Catégorie : Films des années 1930-1939

Elle :
(pas vu)

Lui :
En 1917, un prince russe échappe de peu à la révolution. Il s’enfuit de Moscou avec l’une de ses servantes jusqu’à Constantinople où il doit travailler pour survivre. Scarlet Dawn est un film très court, il fait partie des très nombreux films que William Dieterle tourna pour la Warner après son arrivée à Hollywood. La reconstitution est assez soignée, que ce soit à Moscou ou en Turquie, avec décors souvent somptueux dus à Anton Grot. Douglas Fairbanks est on ne peut plus séduisant, il permet de faire passer un léger érotisme sous-jacent ; l’histoire est assez riche en évènements. Pourtant, Scarlet Dawn laisse le spectateur sur un sentiment plutôt mitigé, probablement du fait du déroulement du scénario : alors qu’il est très soutenu dans sa première moitié, notamment lors des évènements en Russie, le rythme devient ensuite plus inégal, semblant subir de brusques ralentissements et accélérations. La fin paraît précipitée, voire un peu brouillonne. Film plutôt rare, Scarlet Dawn reste toutefois intéressant à découvrir.
Note :

Acteurs: Douglas Fairbanks Jr., Nancy Carroll, Lilyan Tashman, Guy Kibbee, Sheila Terry
Voir la fiche du film et la filmographie de William Dieterle sur le site IMDB.

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Elle :
(pas vu)

Lui :
Film méconnu de William Dieterle, The Crash met en scène une histoire se situant en pleine crise boursière de 1929. Une jeune femme ambitieuse et nouvellement riche est terrorisée à l’idée de redevenir pauvre. Survient une chute boursière sans précédent qui ruine son mari. Le sujet est assez inhabituel car il traite de la fascination de l’argent, de la frénésie qu’il provoque (les domestiques écoutent aux portes pour faire eux-mêmes des coups en bourse) et du comportement des nouveaux riches. Malgré la richesse (!) du sujet, le film manque globalement de force, The Crash semble avoir été conçu et tourné très rapidement. Le scénario manque d’étoffe et, si Ruth Chatterton donne beaucoup de crédibilité à son personnage, on ne peut pas en dire autant hélas de George Brent qui semble vraiment absent. Très court (58 minutes), The Crash se regarde certes sans déplaisir mais il faut bien reconnaître qu’il ne laissera que peu de traces. C’est une curiosité intéressante toutefois car il acquiert une nouvelle résonance aujourd’hui : nous pouvons faire certains parallèles avec notre société actuelle…
Note :

Acteurs: Ruth Chatterton, George Brent, Barbara Leonard, Henry Kolker
Voir la fiche du film et la filmographie de William Dieterle sur le site IMDB.

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Homonymes :
* The Crash de Edward F. Cline (1928), film encore plus rare mais décrit comme peu remarquable (le crash en question est un crash ferrovière).
* Crash de David Cronenberg (1996) avec James Spader et Holly Hunter.
* Crash (titre français : Collision) excellent film de Paul Haggis (2004) avec Don Cheadle et Matt Dillon.

Elle :
(pas vu)

Lui :
Shanghai Express fait partie des sept films que Marlene Dietrich tourna sous la direction de Sternberg entre 1930 et 1935 et qui la hissèrent au niveau des plus grandes stars d’Hollywood. Shanghai Express est celui qui rencontra le plus grand succès populaire à l’époque. On y retrouve cette note d’exotisme dont Sternberg aimait entourer son actrice fétiche. Dans une Chine en pleine guerre civile, un petit groupe d’occidentaux montent dans un train à destination de Shanghai. Parmi eux, une femme à la réputation sulfureuse, surnommée Shanghai Lily, attire les regards et les réprobations. Du fait de la situation politique troublée, le voyage ne va pas se dérouler sans évènements… Josef von Sternberg a tourné son film entièrement en studio dans lesquels il a recréé des environnements limités mais empreints d’une forte atmosphère. Le début du film, avec le départ du train et sa traversée délicate de la ville surpeuplée où il emprunte des rues étroites, est remarquable. On peut sans aucun doute lui reprocher de nous présenter une Chine un peu caricaturale, du moins pleine des clichés de l’époque, mais il parvient à créer une ambiance toute particulière ; les éclairages y sont pour beaucoup, notamment dans les scènes à l’intérieur du train. Sur une trame de troubles politiques, le thème central du film reste celui d’un amour tumultueux, des retrouvailles difficiles entre deux anciens amants qui ne savent exprimer leurs sentiments. Si le personnage interprété par Clive Brook peut paraître un peu guindé voire terne (mais il crée un contrepoint parfait, tout à fait dans son époque), c’est bien entendu Marlène Dietrich qui crève l’écran, avec une présence magistrale, méritant plus que jamais son qualificatif de mythe cinématographique, et magnifiée par des robes époustouflantes et des éclairages de toute beauté. Que l’histoire ne soit guère crédible, comme il a parfois été reproché, passe au second plan : Shanghai Express reste une de ces petites merveilles quasiment atemporelles qui se regarde toujours aujourd’hui avec un grand plaisir.
Note :

Acteurs: Marlene Dietrich, Clive Brook, Anna May Wong, Warner Oland
Voir la fiche du film et la filmographie de Josef von Sternberg sur le site IMDB.
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Remarke :
Peking Express de William Dieterle (1951) avec Joseph Cotten

Les sept films de Josef von Sternberg avec Marlene Dietrich :
L’angle Bleu (Der blaue Engel) (1930)
Coeurs Brûlés (Morocco) avec Gary Cooper (1930)
Agent X27 (Dishonored) (1931)
Shanghai Express (1932)
Blonde Vénus (Blonde Venus) avec Cary Grant (1932)
L’Impératrice Rouge (The Scarlet Empress) (1934)
La femme et le pantin (The devil is a woman) (1935)

Elle :
(pas vu)

Lui :
Female est vraiment une belle petite curiosité. Le scénario et son traitement fleurent bon la liberté de ton qui régnait à Hollywood avant que le code Hays impose ses lois de bonne moralité. La jeune et jolie Alison Drake dirige d’une main de fer la grande compagnie de construction automobile qu’elle a hérité de sa famille. Aucun obstacle ne l’arrête et elle pousse ses employés à vendre toujours plus. Certains d’entre eux sont parfois invités le soir chez elle pour « finir une réunion ». Adapté d’un roman, le scénario joue donc sur l’inversion des genres et on imagine aisément qu’il y avait là de quoi choquer à l’époque (on peut toutefois se demander si les ligues de vertu qui s’indignèrent à la sortie du film protestaient pareillement devant les films qui montraient des directeurs-homme séduire leurs secrétaires…) Il faut dire que Female va assez loin car son héroïne est ouvertement sexiste et dénigre allègrement les schémas traditionnels, par exemple quand elle déclare que « une femme amoureuse est pitoyable »… Tout cela est d’autant plus délicieux que l’ensemble est souligné par de constantes petites touches d’humour. Le film est particulièrement court, moins de soixante minutes, et le rythme est enlevé. Bref, on dirait presque du Lubitsch… Il faut souligner la remarquable performance de Ruth Chatterton qui interprète avec une grande aisance toutes les facettes de son personnage. Produit par Henry Blanke de la First National, le film aura vu trois réalisateurs se succéder à la suite d’empêchements divers. Les décors Art déco sont remarquables, notamment le domicile d’Alison (1). Malgré une fin bâclée (2), Female est un petit bijou, il est remarquable de voir la qualité d’une telle comédie souvent considérée comme assez mineure.
Note :

Acteurs: Ruth Chatterton, George Brent, Lois Wilson, Johnny Mack Brown, Ferdinand Gottschalk
Voir la fiche du film et la filmographie de Michael Curtiz sur le site imdb.com.

(1) Les extérieurs de la maison sont en réalité ceux de l’Ennis House, vaste demeure dessinée par Frank Lloyd Wright en 1923 et située près de Los Angeles (voir photos). L’intérieur est tout autre, dans le pur style Art déco. La superbe piscine est celle qui venait d’être utilisée pour un ballet aquatique de Footlight Parade quelques mois plus tôt. A noter que le thème musical, que l’on entend plusieurs fois sous des formes diverses quand Alison séduit ses amants d’un soir, est le thème de la chanson Shanghai Lil du même Footlight Parade.
(2) Pour calmer les esprits moralistes, à la fin du film, la belle Alison rentre dans le rang et devient une femme classique (elle promet d’avoir neuf enfants!)… mais cette fin est tellement bâclée et rocambolesque que l’on n’y croit pas une seconde.

Titre original : « The petrified forest »

Elle :
(pas vu)

Lui :
Un jeune intellectuel arrive à pied dans une station-service isolée en plein désert de l’Arizona. Il lie connaissance avec la fille de la maison qui rêve de poésie et de partir en France. La radio annonce que le gangster Duke Mantee est en cavale dans la région. La Forêt Pétrifiée reprend une pièce de Robert Sherwood que Leslie Howard et Humphrey Bogart interprétaient à Broadway (1). Cette pièce, puis le film, furent un tremplin pour la carrière de Bogie qui était jusque-là cantonné à des rôles sans saveur d’adolescents (il avait pourtant plus de trente ans…) Il n’a qu’un rôle secondaire mais son entrée dans le café est assez mémorable : il montre dès les premières secondes une remarquable présence à l’écran qui ne faiblit plus ensuite. La mise en scène d’Archie Mayo est assez plate, il s’agit vraiment d’une pièce filmée, mais l’histoire possède une force certaine que Leslie Howard et Bette Davis parviennent parfaitement à transmettre. Démarrant gentiment, l’histoire monte en intensité et la tension est assez forte dans son dernier tiers avec une fin franchement dramatique (2). Grâce à son scénario et à la profondeur des personnages, La Forêt Pétrifiée est un beau huis clos qui se révèle franchement prenant.
Note :

Acteurs: Leslie Howard, Bette Davis, Dick Foran, Humphrey Bogart, Genevieve Tobin
Voir la fiche du film et la filmographie de Archie Mayo sur le site IMDB.
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(1) La Warner voulait au départ donner le rôle de Duke Mantee à Edward G. Robinson. Leslie Howard menaça alors de refuser le rôle si Humphrey Bogart était écarté. Bogie lui en garda une éternelle reconnaissance : « Sans lui, je serais peut-être encore en train de me maquiller dans les loges de New York » déclara t-il plus tard. En 1952, lui et Lauren Bacall appelleront leur fille Leslie.
(2) Une fois le film achevé, les studios firent tout pour imposer une fin plus heureuse, moins dramatique. Heureusement, Leslie Howard insista pour que la fin reste celle de la pièce.

Remarques :
* Si La Forêt Pétrifiée a révélé Humphrey Bogart, l’acteur devra attendre encore cinq ans et vingt-huit films (!) pour se voir confier un rôle avec une certaine épaisseur (High Sierra de Raoul Walsh en 1941).
* En 1955, donc peu avant sa mort, Humphrey Bogart reprendra le rôle de Duke Mantee pour une version télévisée de The Petrified Forest, avec Henry Fonda et Lauren Bacall. Bogart voyait là un moyen de préparer le public à son prochain film The Desperate Hours (La Maison des étrangers, 1955) dans lequel il prend un groupe de personnes en otage comme Duke Mantee.

Titre original : « Scarface, shame of a nation »

Elle :
(pas vu)

Lui :
Public Enemy, Little Caesar et Scarface sont les trois grands films de biographie de gangster du tout début des années trente. Contrairement à ses deux prédécesseurs, Scarface est une production indépendante : Howard Hughes avait acheté les droits d’un livre d’Armitage Trail mais Howard Hawks et Ben Hecht ont réécrit l’histoire en ne gardant pratiquement rien du livre. L’idée de Hawks était de décrire la montée d’Al Capone « comme s’il s’agissait des Borgia venus s’installer à Chicago ». De fait, on retrouve dans le traitement de l’histoire un certain côté de tragédie, notamment par l’introduction des éléments incestueux de l’histoire des Borgia.

La succession de meurtres et l’absence de jugement moral ne plut guère à la censure de l’époque et la sortie du film fut retardée de plusieurs mois et ne put se faire qu’après avoir tourné une nouvelle fin (1), coupé plusieurs scènes, ajouté un avertissement musclé en prologue (2) et accolé le sous-titre « Honte de la nation ». Ces interdictions peuvent faire sourire aujourd’hui où notre tolérance à la violence est bien plus grande (par exemple, la violence dans le remake de Scarface de De Palma en 1983 est sans aucune mesure) mais l’effet à l’époque était assez fort : ainsi, malgré l’énorme succès populaire, Hollywood prit l’engagement de ne plus tourner un tel déploiement de sauvagerie (4). Pourtant, le recul permet de se rendre compte que Scarface est l’un des films de gangsters qui fait le moins l’apologie du crime. Hawks ne rend pas son personnage sympathique, en revanche il réussit à donner à son personnage une dimension qui appartient à la tragédie et fait de Scarface un film totalement à part.
Note :

Acteurs: Paul Muni, Ann Dvorak, George Raft, Karen Morley, Boris Karloff
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(1) La fin originelle montrait Scarface abattu par la bande rivale. Elle fut interdite. Hawks en tourna une autre, celle que l’on peut voir actuellement. Toujours insatisfait, le comité de censure exigea de retourner une fin où il était jugé puis pendu. Cette version (où une doublure vue de dos a été utilisée à la place de Paul Muni) a été commercialisée bien qu’entre temps Howard Hughes ait réussi à faire rétablir la seconde fin, la plus puissante, qui donne un petit côté de héros romantique à Scarface du fait de cet amour incestueux impossible.
(2) Cet avertissement trouve un prolongement par une scène au milieu du film où quelques notables réunis dans le bureau d’un directeur de journal réclame l’intervention de l’armée et une législation sur les armes. Cette scène fut ajoutée sur ordre du comité de censure.
(3) Avant Scarface, Georges Raft était surtout un danseur mondain dans les cafés. Voyant son manque d’expérience d’acteur et ses postures figées, Howard Hawks eut l’idée de lui faire lancer une pièce de monnaie en l’air. Cette image est restée célèbre et a été maintes fois copiée, y compris (paraît-il…) par de vrais gangsters.
(4) Dans son livre sur le Film Noir (1979), François Guérif parle de Scarface en ces termes : « Scarface aura été le plus grand film de gangster en même temps que leur chant du cygne. Le destin tragique du gangster allait laisser la place à l’éloge de la loi et de ceux qui la défendent. »
(5) Les journaux de l’époque ayant l’habitude de montrer les emplacements de cadavres par un X sur les photos, Howard Hawks s’est amusé à placer de nombreux X dans tout le film, à commencer par la toute première image du générique. Ensuite, à chaque fois qu’il y a un mort, il y a un X quelque part dans l’écran, un croisillon, un X sur une feuille de score, etc…

Remake :
Scarface de Brian De Palma (1983) avec Al Pacino.

Titre original : « Bringing up Baby »

Elle :
(pas vu)

Lui :
Alors qu’il doit rencontrer un mécène pour son musée, un paléontologue timide et emprunté (Cary Grant) bute en chemin sur une jeune femme fantasque et excentrique (Katharine Hepburn) qui l’entraîne dans des aventures assez extravagantes… L’impossible Monsieur Bébé est l’une des meilleures comédies d’Howard Hawks. Délicieusement farfelue, elle repose sur le heurt de deux tempéraments opposés : le paléontologue voit une véritable tornade arriver dans son monde rangé et ordinairement calme. Nous, spectateurs, sommes rapidement emportés dans une succession rapide de dialogues et de situations où l’humour est omniprésent avec un très beau maniement de l’absurde. De nombreuses scènes (comme celle du restaurant, ou toute la fin dans le commissariat) sont jubilatoires. Contrairement à Cary Grant qui avait déjà une bonne pratique de la comédie, L’impossible Monsieur Bébé est le premier film vraiment comique de Katharine Hepburn mais cela ne se sent que très peu ; il faut dire ce rôle de femme très décidée et conquérante lui sied à merveille. Le film est aussi parfaitement soutenu par de beaux seconds rôles, avec au premier rang Charles Ruggles qui nous campe un flegmatique Major Applegate très pittoresque (il faut le voir imiter le cri du léopard…) Au vu d’un ensemble si parfait, il est bien difficile de comprendre pourquoi L’impossible Monsieur Bébé connut un tel insuccès à sa sortie ; ce fut à tel point qu’Howard Hawks fut remercié par la RKO et que Katharine Hepburn préféra casser son contrat vu les rôles que le studio lui proposait ensuite… (1)  Les opinions ont bien changé depuis car L’impossible Monsieur Bébé est considéré aujourd’hui comme l’un des sommets de la comédie américaine des années 30, ce genre que l’on nomme aussi la screwball comedy.
Note :

Acteurs: Katharine Hepburn, Cary Grant, Charles Ruggles, Walter Catlett, May Robson
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(1) Après le départ de Katharine Hepburn (pour se libérer, elle n’hésita pas à racheter son contrat), la RKO l’affubla du surnom « box-office poison » (= briseuse de succès), surnom qui l’a suivi même après que le succès de Philadelphia Story (Indiscrétions) ne soit venu le démentir…