Catégorie : Films des années 1960-1969

Elle :
Portrait ambigu et non dénué d’humour du sinistre Landru qui brûla en 1917 onze femmes après les avoir dépouillées de leurs biens. Chabrol ne prend pas vraiment position et s’interroge sur la réelle responsabilité de l’assassin et les atrocités de la guerre 14-18 générées par la société bien pensante de l’époque. La mise en scène est très stylisée et théâtrale avec des décors intérieurs peints. Malgré certaines longueurs, il faut noter l’excellente prestation de Charles Denner.
Note :

Lui :
Ce film est plutôt décevant ; dans la carrière de Chabrol, il semble que ce soit une sorte de commande. Le scénario est globalement traité assez platement et, côté acteur, Charles Denner force son jeu. La seule originalité est de présenter un Landru plutôt sympathique et pittoresque, et de sous-entendre que la violence de la société était à cette époque (guerre de 14) beaucoup plus forte. Mais, si ce genre de parti pris provocateur était suffisant en 1962 pour remarquer un film, ce n’est plus le cas actuellement et, avec le recul, ce film paraît moins intéressant.
Note :

Acteurs: Charles Denner, Michèle Morgan, Danielle Darrieux, Stéphane Audran, Hildegard Knef
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Elle :
Abandon au bout de 30mn. Film d’espionnage satirique que j’ai trouvé bien vieilli tant sur le plan de l’image que de l’histoire.
Note :

Lui :
Chabrol a plutôt bien réussi cette parodie des films d’espionnage. Les personnages de Marie-Chantal contre Docteur Kha sont assez extraordinaires, et on retrouve les acteurs favoris de Chabrol dans des rôles peu banals d’espions assez pittoresques. Il y a beaucoup de bonnes trouvailles de scénario, et aussi beaucoup d’humour dans les situations et les dialogues, un humour plus subtil que dans d’autres parodies de la même époque, comme par exemple Les Barbouzes. En prime, Chabrol nous gratifie de plusieurs scènes de type “hommage à Hitchcock”…
Note :

Acteurs: Marie Laforêt, Francisco Rabal, Serge Reggiani, Charles Denner, Akim Tamiroff, Roger Hanin, Stéphane Audran
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Elle :
C’est avec perfectionnisme, dextérité et humour tendre que Tati réalise un portrait au vitriol de notre société de consommation fascinée par l’Amérique des années soixante. Playtime est un travail de titan qui a nécéssité trois ans de tournage et neuf ans de préparation. Tati décrypte les codes, comportements et technologies de notre société moderne. Les personnages formatés marchent et tournent à angle droit, ont des gestes mécaniques, maîtrisent mal les machines ; les décors des couloirs, bureaux et immeubles de béton sont gris et tristes. Pas de couleur dans le monde de Tati sauf la fleuriste du carrefour avec ses fleurs. Un monde monochrome dans lequel les hommes parviennent toutefois à s’adapter et s’amuser notamment dans ce club où la soirée tourne à l’anarchie. Les masques tombent. Tati se laisse emporter par le flot de la vie sans chercher à le maîtriser. Un petit chef d’oeuvre d’humour dans ces scènes délirantes bourrées de gags visuels.
Note :

Lui :
Playtime est peut-être le film le plus abouti de Jacques Tati, celui qui condense ses films précédents tout en allant plus loin. Ses variations sur l’architecture moderne vont beaucoup plus loin que dans Mon oncle et il joue avec les lignes, les perspectives. Ce qui frappe le plus, c’est la perfection dans le rythme, dans les bruitages, les mouvements. Chaque scène est un tableau vivant, extrêmement riche le plus souvent, où il est difficile de tout remarquer tant les seconds plans portent d’éléments importants. Et il y a toujours cet humour à la Tati bien-sûr, tout en petites touches de dérision, de regards portés sur notre monde, des regards également plein de tendresse.
Note :

Acteurs: Jacques Tati, Rita Maiden, France Rumilly
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Elle :
Ce road-movie psychologique à la française met en scène Charles Vanel en banquier poursuivi par la justice et Jean-Paul Belmondo en secrétaire particulier. L’argent fait tourner à l’orage leur cohabitation initialement respectueuse. Jean-Pierre Melville, toujours fasciné par l’Amérique, soigne particulièrement la forme en jouant sur les couleurs chaudes, les lignes, les lumières et parvient à créer un véritable voyage déambulatoire grâce à des plans de paysages américains sans acteurs insérés au milieu de scènes tournées en France. On peut reprocher trop de temps morts ainsi que certaines incohérences de scénario.
Note :

Lui :
Ce face à face en forme de road-movie n’a pas la force que l’on pourrait en attendre, probablement parce que Melville semble manquer de précision, s’attacher plus à l’ambiance, aux travellings, qu’à la psychologie de ses deux personnages et au déroulé de son scénario. Au final, L’aîné des Ferchaux est peu froid et les acteurs semblent en retrait.
Note :

Acteurs: Jean-Paul Belmondo, Charles Vanel, Michèle Mercier
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Elle :
(pas vu)

Lui :
C’est un double portrait que Jean-Pierre Melville nous brosse dans Léon Morin, Prêtre, un double portrait qui pourrait n’en être qu’un seul, tant ces deux personnages se rejoignent, fusionnent. Il est bien entendu surprenant de voir Belmondo, qui sortait du succès d’A Bout de Souffle, incarner un prêtre (et de façon très crédible) mais ce personnage a indéniablement des points communs dans son caractère, son abnégation, sa volonté, avec les personnages de truands solitaires que Melville affectionne. Très belle prestation également d’Emmanuelle Riva. Le film n’est hélas pas sans quelques longueurs.
Note :

Acteurs: Jean-Paul Belmondo, Emmanuelle Riva
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Elle :
(pas (re)vu)

Lui :
Lino Ventura en truand décidé à décimer la « bande de cloportes » qui lui a fait porter le chapeau d’un casse lamentablement raté, voilà une bonne base pour un scénario haut en couleur, surtout avec des dialogues signés Audiard. Cependant, le film reste plusieurs crans en dessous des meilleurs du genre, à nul moment nous n’avons des envolées comparables à celles des Tonton Flingueurs ou autres Barbouzes par exemple et le film paraît donc avoir quelque peu vieilli.
Note :

Acteurs: Lino Ventura, Pierre Brasseur, Irina Demick, Charles Aznavour, Maurice Biraud
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Elle :
Cette curiosité anti-conformiste en avance sur son temps met en charpie l’ordre établi et les institutions. Un village, que les allemands veulent faire exploser, se vide de ses habitants… sauf l’asile d’aliénés. Les fous de l’asile envahissent les rues et habitations, se déguisent et recréent les institutions au gré de leur fantaisie. L’idée est originale, les personnages hauts en couleur. Je reprocherai certaines lenteurs et un humour qui a un peu vieilli.
Note :

Lui :
Le Roi de Coeur est un film assez étonnant, une sorte de fable anarchiste, antimilitariste ou plus simplement cocasse et farfelue. Une base de scénario assez remarquable permet à Philippe De Broca de recréer une société où les principales institutions et structures sociales sont représentées mais leurs règles ont volé en éclats… puisque la ville n’est tenue que par des « fous ». Et il en découle tout un tas de mini situations farfelues, comme une suite de jeux de rôles, où les fonctionnements habituels des rouages de la société sont détournés, retournés ou simplement ridiculisés. Sorti en 1966, il n’est pas étonnant que ce film ait reçu un mauvais accueil… en revanche, il me paraît plus étonnant qu’il n’ait pas été déterré dans les années soixante-dix.
Note :

Acteurs: Pierre Brasseur, Jean-Claude Brialy, Alan Bates, Geneviève Bujold, Julien Guiomar, Micheline Presle, Michel Serrault
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