Catégorie : Cinéma français

Titre original : « L’empreinte de l’ange »

Lui :
A la fin de L’Empreinte, on se dit qu’une telle histoire est vraiment improbable et c’est à ce moment précis qu’un carton précise qu’elle est inspirée d’un fait réel (survenu aux Etats-Unis). En allant chercher son fils dans un anniversaire, une mère de famille aperçoit une fillette et paraît profondément troublée. Elle se met à l’espionner pour trouver où elle habite sans que l’on comprenne tout d’abord ses motivations. Comme souvent, il est préférable d’en savoir un minimum avant de voir ce film car tout l’art de Safy Nebbou est de ne dévoiler que lentement les motivations de son héroïne. Nous la voyons se mettre en chasse, patiente et obstinée. Le réalisateur parvient à créer une tension qui, si elle est légère, se maintient tout au long du film et nous ne savons plus qui ou quoi croire. Très belle interprétation, riche et complexe, de Catherine Frot (que le grand public connaît surtout par ses rôles comiques alors qu’elle a déjà prouvé maintes fois qu’elle avait un registre plus large). Malgré la présence de Sandrine Bonnaire, Catherine Frot domine le film, elle en est le pivot central. Toute cette histoire est d’ailleurs vécue par les yeux de son personnage. Au final, L’Empreinte est un très bon suspense psychologique français.
Note :

Acteurs: Catherine Frot, Sandrine Bonnaire, Wladimir Yordanoff, Antoine Chappey, Michel Aumont
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Remarques :
* Par décision de justice du début 2010, le film doit dorénavant porter le titre L’empreinte. Le titre initial L’empreinte de l’ange est en effet celui d’un livre de Nancy Houston.
* L’ « empreinte de l’ange » désigne la partie creuse située entre la bouche et le nez, plus ou moins marquée selon les personnes. D’après une légende, juste avant la naissance, un ange viendrait poser son doigt sur notre bouche, comme pour faire silence, afin que nous puissions oublier le paradis dont on vient et accepter de naître.

Homonyme :
L’empreinte de David Mathieu-Mahias (2004), moyen-métrage avec Michael Lonsdale

Lui :
Ce qui frappe en premier, à la vision de La frontière de l’aube, c’est sa superbe photographie en noir et blanc. Elle est signée William Lubtchansky, grand directeur de la photographie français dont ce sera hélas le dernier film puisqu’il est décédé en mai 2010. Pas un plan qui ne soit parfaitement composé avec un superbe éclairage qui va souvent près des limites. Un grand plaisir pour l’œil… heureusement, car il n’en est pas de même sur le contenu : cette histoire d’amour fou au-delà de la mort apparaît assez ennuyeuse. On peut bien entendu évoquer l’hommage, ou les références, au cinéma muet qui était, il est vrai, un beau vecteur pour ce genre d’histoires. Mais, comparativement, La Frontière de l’Aube manque singulièrement de force. Il eut fallu que ses personnages donnent l’impression de s’élever, de transmettre au spectateur leurs sentiments et leur passion. Ni Louis Garrell ni Laura Smet ne semblent avoir cette capacité. Par leur jeu, ils s’enferment dans leur histoire dont nous ne sommes que spectateur. Le film a toutefois des moments de fulgurance : la scène où l’on assiste à l’une de leurs discussions tourmentées avec un très gros plan sur les yeux de Laura Smet est superbe par son intensité. A noter également, la très belle musique, sobre et pure, de Jean-Claude Vannier avec Didier Lockwood au violon.
Note :

Acteurs: Louis Garrel, Laura Smet, Clémentine Poidatz
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Lui :
Financé par le vicomte Charles de Noailles (qui a également produit L’Âge d’or de Luis Buñuel), le premier film de Jean Cocteau est un moyen métrage de 49 minutes qui nous plonge dans une sorte de rêve illustrant la difficulté de la création et les errements du poète. On retrouve dans Le Sang du Poète certains symboles et thèmes qui sont chers à Cocteau, les corps, le miroir-porte vers une autre réalité, la mort. Cocteau joue beaucoup avec les trucages, utilisant pleinement les possibilités techniques de l’époque pour créer des images surréalistes, à la fois fortes et belles (le film a toutefois été source de querelles entre Cocteau et les surréalistes). Le Sang d’un poète est souvent présenté comme le film le plus personnel de Cocteau dans la mesure il s’est « portraituré » lui-même, pour reprendre sa propre expression. Le titre initialement prévu était même « La vie d’un poète ».
Note :

Acteurs: Enrique Rivero, Elizabeth Lee Miller, Pauline Carton, Odette Talazac
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Lui :
(Muet, 1 minute) Dans un jardin féérique planté de choux géants, une gracieuse fée cueille des nouveau-nés et vient les poser à l’avant-plan. Depuis qu’elle fut redécouverte, cette petite fantaisie d’Alice Guy a souvent été datée de manière incorrecte de 1896 et présentée comme étant le premier film doté d’un scénario inventé (avec l’Arroseur arrosé qui est de la fin 1895) (1). Comme nous le montre l’excellent coffret édité par Gaumont, La Fée aux Choux aurait été en réalité réalisé par Alice Guy en l’an 1900, date qui paraît bien plus cohérente avec sa filmographie. Alice Guy est, avec les frères Lumière et Georges Méliès, l’un des trois grands pionniers du cinéma. Qu’elle ait été longtemps occultée dans les histoires du cinéma est une grande injustice.
Alice Guy a par la suite tourné plusieurs variantes de la Fée aux Choux dont l’étonnant Sage-femme de première classe (1902) parfois décrit à tort comme un remake ou même confondu avec l’original (2). Il s’agit d’une petite fantaisie de 4 minutes, bien plus élaborée, où l’on voit un jeune couple aller chez… une marchande de bébés ! Comme aucun des bébés exposés ne leur convient, la marchande les fait entrer dans la réserve, un jardin plein de choux géants et commence à leur montrer les différents modèles en les cueillant derrière les choux pour les étaler au premier plan sur une couverture comme une vulgaire marchandise. Les nourrissons sont de vrais bébés (on les voit brailler à plein poumons). Le couple finit par faire son choix, paye et repart avec son nouveau-né. Il y a de quoi choquer nos esprits modernes mais l’ensemble reste charmant, d’une grande fraîcheur et surtout plein d’humour.
Note :

Acteurs:
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(1) Les Frères Lumière filmaient essentiellement des scènes de la vie et non des histoires inventées : l’arrivée d’un train, une sortie d’usine, etc… Méliès, de son côté, débutera en 1896. Les premiers films d’Alice Guy dateraient de 1897.
(2) Ces imprécisions ont été engendrées par les déclarations d’Alice Guy dans les années 50 et 60 qui a présenté ce film comme étant son tout premier en le datant de 1896.

A voir aussi : Une conférence de Maurice Ginati à la Cinémathèque Française le 13/03/2011 où l’historien-chercheur place Sage Femme de Première Classe (1902) comme étant le premier film d’Alice Guy. Sa conférence est assez passionnante car il retrace au passage l’évolution des matériels, la construction des studios Gaumont…

Lui :
Fin 1942, en Afrique du Nord, un petit trafiquant de matériel volé recueille malgré lui un aviateur britannique rescapé du crash de son avion. Forcés de fuir, ils se réfugient au Consulat de Suisse. Ce n’est que le début de leur cavalcade… La Poudre d’Escampette n’était pas convaincant à sa sortie. Le temps ne fait rien à l’affaire. Avec le recul, il paraît toujours aussi décevant qu’il était prometteur. La sauce ne prend pas. L’explication de cet échec tiendrait au fait que Philippe de Broca avait écrit son scénario pour Belmondo qui a refusé le rôle (probablement à cause de la fin). Ce fut donc Michel Piccoli qui le remplaça mais il faut bien avouer qu’il ne semble pas du tout à l’aise dans le personnage, semblant toujours forcer son jeu. Nous sommes loin de la réussite de L’homme de Rio par exemple. Pourtant, certaines scènes sont très amenées sur le plan scénaristique. A noter que la seconde partie du film est sur certains points une parodie de Un Taxi pour Tobrouk de Denys de La Patellière (1960).
Note :

Acteurs: Marlène Jobert, Michel Piccoli, Michael York, Louis Velle
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Lui :
Dans les Flandres occupées par les espagnols en 1616, les atrocités de la guerre récente sont encore dans tous les esprits. Lorsque la petite ville de Boom apprend l’arrivée imminente d’un détachement espagnol qui désire y bivouaquer, la panique chez les élus est telle que le bourgmestre préfère se faire passer pour mort. Sa femme prend les choses en main et décide de recevoir les militaires. Ceux-ci se révèleront être bien plus civilisés qu’escompté… La Kermesse Héroïque est une fantaisie historique, adaptation d’une nouvelle écrite par Charles Spaak dix ans auparavant. Le film engendra à sa sortie une vive réaction en Belgique, allant jusqu’à l’émeute : il lui était reproché de tourner en dérision l’esprit de résistance à l’ennemi. En réalité, Feyder a été certainement plus attiré par la reconstitution de ce petit village, une création faite entièrement en studio avec une méticulosité vraiment admirable ; les décors évoquent la peinture flamande (Bruegel le Jeune est d’ailleurs l’un des personnages du film), les costumes sont nombreux et soignés dans leurs moindres détails. L’histoire aurait pu être plus truculente mais il faut reconnaître que Feyder a su éviter toute vulgarité et autres facilités. Les personnages sont typés, mais jamais avec excès. L’interprétation est vive, emmenée par la vitalité de Françoise Rosay (qui était, rappelons-le, la femme de Jacques Feyder). La Kermesse Héroïque reste un film toujours aussi plaisant à voir aujourd’hui.
Note :

Acteurs: Françoise Rosay, André Alerme, Jean Murat, Louis Jouvet, Alfred Adam
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Remarques :
Comme cela se faisait parfois à l’époque, une version en langue allemande fut tournée simultanément avec des acteurs différents : Die klugen Frauen. Seule Françoise Rosay joue dans les deux versions.

Lire une analyse plus complète du film…

Lui :
(Muet, 95 mn) Le Roman d’un Mousse est le troisième long métrage de Léonce Perret. Il s’agit à nouveau d’un scénario construit sur plusieurs épisodes mis bout à bout. Un marquis ruiné et un usurier auquel il doit beaucoup d’argent concluent un pacte secret : le marquis va tout faire pour épouser une riche comtesse, veuve avec un enfant, dans le but d’hériter de sa fortune. Après le mariage, l’usurier parvient à se faire passer pour un précepteur et fait embarquer de force l’enfant sur un terre-neuva en route vers l’Islande dont il ne doit pas revenir… Le film ayant été tourné quelques mois après L’Enfant de Paris, il est bien entendu tentant de les comparer. Si Le Roman d’un Mousse paraît plutôt moins riche sur l’utilisation de gros plans et de cadrages originaux, il bénéficie en revanche d’un scénario bien plus travaillé qui ménage un suspense qui rend le film très prenant. Là encore, Léonce Perret prend le temps d’asseoir ses personnages et de placer la situation de départ ; il parvient ainsi à bien mettre en relief toute la perfidie de l’usurier et du marquis. Une grande partie du film est tournée en extérieurs, la ville de Saint-Malo est l’occasion de belles images sur les remparts. La scène de la tempête tire parti de petites prouesses techniques qui semblent être de la double exposition. D’une manière générale, toutes les scènes en haute mer sont convaincantes et si on les compare avec celles du Mystère des Roches de Kador, tourné un peu plus d’un an auparavant, on mesure les progrès accomplis. Le final dans le Palais de Justice est admirablement construit et maîtrisé. Les évènements des deux derniers tiers du film maintiennent une tension qui ne faiblit pas. Cette tension permet à ce Roman d’un Mousse de traverser les époques.
Note :

Acteurs: Adrien Petit, Maurice Luguet, Louis Leubas, Armand Dutertre, Angèle Lérida
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Lui :
(Muet, 2h04) Sur un scénario conçu comme un film à épisodes, Léonce Perret réalise un long métrage d’une durée inhabituellement longue pour son époque. Après le décès de ses parents, une fillette de bonne naissance est placée dans un pensionnat dont elle s’échappe. Elle est alors kidnappée par un petit malfrat qui voit là la possibilité de demander une rançon. En attendant, il la place chez un cordonnier ivrogne. Tel est le point de départ de L’enfant de Paris, une intrigue policière qui verra quelques rebondissements. Le scénario se déroule parfaitement, Léonce Perret prenant le temps de bien asseoir ses personnages et d’intensifier les situations. Sur le plan technique, le film est étonnant de modernisme : nombreux plans différents entremêlés par un montage assez enlevé, gros plans, contre-plongées et même des mouvements de caméra. Ce film est la preuve manifeste de l’avance du cinéma français d’alors sur le cinéma américain. Perret tourne beaucoup en extérieurs, à Paris d’abord puis à Nice où, avec son opérateur Georges Specht, il fait de superbes plans de la ville et de la baie depuis les hauteurs. La semi-errance du Bosco à la recherche de la fillette est vraiment très belle, poétique même. Le jeu des acteurs est bien retenu, ce qui est remarquable pour l’époque, sauf celui de la fillette qui appuie beaucoup trop l’expression de sa tristesse et son désarroi. Plus que tout autre de ses films, L’enfant de Paris montre la maîtrise et le sens artistique de Léonce Perret. Il est bien plus que le simple « second réalisateur de la Gaumont » (derrière Feuillade).
Note :

Acteurs: Louis Leubas, Maurice Lagrenée, Émile Keppens, Marc Gérard
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Lui :
(Muet, 45 minutes) Le mystère des roches de Kador fait partie des films les plus remarquables de Léonce Perret, réalisateur de plus de 300 films pour Gaumont entre 1910 et 1916. Le film montre en effet un degré de qualité technique et scénaristique assez unique pour un film de 1912. Il s’agit d’une intrigue où un homme (joué par Léonce Perret lui-même) tente de se débarrasser de sa cousine (la toute jeune Suzanne Grandais) afin de toucher son héritage. Le drame se déroule en Bretagne au bord de la mer et c’est là la première nouveauté du film : de nombreuses scènes sont tournées en extérieurs et, malgré quelques approximations (les scènes censées être de nuit en haute mer ont de toute évidence été tournées en plein jour au bord de la plage), le résultat est remarquable. La photographie est d’une qualité rare pour l’époque, qualité d’autant plus évidente aujourd’hui que le film a été merveilleusement restauré. Ce même niveau de qualité se retrouve au niveau du scénario et surtout du découpage et du montage. A noter également, une utilisation originale du « film dans le film » qui nous permet de voir une petite caméra de l’époque à l’œuvre.
Note :

Acteurs: Suzanne Grandais, Léonce Perret, Max Dhartigny
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