Catégorie : Cinéma américain

Titre original : « The birth of a nation »
Premier titre original utilisé : « The clansman »

Lui :
Naissance d’une Nation est la première grande production du cinéma américain, marquant le début de la suprématie d’Hollywood sur le cinéma mondial, jusque là dominé par le cinéma français. C’est aussi l’un des films les plus litigieux de toute l’histoire du cinéma. Librement adapté de deux romans de propagande raciste de Thomas Dixon, le film de D.W. Griffith retrace la Guerre de Sécession et la reconstruction qui suivit avec une vision sudiste et ouvertement anti-noirs. Le Ku-Klux-Klan y est ainsi montré comme une réaction légitime et salutaire face à un nouvel ordre chaotique mis en en place par des noirs dévoyés et avides de pouvoir. Quand il est sorti, soit cinquante ans après la fin de la guerre civile, le film occasionna des émeutes à New-York et dans d’autres villes (1). Il a ensuite servi d’outil de propagande à une droite extrême pendant des dizaines d’années. Il faut donc le regarder en dépassant les aspects plutôt révoltants de son contenu.

Sur le plan cinématographique, Naissance d’une Nation est une révolution, pas tant par sa durée de 3 heures ou par la taille de sa production (2), mais surtout sur le plan artistique : c’est le premier grand film d’auteur. La création de scènes émotionnellement fortes, la ponctuation formée par les scènes historiques minutieusement reconstituées (l’assassinat de Lincoln au théâtre Ford, la bataille de Petersburg, l’incendie d’Atlanta, la reddition de Lee, etc…), la perfection du montage en font une œuvre à part entière et un grand spectacle dramatique (3). Le film comporte de nombreuses scènes de toute beauté. Naissance d’une Nation eut une influence considérable sur le cinéma américain et son développement (4). Il est étonnant de voir comment il conserve toute sa force aujourd’hui, presque un siècle plus tard.
Note :

Acteurs: Lillian Gish, Mae Marsh, Henry B. Walthall, Ralph Lewis, George Siegmann
Voir la fiche du film et la filmographie de David W. Griffith sur le site IMDB.

Voir les autres films de David W. Griffith chroniqués sur ce blog…

(1) Les incidents firent des blessés et même des morts. Du fait de la présence des troupes coloniales au front, le film ne sortira en France qu’après la guerre, en 1920 et largement coupé. Il n’est jamais sorti en Russie donc son influence sur le cinéma russe est probablement nulle malgré certaines affirmations. D.W. Griffith fut très affecté par les attaques portées contre lui : il tournera l’année suivante Intolérance pour se racheter et dans le film suivant, Coeurs du Monde, il montrera un soldat blanc et un soldat noir qui s’embrassent. A noter que Naissance d’une Nation est, comme plusieurs de ses films suivants, porteur d’un message anti-guerre très marqué, partie évidemment moins critiquable.

(2) Cabiria, film italien historique de Giovanni Pastrone sorti un an plus tôt, durait déjà presque trois heures. D’autre part, on sait aujourd’hui que les chiffres donnés à l’époque pour Naissance d’une Nation (18 mois de tournage, 18 000 figurants) étaient largement exagérés : le tournage n’a duré que 9 semaines et seulement 500 figurants ont été utilisés. Le résultat n’en est que plus remarquable…

(3) D.W. Griffith l’a lui-même précisé : aucun scénario n’a été écrit pour ce film (ni pour les suivants d’ailleurs). En revanche, les répétitions furent nombreuses. Les grandes scènes de bataille furent souvent tournées en une journée (à l’emplacement des futurs Studios Universal), les costumes furent en grande partie faits par la mère de Lillian Gish. A noter que tous les premiers rôles de noirs furent tenus par des blancs, grossièrement grimés.

(4) Les coûts de production ont été de l’ordre de 110 000 dollars (soit environ 1,5 millions d’euros d’aujourd’hui), Griffith ayant investi toute sa fortune personnelle. Alimenté par le scandale, le succès du film aurait généré au moins 20 à 50 fois cette somme. C’est le premier film où les salles ont pratiqué un prix majoré des places (2$ de l’époque, soit 25/30 euros d’aujourd’hui). Le film a ouvert les portes pour une vraie industrie : la création des grands studios est intervenue dans les 5 ou 10 années qui suivirent.

Remarques :
* Le membre du Congrès nommé Stevenson dans le film représente l’homme politique Thaddeus Stevens, leader de l’aile radicale du parti républicain pendant et après la guerre de Sécession.
* C’est Raoul Walsh, le réalisateur, qui interprète le rôle de John Booth, l’assassin de Lincoln. Il s’est réellement fait très mal en sautant du balcon, c’est la raison pour laquelle il boite ensuite en s’éloignant. Il n’y eut qu’une seule prise…

Durée :
185 à 190 min pour la version originale et celle disponible couramment en DVD.
Il existe une version video de 125 min, également retranscrite sur certains DVD.
Toutes les versions disponibles n’ont pas les teintes d’origine (certaines scènes de guerre étaient teintées en rouge par exemple, cette teinte a d’ailleurs mal vieilli, de nombreuses autres scènes sont teintées en ambre, en bleu ou en violet).

Lui :
Pendant la guerre de 1914, une chanteuse anglaise célèbre est en réalité une espionne allemande. Elle doit rencontrer un pilote anglais en France pour lui soutirer des informations. Le thème de Darling Lili est donc proche de Mata Hari mais le traitement par Blake Edwards est assez particulier. En fait, il semble vouloir mêler tous les genres en un seul film : espionnage, comédie, aventure, mélodrame sentimental et même comédie musicale, tout cela devant formant une super production dont le budget a quelque peu explosé en cours de route. Darling Lili paraît au final un film trop hétéroclite et aux influences nombreuses. Il y a pourtant de bons passages mais le côté sentimental semble un peu trop appuyé et les chansons un peu longues. A la décharge de Blake Edwards, il faut savoir que le montage du réalisateur ne faisait que 107 minutes et mettait beaucoup plus l’accent sur le comique et la voltige aérienne. Hélas Paramount rallongea l’ensemble de plus de vingt minutes. Il est évident qu’il ne se passe rien entre Julie Andrews et Rock Hudson. L’alchimie n’a pas fonctionné. Laminé par la Critique à sa sortie, le film connut un échec retentissant. Il a aujourd’hui des défenseurs.
(Film vu ici dans sa version commerciale de 136 minutes. Si cela est possible, il faut certainement mieux visionner la version de 107 minutes qui est disponible sur le DVD américain).
Note :

Acteurs: Julie Andrews, Rock Hudson, Jeremy Kemp, Jacques Marin, André Maranne, Vernon Dobtcheff
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Remarques :
a) La production ayant prévu de tourner entre autres à Paris en juin 1968 dut se déplacer à Bruxelles à cause des évènements de Mai 68. La « gare parisienne » est ainsi le hall du Palais de Justice de la capitale belge.
b) Les scènes de combats aériens, assez réussies et spectaculaires, furent tournées par une autre équipe en Irlande.
c) Blake Edwards a épousé Julie Andrews peu avant la sortie du film. On comprend donc pourquoi Darling Lili la met si bien en valeur.
d) Ses déboires avec les Studios sur Darling Lili ont inspiré Blake Edwards quand il tournera S.O.B. plus de dix ans plus tard.

Elle :
Two lovers est un film magnifique tant pour sa beauté visuelle qu’émotionnelle. C’est un film d’une grande intensité sur la façon d’aimer ; soit on choisit son destin, soit on se le laisse imposer un schéma par sa famille sécurisante. Léonard hésite entre Sandra, une femme rassurante et aimante et Michelle, une femme imprévisible et éblouissante. La vie toute tracée et l’amour sage ou le risque accompagné de la fulgurance de l’amour. Les ambiances nocturnes sont sublimes, les déambulations dans New York sont presque déchirantes. Joaquin Phoenix impose la forte présence d’un homme chez qui tout peut basculer. Gwyneth Paltrow et Vinessa Shaw sont également émouvantes. L’amour et la tendresse filtrent de l’image à chaque plan.
Note :

Lui :
Revenu vivre chez ses parents après une rupture douloureuse, Leonard va devoir choisir entre un amour raisonnable et une passion plus instable. Avec Two Lovers, James Gray délaisse (enfin) le monde de la Mafia pour nous livrer un mélodrame sentimental de toute beauté. Ses personnages ont une telle profondeur, il y a tant d’intensité dans cette histoire d’amour à plusieurs facettes que le film ne semble jamais nous lâcher ; aucun temps mort, aucune scène ne paraît plus faible qu’une autre. Joaquim Phoenix livre une interprétation très riche, empreinte d’une forte sensibilité. Gwyneth Paltrow, que l’on a l’habitude de voir dans rôles plus futiles, est à la fois resplendissante et tourmentée. La photographie est très belle, James Gray montre tout son talent dans les scènes de nuit à New York, de superbes images mise en parfaite harmonie avec la musique, et aussi dans les scènes d’intérieur, souvent en demie pénombre, focalisant notre attention par un subtil jeu de lumières. Que ce soit sur le contenu ou sur la forme, Two Lovers est vraiment du grand cinéma.
Note :

Acteurs: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw, Moni Moshonov, Isabella Rossellini, Bob Ari
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Titre original : « One, Two, Three »

Lui :
Le directeur de la branche berlinoise de Coca-Cola voit sa carrière mise en péril par les frasques de la fille de son patron. Il va tout mettre en œuvre pour réparer les dégâts et sauver la face…
La malchance a voulu que Un, Deux, Trois sorte en salles peu après l’édification du mur de Berlin. Le film connut un bide retentissant car plus personne n’avait envie de rire de la coexistence Est-Ouest. Le film fut ensuite boudé pendant de longues années, accusé d’anti-communisme primaire. Il fallu attendre sa ressortie dans les années quatre-vingts pour qu’il soit considéré à sa juste valeur, c’est à dire comme une comédie totalement débridée, dotée d’un comique dévastateur enlevé à un rythme d’enfer. La satire est très appuyée, tout est caricaturé à l’extrême, les communistes sont dans le dénuement le plus total et bavent devant l’Occident, les allemands sont disciplinés, se mettent tout le temps au garde à vous et claquent des talons (et il n’en faut pas beaucoup pour que le salut hitlérien ressorte) et les américains sont arrivistes ou parfaitement idiots. Les gags se succèdent sans aucun temps mort, c’est très rapide (1) et le rythme accélère encore vers la fin du film, franchement trépidante. James Cagney, ici dans son dernier grand rôle (2) est d’une vitalité étonnante. Même s’il est habitué aux débits rapides, sa performance force l’admiration. Les nombreux seconds rôles apportent une bonne dose d’humour, la palme revenant à mes yeux à Schlemmer (Hanns Lothar) l’homme à tout faire allemand, incorrigible claqueur de talons… Sachant ne jamais tomber l’excès, Un Deux Trois est une petite merveille d’humour et de caricature.
Note :

Acteurs: James Cagney, Horst Buchholz, Pamela Tiffin, Hanns Lothar, Leon Askin, Karl Lieffen
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James Cagney et Pamela Tiffin dans Un, deux, trois (One Two Three) de Billy Wilder

(1) James Cagney raconte dans son autobiographie que lorsqu’il a reçu le scénario il était précédé d’une note de Billy Wilder qui disait : « Ce projet va nous demander d’être à 100 à l’heure dans les virages et à 160 dans les lignes droites ».
(2) James Cagney dit n’avoir jamais vu le film fini. Après Un Deux Trois, il ne fera qu’une apparition dans un seul film, bien plus tard, Ragtime de Milos Forman (1981).
A noter, les clins d’œil à sa longue carrière :
a) il menace le jeune Otto avec un pamplemousse, allusion à la scène la plus célèbre de  Public Enemy, son premier grand film, trente ans plus tôt…
b) quand le chef des MP lui répond, il le fait en imitant ses tics et sa voix dans ses films de gangster des années trente…
c) Après la visite du médecin, il dit la phrase « Is this the end of Rico? », c’est la célèbre dernière phrase d’Edward G. Robinson dans Little Caesar, film concurrent de Public Enemy, tous deux de 1931…
d) plus difficile à repérer : l’horloge est un coucou qui chante Yankee Doodle Dandy, titre d’un film très connu de Michael Curtiz (1942) dans lequel joue James Cagney.

Anecdote :
L’équipe de production du film se laissa surprendre par la construction (soudaine) du mur :  les scènes se déroulant à la Porte de Brandebourg n’avaient pas toutes été tournées. Il fallut donc en construire une réplique en studio.

Pamela Tiffin, Horst Buchholz et James Cagney dans Un, deux, trois (One Two Three) de Billy Wilder

Titre original : « Ladyhawke »

Lui :
Au XIIIe siècle, un jeune voleur parvient à s’évader du donjon de l’évêque d’Aquila. Rattrapé par la garde lancée à sa poursuite, il est sauvé par un chevalier solitaire accompagné d’un faucon qui semble avoir une grande importance pour lui. L’histoire en elle-même de Ladyhawke est assez belle, elle évoque les grandes légendes. Edward Khmara l’avait écrite dans un pur style heroic-fantasy mais Richard Donner l’a faite réécrire en gommant tous animaux fantastiques. L’histoire semble ainsi plus réelle. La photographie de Vittorio Storato est superbe (1). On ne peut hélas en dire autant de la musique qui est… épouvantable, sorte de rock symphonique qui vient gâter le bel édifice (2). Le jeune Matthew Broderick est ici dans un de ses tous premiers rôles, Michelle Pfeiffer est d’une grande beauté, comme le demande le rôle.
Note :

Acteurs: Matthew Broderick, Rutger Hauer, Michelle Pfeiffer, Leo McKern, John Wood, Alfred Molina
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(1) Vittorio Storato est un talentueux directeur de la photographie italien auquel on doit également les images d’Apocalypse Now, Le dernier Empereur, Reds, Tucker, …
(2) La musique est signée Andrew Powell qui est l’arrangeur d’Alan Parsons qui a d’ailleurs produit la musique. C’est étonnant que le résultat soit si désastreux : même si j’avoue n’avoir jamais été un grand fan d’Alan Parsons Project, la musique de Ladyhawke m’a semblée être un ton nettement en dessous.

Anecdote :
La Warner prétendant dans toute sa communication que Ladyhawke était basé sur une authentique légende du XIIIe siècle, Edward Khmara s’est plaint auprès de la Writers Guild Association. La Warner a reconnu ses torts et a octroyé des dommages à l’auteur mais a ensuite continué à clamer que l’histoire était basée sur une légende médiévale… 

Lui :
Un industriel qui disparaît, une enquête policière qui tourne en rond, c’est dans ces circonstances que Klute, un ami de la famille, est chargé d’enquêter. Sa seule piste : une lettre obscène que le disparu aurait envoyé à une call-girl new-yorkaise. Il s’agit donc d’une histoire de maniaque sexuel mais ce n’est pas le scénario qui rend Klute si original. Dans le prolongement de  la décennie des années soixante qui a vu naître un ton nouveau dans les films policiers et d’enquête, Pakula prend certaines libertés avec les codes habituels pour les dépasser ; il rend le climat plus réaliste, dans le sens proche de la réalité, et donne une vraie dimension psychologique à ses personnages principaux. Donald Sutherland interprète un enquêteur mélancolique et obstiné qui est bien plus qu’un simple enquêteur et Jane Fonda insuffle beaucoup d’humanité dans cette call girl, la rendant ainsi très proche de nous. Il faut ajouter un traitement particulier à la photographie, avec une certaine exacerbation des contrastes et des placements de caméra originaux. Malgré son scénario conventionnel, Klute est ainsi un film assez franchement novateur.
Note :

Acteurs: Jane Fonda, Donald Sutherland, Charles Cioffi, Roy Scheider
Voir la fiche du film et la filmographie de Alan J. Pakula sur le site IMDB.

Klute préfigure deux autres grands films d’enquête de Pakula, dans un registre plus politique toutefois : A cause d’un assassinat (The Parallax view) en 1974 et Les hommes du Président (All the President’s Men) en 1976.

Titre original : « The flame of New Orleans »

Lui :
Aux alentours de 1850, une mystérieuse et ensorceleuse aventurière arrive à La Nouvelle Orléans avec la ferme intention d’épouser l’homme le plus riche de la ville. Elle se dit comtesse et se fait aider par sa femme de chambre pour échafauder de fins stratagèmes. La Belle Ensorceleuse est le premier film que René Clair tourna pendant la guerre aux Etats-Unis. Il est souvent présenté comme étant plaisant mais mineur. Plaisant, il l’est, c’est indéniable, évoquant même par son ton le style Lubitsch, avec un bon rythme, des dialogues relevés et une bonne dose d’humour. Mineur, ce n’est pas si sûr, car non seulement il résiste très bien à l’épreuve du temps mais encore il est de mieux en mieux considéré avec le temps qui passe. Le scénario est intelligent et finement élaboré, le style est élégant, empreint d’un marivaudage bien français, l’ensemble est léger et amusant. Marlene Dietrich est bien entendu au centre de toutes les attentions, toujours resplendissante. A noter une belle prestation (en femme de chambre noire) de Theressa Harris, éternel faire valoir des plus grandes stars, et aussi de Bruce Cabot. La Belle Ensorceleuse est un film qui vaut la peine d’être découvert.
Note :

Acteurs: Marlene Dietrich, Bruce Cabot, Roland Young, Mischa Auer, Andy Devine, Theresa Harris
Voir la fiche du film et la filmographie de René Clair sur le site IMDB.

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Titre original : « Blonde Venus »

Lui :
Une ex-chanteuse de cabaret accepte de reprendre son ancien métier pour pouvoir payer une cure qui peut sauver son mari gravement atteint par des rayons X. Entretenue par un jeune et riche protecteur, elle doit fuir pour pouvoir rester avec son enfant lorsque revient le mari. L’histoire est à la base assez faible, peu crédible même. Sternberg voyait là surtout un moyen de montrer Marlene Dietrich, dont il était amoureux, sous plusieurs visages et aussi de lui donner une vraie dimension d’acrice dramatique : elle est ainsi tour à tour naïade nue, épouse parfaite, mère dévouée d’un jeune garçon, femme fatale, prostituée, meneuse de revue, riche élégante, fauchée au bout du rouleau, etc… C’est certainement un peu beaucoup pour un seul film et l’ensemble paraît inévitablement plutôt décousu. Blonde Venus est marqué par deux grands numéros musicaux de Marlene : Hot Voodoo où, déguisée en gorille, elle retire sa combinaison (contraste étonnant quand apparaissent ses mains) et enfile une perruque à la Harpo Marx… et I could not be annoyed où Sternberg joue à nouveau sur l’ambiguïté des sexes, dans un registre beaucoup plus élégant que pour l’Ange Bleu puisque Marlene Dietrich a un superbe smoking blanc avec haut de forme de la même couleur. Cela ne suffît pas : Blonde Venus n’eut aucun succès. On peut supposer que la vision de Marlene Dietrich en ménagère dérouta le public… A noter la présence d’un jeune acteur dans son premier grand rôle, Cary Grant.
Note :

Acteurs: Marlene Dietrich, Herbert Marshall, Cary Grant, Dickie Moore
Voir la fiche du film et la filmographie de Josef von Sternberg sur le site IMDB.

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Remarques:
1) En plus de jouer son rôle, Cary Grant vendait des chemises sur le plateau pour arrondir ses fins de mois. « Il est si charmant que tout le monde lui en achète » précise Marlene Dietrich. Cary Grant avait été découvert par Mae West qui était, elle aussi, sous contrat à la Paramount.

2) La fille de Marlene Dietrich raconte que c’est elle-même qui avait suggéré à sa mère de faire briller les revers du smoking pour qu’ils ressortent sur le blanc. Elle avait alors à peine 8 ans. « Le début d’une longue collaboration » ajoute-t-elle (Marlene Dietrich concevait elle-même beaucoup de ses robes).

3) La scène d’ouverture où l’on voit six jeunes baigneuses (dont Marlene Dietrich) entièrement nues, imparfaitement masquées par les branches d’un saule pleureur, est étonnante. Elle a beau rester assez chaste, elle n’aurait probablement pas passé la censure du Code Hays ne serait-ce que deux ans plus tard. C’est en tout cas une scène extrêmement poétique pour du Sternberg.

4) Fait suffisamment rare pour être noté, l’excellent et séduisant acteur anglais Herbert Marshall était unijambiste, ce qui n’est le plus souvent guère visible à l’écran, tout au plus remarque-t-on qu’il boîte.

Titre original : « Wild River »

Elle :
(pas vu)

Lui :
Dans les années trente, au moment de la construction de grands barrages sur le fleuve Tennessee surnommé « le fleuve sauvage » à cause de ses crues fréquentes et meurtrières, un jeune ingénieur est chargé par l’Administration d’aller convaincre une vieille femme qui refuse de vendre sa terre. Il s’agit en réalité d’une petite île sur laquelle elle vit avec sa famille et de nombreux ouvriers agricoles noirs. Dans cet affrontement entre l’intérêt collectif et l’individualisme, le plus étonnant est qu’Elia Kazan ne prend pas partie. Il ne prend, en tout cas, certainement pas le chemin que l’on pensait le voir prendre (il a souvent mis en avant des personnages forts et un certain individualisme). Le Fleuve Sauvage est ainsi un film complexe. Il est avant tout profondément humaniste. Le personnage principal, brillamment interprété par Montgomery Clift, peut paraître fade au tout premier abord mais révèle ensuite une profondeur étonnante. Très belle interprétation également de Lee Remick qui montre beaucoup de présence à l’écran tout en ayant un jeu assez retenu. Il y a aussi dans Le Fleuve Sauvage un lyrisme peu coutumier au réalisateur, lyrisme inspiré par cette nature sauvage qui semble l’inspirer. Le film déconcerta le public à sa sortie. Il reste aujourd’hui encore mal connu, assez injustement.
Note :

Acteurs: Montgomery Clift, Lee Remick, Jo Van Fleet, Albert Salmi, Frank Overton
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Elle :
Impossible de pénétrer dans cet univers étouffant (abandon).
Note :

Lui :
Dès le début de There will be blood, Paul Thomas Anderson ne ménage pas ses effets pour mettre le spectateur mal à l’aise : climat lourd d’imminence de catastrophe, peu de dialogues, musique dissonante et décalée… Le réalisateur appuie très fort sur la pédale et il le fera durant toute cette histoire de pionnier du pétrole californien afin de le rendre hautement haïssable à nos yeux. Daniel Day-Lewis franchit très souvent la ligne jaune et surjoue inutilement son personnage. En plus (ou du fait) de ce manque de subtilité, l’histoire apparaît plutôt ennuyeuse : ce face à face entre la frénésie de l’argent et le fanatisme religieux manque singulièrement de texture et de matière. Le film s’étire et paraît interminable.
Note :

Acteurs: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Dillon Freasier, David Warshofsky
Voir la fiche du film et la filmographie de Paul Thomas Anderson sur le site IMDB.

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