans… La technique utilisée est celle du « stop-motion » (petites marionnettes que l’on filme image par image). L’animation est très bien réalisée, à peine moins fluide que les marionnettes en pâte à modeler de Nick Park 20 ans plus tard (Wallace et Gromit, Chicken run, etc…). Grand Prix a été réalisé en 3 ans et demi par une petite équipe de 5 personnes. Ivo Caprino n’a pas réalisé d’autres longs métrages d’animation par la suite. Grand Prix apparaît aujourd’hui comme un film d’animation assez unique, plutôt en avance sur son temps, un de ces films sur lesquels le temps ne semble pas avoir de prise.
Note :

Acteurs:
Voir la fiche du film et la filmographie de Ivo Caprino sur le site imdb.com.

Homonyme :
Grand Prix de John Frankenheimer (1966), avec James Garner et Yves Montand.

Titre original : « Geheimnisse einer Seele »
Autre titre français : « Le cas du Professeur Mathias »

Lui :
(film muet) Les mystères d’une âme semble être le premier film qui utilise les théories de Freud qui étaient en plein développement dans ces années 20. Le film fait même plus que les utiliser puisqu’il nous fait une véritable démonstration d’un cas précis où la psychanalyse permet de soigner une névrose en apparence inexplicable. Le cas est inspiré de faits réels et deux psychanalystes ont participé à l’écriture du scénario. La première moitié du film expose le cas : un homme marié  a soudain la phobie des couteaux et a des pulsions de meurtre envers sa femme qu’il aime pourtant plus que tout au monde. L’homme est également en proie à des rêves étranges qui permettent à Pabst de montrer toute son inventivité pour créer ces images oniriques, dans un style proche de l’expressionnisme allemand. La seconde moitié du film est occupée par l’explication du psychanalyste que l’homme va consulter, explication qui n’omet aucune des scènes auxquelles nous avons assisté. La démonstration est presque didactique. Je ne dirais pas que Les mystères d’une âme est un grand film mais il est intéressant à visionner en le replaçant bien entendu dans son époque. Le choix des acteurs peut laisser perplexe puisqu’il y a une grande différence d’âge entre les trois acteurs principaux alors qu’ils sont censés avoir grandi ensemble. Cela a tendance à nous mettre d’ailleurs sur une fausse piste.
Note :

Acteurs: Werner Krauss, Ruth Weyher, Jack Trevor, Pavel Pavlov
Voir la fiche du film et la filmographie de Georg Wilhelm Pabst sur le site imdb.com.

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Elle :
Ce film expressionniste de 1927 est toujours aussi fascinant à regarder. Metropolis est un pur chef d’œuvre de modernité visuelle et de discours. Du jamais vu pour l’époque. En visionnaire, Fritz Lang engloutit le spectateur dans des décors époustouflants ainsi que dans un univers de science-fiction fantastique bourré d’effets visuels. Il a fallu beaucoup de ténacité et d’astuces pour créer ce monde oppressant. Metropolis est une cité démoniaque dans laquelle la machine asservit l’homme et détruit les libertés. La révolte gronde dans les bas fonds grâce à une femme. Fritz Lang dépense un budget colossal pour mettre en scène cette société de nantis et d’esclaves répartis entre la ville haute et la ville basse. Plus de 30000 figurants sont engagés, des grappes humaines arpentant les décors gigantesques. Sous l’influence de sa femme (qui rejoindra plus tard le national-socialisme), Fritz Lang tourne davantage son discours vers la collaboration entre les riches et les pauvres plutôt que vers une opposition des classes.
Note :

Lui :
Metropolis fait partie des films les plus marquants de l’histoire du cinéma. Le film nous offre la vision sombre d’une vaste cité totalement déshumanisée du XXIe siècle. Cette ville est sous la coupe d’un industriel qui exploite des ouvriers forcés de vivre et de travailler dans une cité souterraine. Production à très grand spectacle, le film nécessita un budget colossal et 35 000 figurants pour les grandes scènes de foule. Mais c’est sur le plan architectural et par son inventivité que le film est le plus remarquable. Les effets spéciaux de superposition, de surimpression, de trucages par miroirs ajourés étonnent encore de nos jours. Certaines parties de Metropolis sont perdues à jamais (1). Les récentes versions en DVD résument les parties perdues par des intertitres complémentaires ce qui nous éclaire le déroulement de l’intrigue. Malgré cela, il faut bien reconnaître que le scénario de Théa von Harbou, femme de Fritz Lang, n’est pas le point fort du film, la fin étant quelque peu simplette, certains la trouvant même ambiguë. C’est donc par sa force visuelle que Metropolis reste indéniablement un film étonnant soixante quinze ans après sa sortie. Un de ces films qui laissent une trace indélébile.
Note :

Acteurs: Brigitte Helm, Alfred Abel, Gustav Fröhlich, Rudolf Klein-Rogge
Voir la fiche du film et la filmographie de Fritz Lang sur le site imdb.com.

Voir les autres films de Fritz Lang chroniqués sur ce blog…

Note : Les distributeurs américains (Paramount) y ayant vu une certaine propagande communiste, Metropolis fut sérieusement amputé et même transformé dans sa version américaine : le robot n’est plus la défunte femme du grand magnat mais la simple création d’un savant fou. A noter que le film fut totalement interdit en Union Soviétique.

(1) Une version complète de Metropolis a en fait été retrouvée en juin 2008 dans les archives d’un musée argentin. Les scènes coupées permettent de lever le voile sur certains aspects du scénario et notamment :
– pourquoi la foule confond le robot avec Maria
– le rôle exact de Schmale, l’espion du magnat (qui n’a qu’un tout petit rôle dans la version visible actuellement).
D’autres scènes, comme celle de l’inondation, seraient plus dramatiques.
Ces scènes doivent être restaurées avant d’être mises à la disposition du public.

Voir aussi le Zoom sur le robot de Metropolis sur le site de Cinémathèque Française…

[Mise à jour : ]
Metropolis, dans sa version intégrale reconstituée (proche des 150 minutes originales), a été projeté pour la première fois le 12 février 2010 au Festival de Berlin (Berlinale). Le film était accompagné en direct par un orchestre sous la direction de Frank Strobel reprenant la partition originale. L’évènement, incontestablement l’un des évènements majeurs et des plus enthousiasmants de l’histoire du cinéma, a été retransmis en direct par la chaîne de télévision Arte. Les 26 minutes ajoutées permettent de regarder Metropolis d’un oeil nouveau.

Titre original : « Ekstase »
Titre américain : « Ecstasy »

Lui :
Mariée avec un homme trois fois plus âgé qu’elle, une très jeune femme ne ressent que frustration et manque d’amour. Lors d’une balade champêtre, elle va faire la rencontre d’un jeune terrassier…
Extase est un film tchécoslovaque rare et mythique : on y voit la jeune Hedy Lamarr (qui s’appelait encore Hedy Kiesler à l’époque, elle avait 19 ans) se baignant nue dans un lac. Cette courte scène, ainsi que quelques scènes d’amour (certaines scènes trop passionnées auraient même été brûlées par le producteur avant même la sortie du film), donnèrent au film une forte notoriété. De plus, le milliardaire autrichien, que l’actrice venait d’épouser, devint obsédé par le film et tenta de retirer toutes les copies en circulation en offrant une forte somme d’argent. Son action eut l’effet inverse : les projectionnistes et distributeurs en firent de multiples copies pour pouvoir les revendre ensuite au mari jaloux ! D’autres coupaient les meilleures scènes pour les conserver. Extase fut bloqué à l’entrée des Etats-Unis et, là aussi, des scènes furent enlevées. Peu de copies intégralement intactes ont donc finalement survécu. Extase est un film amusant à regarder aujourd’hui ne serait-ce que par le symbolisme sexuel omniprésent (tout y passe… depuis le gros plan du piston dans son cylindre jusqu’à la saillie d’une jument) ; ce n’est certes pas un film majeur mais il est plaisant. Ne comportant que très peu de dialogues, Extase est tourné comme un film muet. La caméra s’attarde longuement sur la jeune Hedy Lamarr pour mettre en valeur sa grande beauté. Les scènes de nudité et d’amour sont en fait assez délicates.
Note :

Acteurs: Hedy Lamarr, Aribert Mog, Zvonimir Rogoz
Voir la fiche du film et la filmographie de Gustav Machatý sur le site imdb.com.

Hedy Lamarr, surnommée dans les années 40 « la plus belle femme d’Hollywood », ne put envisager de retourner dans un film après Extase qu’en 1937… après son divorce. Elle émigra aux Etats-Unis. Louis B. Mayer de la MGM l’engagea sur le champ et lui demanda de changer son nom : Hedy Kiesler devint Hedy Lamarr.

Dans son autobiographie Ecstasy and Me (Ed. Bartholomew House, 1966), l’actrice raconte comment Ekstase a été tourné avec un script de 5 pages dans lequel il n’était nul mention de scène de nudité. Mise au pied du mur par le réalisateur, elle aurait forcé toute l’équipe à filmer sa baignade du haut d’une colline sans penser qu’ils pourraient utiliser des objectifs télescopiques (cette justification est amusante mais peu probable, certains plans sont visiblement pris de très près). L’actrice raconte aussi comment on la piquait avec une aiguille pour exacerber ses réactions dans les scènes d’amour et c’est donc des expressions de douleur et non d’extase que montre son visage…! (Là encore, la justification est amusante).

Titre original : « Direktøren for det hele »

Elle :
(pas vu)

Lui :
Dès les premières minutes, Le Direktor surprend, il peut même dérouter, mais assez rapidement tout se met en place : le directeur d’une petite société informatique danoise a l’habitude de faire endosser toutes ses décisions désagréables par un « grand directeur » fictif. Voulant vendre la société, il se voit obligé d’engager un acteur pour jouer le rôle de ce grand directeur. L’acteur va prendre son rôle très au sérieux… On peut bien entendu voir en Le Direktor une critique du monde du travail mais elle n’est présente qu’en fond de trame : contre toute attente, le film de Lars von Trier est avant tout une comédie car le réalisateur se concentre surtout sur les rapports humains, s’amusant à les faire évoluer parfois même de façon un peu caricaturale. L’acteur est obligé de (re)composer son personnage et de naviguer à vue, ce qui occasionne des situations amusantes, et le regard que les membres du staff porte sur lui change parfois rapidement. Ce style de mise en situation donne un recul considérable sur ce petit microcosme d’une dizaine de personnes. L’humour est omniprésent dans Le Direktor, Lars von Trier semblant vouloir s’amuser de tout, y compris de lui-même (il fait même dire à un de ses personnages : « Tu n’as pas écouté, ou alors c’est comme dans un film du Dogme, on n’entend pas bien »). Son homme d’affaires islandais est particulièrement haut en couleur (les islandais ne portent pas les danois dans leur cœur, l’Islande ayant été longtemps sous domination danoise). Sur le plan de la forme, Le Direktor comporte une originalité de taille : tous les plans ont été décidés par un ordinateur auquel il avait fourni un certain nombre de règles. Sautes fréquentes et cadrages parfois hasardeux sont une conséquence visible du procédé qui semble surtout relever de l’exercice de style. Mais cela n’empêche pas Le Direktor d’être une comédie particulièrement savoureuse et très réussie.
Note :

Acteurs: Jens Albinus, Peter Gantzler, Iben Hjejle, Mia Lyhne
Voir la fiche du film et la filmographie de Lars von Trier sur le site imdb.com.

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Elle :
(En bref) Europa nous offre une vision assez noire et angoissante sur l’Allemagne d’après-guerre. Un jeune américain d’origine allemande (Jean-Marc Barr) revient dans son pays en 1945. Il sera pris entre deux feux, entre les Alliés et un groupe de nazis.
Note :

Lui :
(En bref) Europa se présente comme un magistral exercice de style. L’univers recréé par Lars Von Trier fait de l’équilibre entre le morbide et l’onirique, présente des personnages qui sont ou naïfs ou criminels, le tout dans une histoire qui va de l’horrible au comique. Son film n’est pas sans évoquer un certain expressionnisme par ses effets visuels et semble vouloir recomposer sa propre réalité. Envoûtant.
Note :

Acteurs: Jean-Marc Barr , Barbara Sukowa, Udo Kier
Voir la fiche du film et la filmographie de Lars von Trier sur le site imdb.com.

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Elle :
Un film violent et bouleversant. Un couple divorcé, un père absent, une mère abandonnée qui rêve de refaire sa vie, ses deux grands fils encombrants qui ne parviennent pas à se trouver et la réprimandent comme une enfant. La grande maison de famille, qui pourrait être vendue, devient un enjeu de pouvoir et de conflit. Les querelles sont à fleur de peau, toute la famille se disloque peu à peu ne sachant comment sortir de l’impasse. Conflits ouverts entre les parents, entre la mère et un fils puis entre les deux fils. Il règne un climat étrange, presque morbide autour de ce quotidien monotone et ses rites de vie. Isabelle Huppert et les frères Renier trouvent le ton juste La douleur intérieure et les émotions effleurent chaque plan. Joachim Lafosse filme cette lente déchirure avec sensibilité, justesse et force.
Note :

Lui :
Pour son troisième long métrage, le réalisateur belge Joachim Lafosse aborde le sujet d’une mère qui, 15 ans après son divorce, ne parvient pas à pouvoir choisir sa vie. Ses deux grands enfants se comportent en effet vis-à-vis d’elle presque comme des parents. L’un des grands atouts de Nue Propriété réside en une interprétation très forte et empreinte d’une rare authenticité. Les deux fils sont joués par deux frères, Jérémie Renier et, moins connu (du moins en France), Yannick Renier. S’ils ne sont pas jumeaux dans la vie puisque Yannick est l’aîné de 6 ans, ils n’en ont pas moins une implicite complicité qui sert indéniablement le film. Face à eux, Isabelle Huppert livre une interprétation remarquable de cette mère hésitante sur l’orientation à donner à sa vie. Globalement, le film évoque quelque peu les films de Pialat, impression d’ailleurs accentuée par une petite ressemblance entre le père et ce réalisateur! Bien qu’il soit un peu difficile à percevoir pour un spectateur français, Nue Propriété comporte aussi un thème sur le rapprochement des wallons et des flamands, sur les difficultés que ces deux peuples ont à vivre ensemble : l’acteur Kris Cuppens, interprétant le nouveau compagnon d’Isabelle Huppert, est en effet d’origine flamande. Un beau film, assez fort.
Note :

Acteurs: Isabelle Huppert, Jérémie Renier, Yannick Renier, Kris Cuppens, Patrick Descamps
Voir la fiche du film et la filmographie de Joachim Lafosse sur le site imdb.com.

Remarque : La nue-propriété est un terme juridique désignant le fait de posséder un bien sans pouvoir en avoir la jouissance.

Titre original : « A fost sau n-a fost? »

Elle :
(Abandon)
Note :

Lui :
Dans une ville de province à l’est de Bucarest, le patron d’une (très) petite chaîne de télévision locale organise un débat : « La révolution a t-elle eu lieu aussi dans notre ville ? » La révolution dont il est question ici est bien entendu l’éviction de Ceaucescu (qui fut évacué par hélicoptère le 22 décembre 1989 à 12h08). N’ayant pu faire venir les invités de marque prévus, le présentateur doit se rabattre sur un veuf solitaire plutôt taciturne et un professeur d’histoire qui a la fâcheuse habitude de se cuiter tous les soirs et de se couvrir de dettes. La première moitié du film nous montre la vie de ces trois personnages en les suivant depuis le matin jusqu’au moment de l’émission. Cette partie peut sembler un peu longue mais nous dresse un portrait de chacun. Le morceau de choix de 12h08 à l’est de Bucarest réside dans le débat qui occupe toute la seconde moitié du film, débat assez pittoresque qui ne déroule pas aussi bien que prévu. Le propos de Corneliu Porumboiu est sans aucun doute de montrer comment chacun modifie la réalité avec le temps, ce qui aboutit 16 ans plus tard à des versions totalement contradictoires de l’Histoire qui se charge ainsi de connotations parfaitement subjectives. Il relative aussi et désacralise un évènement historique majeur en montrant la diversité des motivations de chacun à manifester à l’époque des faits et en introduisant une bonne dose d’humour, par les coups de téléphone notamment et par le cadre rudimentaire de l’émission. Un film iconoclaste en quelque sorte.
Note :

Acteurs: Mircea Andreescu, Teodor Corban, Ion Sapdaru
Voir la fiche du film et la filmographie de Corneliu Porumboiu sur le site imdb.com.